综合材料在当代油画艺术的应用论文
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篇1：综合材料在当代油画艺术的应用论文
综合材料在当代油画艺术的应用论文
摘要：综合材料在当代油画艺术中的应用能有效推进油画领域的发展，为了确保此类材料的应用效果能达到预期，文章首先对综合材料的定义及内涵进行介绍，进而在此基础上分析综合材料在当代油画艺术中的运用方法，以期为相关艺术创作人员提供理论上的支持。
关键词：综合材料；当代油画艺术；运用
随着经济全球化的不断发展，越来越多的艺术创作者已经意识到，想要不被淘汰，艺术就必须根据时代的发展做出一定变革，不能墨守成规。对于本文所讨论的问题来说，利用不同材料进行油画创作时所使用的技巧及创作方式等都会出现一定差异，油画作品在特点上也各有不同，而综合材料的应用则能同时在油画中发挥出不同材料的优势，提升油画的艺术感染力和表现力。对于油画艺术的发展来说，综合材料的应用必然能起到很好的推进作用，为了确保这一类材料在油画创作中能发挥出预期作用，本文将针对其应用办法进行详细论述。
一、综合材料简述
（一）综合材料的定义
顾名思义，综合材料主要是指材料的一种综合形态，通过对多种材料的配合使用，绘画作品的艺术感染力以及表现力都将得到有效的提升。在实际应用过程中，综合材料既包含了常见的绘画材料，如油性颜料、水性颜料等，同时也包含了铁制品、矿物质、报纸、布条等生活中常见的材料。随着科技的不断发展，各类新型材料也可以被应用于油画创作之中。
（二）综合材料的内涵
结合现有资料来看，综合材料主要具备以下属性：
1物质属性综合材料的物质属性在材料的颜色、肌理、质感等方面都有所体现，而在应用综合材料进行油画创作的过程中，其物质属性也能给受众带来视觉上的暗示或启发。举例来说，生锈的铁制品以及破碎的布条等的应用能让受众感受到油画作品中所表现出的贫苦、艰难等，颜色较亮的材料则能给人带来轻快、愉悦的感受。
2精神属性综合材料在油画创作中的应用有多种形式，并不仅限于颜色之上，这种材料将能更好地展现出画家的精神世界和个体意识。而对于受众来说，在观看此类油画作品的过程中，综合材料将能从生理、心理、视觉三方面对受众产生影响。
3创新特征相比较于油画艺术的发展历史来说，综合材料显然属于一种新型材料，而在实际应用过程中，综合材料的应用形式也更加多样，油画创作者可以从内容、形式、表现手法等多方面对原有的油画创作形式进行改善，进而在这一过程中更好地做到创新，并利用综合材料更好地表达出自己的内心世界。
二、综合材料在当代油画艺术中的应用方法
（一）综合材料的选择
为了确保综合材料的应用效果，画家进行创作之前必须要做好材料的选择工作，为后续的绘画过程打下良好的基础。在这一过程中，油画家可以结合以下几点内容来进行选择：
1利用综合材料色彩对比突出重点结合上文中的内容，综合材料相比较于传统的材料拥有更多的色彩表现形式，油画家可以通过对这些材料的应用为油画增添色彩，渲染出油画的视觉美感。另一方面，油画创作讲究主次分明，通过对多种综合材料的应用，这些材料间不同色彩上的碰撞和对比将能更好地突出油画中的重点内容，进而更好地传达出画家想要表现的内容。
2利用综合材料为油画作品增加肌理特征综合材料具备物质属性，而材料肌理则是体现其物质属性的主要渠道，在油画创作过程中，油画家可以充分将这一特性应用起来，通过不同材料的应用表现不同物体的肌理特征，进而给予受众更好的观看体验。以画家张元的作品“大自然的启示”系列为例，这一系列油画作品通过不同综合材料的拼贴重组将高山、冰川等自然景象的肌理特征表现得淋漓尽致，进而达到通过综合材料的应用提升绘画作品艺术特色的目的。
（二）综合材料的形式表达
综合材料的应用能有效提升作品的外在形式表达效果，通过对综合材料特有属性的应用，油画外在形式上所表现出的视觉冲击力自然能得到有效的提升，进而提升油画作品的艺术张力。为了达到这样的目的，油画家在利用综合材料完成油画创作的过程中应注意以下几点问题：
1综合材料的形式表达应与油画的中心思想呼应材料的应用应能突出油画中心思想，避免喧宾夺主。对于这样的要求来说，油画家应将综合材料形式表达的重点放在点、线、面以及肌理等方面上。举例来说，部分画家经常会通过胶、蜡、油等材料的搭配和重叠交错来形成作品中各种各样斑驳的肌理，进而通过外在形式为中心思想服务。
2综合材料的形式表达应能辅助油画画面外在形式的体现画面的形式感是油画创作中重要的组成部分，而综合材料的应用则能更好地强化油画画面的外在形式感。以油画作品《有色底实验》为例，作者通过综合材料对画面中的不同色彩进行了点缀，进一步提升了油画画面的质感，确保油画作品的艺术感能达到预期。
（三）综合材料的个性体现
不同材料在艺术特征以及艺术语言等方面的表现都是不同的，而综合材料应用的重点则在于对不同材料的配合上，因此，在利用综合材料进行油画创作的过程中，油画家应能结合材料在物理属性、精神属性等方面的特征对材料进行选择，确保通过不同材料之间的配合能使这些材料在画面中发挥最大的作用。在实际应用过程中，油画家可以结合以下两点内容来进行考量：
1不同材料能为受众带来不同观感结合实例来看，玻璃具有非常好的亮度，贝壳在色彩上能给人带来明快的感觉，石材的应用则能给人稳重之感，木材能让人感受到淳朴、自然的情感。油画家在创作过程中可以结合自身想要表达的情感对这些材料进行选择和搭配，确保这些材料的特性都能在画面中得以体现。
2材料在物理属性上的不同以材料的粗细为例，细的材料常能给人带来高雅、精致的感觉，而粗的材料则主要被应用于表达粗犷、浑厚等情感。以油画作品“山痕系列”为例，作者选用了木材作为主要的材料，木材自身粗细有致的纹路能很好地表现出山体蜿蜒的特征，同时，木质材料自身浑厚的质感也能进一步提升油画作品所传达出的韵味。
（四）综合材料的情感表达
油画艺术创作并不仅仅是对景象、物体的.描绘，同时也能传递出一定的思想和情感，对于这一点来说，综合材料的应用应能起到辅助情感表达的作用。在实际应用过程中，油画家需要注意以下两点问题：
1结合油画主题对综合材料进行选择油画家应能在选定主题的基础上确定综合材料的配合方法。在这一过程中，由于不同画家对于艺术的理解必然存在一定的差异，因此，画家在利用综合材料对主题进行表达的过程中必然也会在材料选择上有所不同。从这一点来说，油画家应能在确保创新性的同时保证材料选择的合理性。
2结合自身思想确定综合材料的使用方法相同材料会因为不同的使用方法而给人带来不同的感受，因此，在结合主题对材料进行选择的基础上，油画家应结合自身的艺术思想及创作偏好等确定综合材料的使用方法。以《山中大方案》为例，作者通过综合材料的拼贴及重组来让画面中的自然景象即写实又矛盾，进而提升油画作品的艺术性。
三、结语
综上所述，综合材料在现代油画艺术中的应用应针对此类材料的选择、形式表达、个性体现、情感表达等几方面内容进行考量，确保综合材料在油画创作中的应用能达到预期效果。总的来说，综合材料的应用是促进油画艺术不断发展的关键，同时，这种材料也能辅助油画家更好地对自身思想以及艺术偏好进行表达，进而达到更好的传播效果。因此，在后续的发展过程中，相关人员必须能进一步推广综合材料在油画艺术中的应用，确保油画艺术的发展与社会发展相符。
参考文献：
[1]李强一切景语皆情语——油画综合材料绘画中材料技法的艺术表现[J]遵义师范学院学报,,(4)
[2]白羽,炎莉阳浅谈综合材料对油画创作的影响[J]美术大观,2018,(6)
篇2：西方油画艺术赏析论文
西方油画艺术赏析论文
绘画与文化背景的关系是密不可分、相辅相成的。艺术的发展依附于当时的文化背景。文化背景是艺术的根源所在,是艺术发展的基础,离开了文化背景艺术只是个空架子,就会失去艺术的鉴赏性,更不会被人理解和认识。我们学习西方油画必须了解西方的文化背景,才能更好地认知和解读大师的作品,学习的同时更要符合当下的文化背景,两者结合才能更好地为今后的艺术创作所服务,才能创作出让人们认识和接受的艺术作品。
伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性”。此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。
西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但我们学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。我们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。
临摹大师是好的,但是我们要清楚临摹的目的,不要盲从。我认识一位学习西方油画的朋友,一开始接触西方油画时就去临摹西方大师的作品,临摹得酷似大师的原作,时间一久对大师的技法就差不多掌握了,他的创作风格也近似于大师,甚至连创作题材都相似,可谓是第二个某位大师。按理说他应该会取得很好的发展,但结果却恰恰相反,不但没有取得多大的成就,就连作品都无人问津。这是为什么呢?原因很简单:他只注意了绘画的基础技法而忽略了大师创作时的感受和当时的文化背景,大师的画已经过了几十年甚至几百年了,时代变了,文化背景变了……如果我们还去这样模仿他们画画,画出的作品自然也不会被接受。我们要做的是学习而不是复制。如果我们学油画就是为了画得和西方哪位大师一样好、一样精彩,为此不断地临摹大师的作品,以期待达到他们的境界,殊不知这是大错特错的。他们的创作意图是否和我们现今的一样?他们的文化背景是否和我们一样呢?都不一样。用不同时代、不同文化背景的东西画出同样的作品怎么可能呢?我们翻看各个阶段的大师作品,绝对不会存在一模一样的画,这是一个道理。就像一个要学习中国画的外国人,如果不了解中国画,不了解我们的文化背景就开始创作,他能画好吗?西方油画进入我们中国的时间很短。西方是油画的发源地,留有很多不朽的传世之作。所以我们学习油画必须去研究西方油画,同时为了要更好地认识和解读它们,还要了解西方各个画派当时所处的文化背景。
文化背景影响着油画的主题和风格,同时油画创作也反映了当时的文化背景。比如文艺复兴显着的特点是现实和人文,要求打破封建神权,打破封建禁欲主义。当时宗教信仰在人们的生活中占有很大部分,许多评说都以宗教为后盾,如此就不难理解文艺复兴时期的宗教画为什么如此盛行了。如果我们不了解原始社会的文化背景,如何能了解画肖像为什么要画侧面的脸和正面的眼睛?了解了当时的`文化背景之后,才知道那是在突出人有特点的地方,为的是更直观地表现一个人的特征。如果按照我们当下的文化背景去理解他们的绘画,肯定会以为是无稽之谈。所以说理解西方的文化背景,有助于我们研究西方油画的绘画方式和语言,有助于我们以后的运用和创作。
画画本质上是在画家本身,是画家自己内涵和修养的展现,也是画家自己的生活经历的缩影。所以,人的境界体现了画的境界,画的完善过程就是画家自我完善的过程。艺术无疑是以表现人生,表现人的心灵世界,坦诚地表达自己的艺术感受为最终目的的。为了对油画作品进行更深刻的认识和解读,我们就要了解过去和现在的文化背景。假如我们去看电影,发现影片已经开演,往往就难以理解银屏上的人为什么如此激动,为什么相互射击乃至相互开战。
我们学习西方绘画的目的是为了掌握油画的基础和技法及绘画语言,最终达到为我们的创作而服务的目的。我们学习的时候必须以当时的文化背景为依托,不能盲目地学习,不能画西方的油画,而是学习西方油画,结合我们的文化背景画我们自己的油画。中国艺术界泰斗靳尚宜先生曾说过:想去国外画画,可以!但是必须回国才能得到发展,因为祖国才是自己的根。意思应该是说出去学到的只是技法、手段、手艺等,真正的骨子里的东西还得是自己生活的地方,只有在我们自己生活的文化背景下创作出的作品才能适应社会,才能被人接受和认知。如果留在西方进而想获得最好的发展是很困难的,因为那里的文化背景不适合你,所以你的作品也就不适合那里的文化背景,很难被那里的人接受和认知。
“学以致用”是我们的最终目的,“学”指的是我们是去学习西方油画的技法、基础知识、绘画方式等,“用”指的是我们把学到的油画技术运用到创作中去,其中,“用”最为重要。我们学习油画要结合西方的文化背景,运用油画时更要结合我们当下的文化背景,如此才能做到“学”得透彻,“用”得巧妙。综观各位伟大的艺术家的艺术成就,除了天赋和勤劳之外,都是顺应了当时的文化背景。
所以,要想在学习西方油画的道路上越走越远,就要在不断地提高自身艺术修养的同时,还要了解文化背景,在文化背景的依托下渐行渐远,走出一条属于自己的道路。
篇3：油画艺术语言表达方式管窥论文
油画艺术语言表达方式管窥论文
在油画的艺术语言表达方式中，造型如同电影或戏剧中的演员，是不可替代的元素，在表达故事情节与思想内容的同时，充分体现着导演的艺术风格与追求。演员也在其中实现了自身的价值与艺术表现。在油画中不论是写实性的还是装饰性的，造型自身的语言价值都直接体现了艺术家的追求与思维理念，同时也最鲜明地呈现出画家的个性与艺术语汇。绘画的表现风格，能给观者留下强烈的印象，以至对油画艺术，人们所感悟和记忆最深的是每个时期不同流派的艺术风格与表达样式。这也可以理解为人们常说的：“不是看画什么，关键看怎么画。”如：毕加索、马蒂斯的艺术作品，今天人们并不关心他们所画的是什么，而是被那单纯、鲜明、直觉的艺术语言表达风格所感动。
一、油画艺术语言的三种表达方式
油画作为一门造型艺术，它的艺术语言必然是可视的、直观的和形象的，线条、明暗、色彩和笔触本身就是它的主要艺术语言。［1］目前，油画视觉形象的表现方式大体包括三种：具象、意象、抽象。从历史的角度来看，具象油画造型的方式产生于文艺复兴之后，科学手法的介入、透视、解剖、色彩等，都促成具象的写实性油画，达到了前所未有的程度。具象油画关注最多的是生活的“真实感”，其对物象真实性的表现令人叹服。随着思维方式、审美情结的变化，印象主义在之后便开始抛掉对形象逼真的把握，转向对光的表现，注重画者内心独特认知，这就有了意象油画的痕迹。但“意象油画”是一个中国文化命题，西方美术界从未提出过“意象油画”这一概念。意象在中国传统绘画的形象表达上更为突出，所描画对象既非写实的又非抽象的，往往是把形象作为载体，借用自然形象达到传达审美情调的目的。抽象形态在二十世纪的绘画中才臻于完善，抽象油画可以理解为为放弃客观特定形象的特征与特性，亦可理解为放弃客观形象的形象特征，进而追求与表达非特定形象的一种视觉“感觉”，使人们产生丰富的联想。抽象形态利用各种手法产生肌理，采用分割聚合等办法，达到视觉感受上的特定艺术效果。油画的视觉效果离不开对形象的处理，离不开具象、意象或抽象的艺术表达方式。不论采用三种形态中的哪一种手法，画家都在强调自身语言与形式的独特与个性，形象表现方式也是传达思想、表露感情的重要手段和媒介。
二、三种形象表现方式之间的关系
艺术语言是构成绘画作品形式的要素之一，它是直接用来表达作品主题思想的，有着直接的关系，也是内容与形式的关系。艺术语言的选择和运用必须与绘画作品的主题需要相符合、相协调，因此它才有美学意义上的一种存在价值，进而对作品内容产生积极影响。具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，指的是艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。古希腊的雕塑作品、文艺复兴时期的宗教壁画和现代超写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，被看做这类艺术的典型代表。欧洲古代的模仿说、中国古代的应物象形说和达?芬奇等人的言论，都是具象艺术有名的理论表述。米勒的《拾穗》可以说是具象油画中教科书式的写实代表。具象油画在造型艺术中有着崇高的地位及影响力，擅长具象表现风格的画家，必须具有高超的写实能力和扎实的基本功。对透视、解剖、光影、线条等都有深刻的理解与驾驭能力，非一朝一夕可以练就。油画诞生于西方，其发展、成熟都在西方，是一个纯粹的西方品牌。直到今日，西方美术界也没有过“意象油画”这一概念，不能不说“意象油画”是非常具有中国文化味道的。虽还没有出现一个以意象命名的画派，但追求主观的表达，追求“意”的表现，只是派别不同，他们的“意”也不一样罢了。广义上的意象油画指的是除了具象写实之外的一切具有表现性质的油画。西方的很多现代派油画都可以归到这层意义上的意象油画范畴中。诸如印象主义、表现主义等都带有意象形态的艺术效果；狭义上的意象油画指的是有意境、有诗意的、具有中国传统文人审美意味的油画风格面貌。杰出代表为吴冠中先生，早些年吴老就曾说“诗比画美”。在他几十年的艺术生涯中，可以说都是对诗的追求，对诗的表现。从吴冠中的作品中可以感受到，其微妙和谐的色彩，点、线、面的布局都能展现出一幅美轮美奂、意境隽永的诗意美景。［2］抽象油画泛指二十世纪想脱离“模仿自然”的绘画风格，以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造型和色彩加以综合、组织在画面上的流派。抽象油画呈现出来的纯粹形、色，有类似于音乐之处。
抽象形态的语汇建立往往要落实到表现手法与手段中。比如肌理的把握，材料的运用都直接作用于形态语汇与样式的确立。因为抽象的语汇不需要对客观形态的把握，相对而言更能直接地体现画家的艺术感受和内涵传达。借助客观抒发情感是艺术惯用的方式，对客观形态的认识与表达融入了人们的情感，使客观形态承载人们的理想与情感，并使形象本身赋予精神的含义。这也使得具象、意象、抽象三种形式语言有互相融合的部分。就形象表现的三种方式而言，具象、意象、抽象的关系并非十分鲜明，具象有时接近意象，意象有时近似于抽象。三者之间是相互不可替代的，应该说是人们表现追求审美的三种不同的方式与角度。在法国画家卢梭的作品中，可以明确体会到其具象绘画强烈独特的艺术价值。但不仅如此，他的作品中所表现的形象，完全被他独特的绘画语言所过滤，使得他的绘画艺术充满了一种童年梦想的愉悦与纯净，活生生地展现出一种图像化了的“梦幻的真实”世界。以具象的手段创造出有别于客观形象的语汇，我们感到强烈的冲击是具象与意象风格的完美融合。在清晰与隐秘之间，在表象与含义之间，总是显现出一种比纯真更让人讶异的内在真实―――原始本性。［3］生活中我们往往看到很多观众在抽象作品前想画中抽象的图形像什么，诚然有些抽象作品是由生活中的特定物品概括、变化而来的，本身带有原来对象的些许影子；但还有不少抽象作品来自稍纵即逝的灵感，表达的是无法言说的感觉和意境，如米罗的抽象形态如果仅仅是具象的隐喻或是变化了的形态，那么抽象本身就失去了自身存在的特定艺术价值。具象油画的特点是逼真细腻的，意象油画的特点是朦胧深意的，而凝练概括对抽象油画来说更为重要……当我们用语汇表达油画风格时，有目的地区别具象、意象、抽象的三种不同状态，而现实中油画在创作或是欣赏中，三者的界线是相互交融的。有时没有明确的区分，尤其是具象与意象，抽象与意象。相比较而言，具象与抽象似乎更有距离。在艺术创作中，我们要求的是内容和形式的完美统一，而要达到这一目的，就要使作品的思想内容同语言的'表达浑然一体。只有恰当运用具象、意象、抽象的表现形式，将它们贴切地融入到要表达的内容上时，艺术语言本身的价值才能得到最充分的体现。米勒朴实、自然的具象艺术语言用来表现弯腰拾穗的妇女、默默祈祷的夫妇、蹒跚学步的孩子……显得格外亲切感人；吴冠中简洁的色墨铺设点染，更能烘托春日江南的清丽景色；毕加索的《格尔尼卡》运用抽象手法，打破了空间界限，将哭泣的母亲、倒地的男子、刺眼的灯泡、嘶叫的马匹融合在一起，有力地揭露了战争的罪恶，具有令人过目不忘的视觉感染力。由此可见，任何一个孤立的表现形式，它本身不存在着美与不美的区别，只有把它放到特定的艺术氛围中，才能看出它是否恰到好处地传神及它的美妙程度。
三、总结
不同的艺术语言的表现方式可以传达不同的思想感情，给人以截然不同的感受。既可以是庄重严峻的，又可以是无限丰富的。具象、意象、抽象三种风格表达虽有各自独特的魅力，但三者的界线又是可以交融的。具象、意象、抽象在油画创作中的选择与运用，应考虑作品的主题需要和画家的特长个性。油画作品不应以具象、意象或抽象划分层次和价值。即使运用同一种艺术表现方式，也自然而然地会带有画家本人的个性特点，呈现出千姿百态、各不相同的艺术风格。画家对于拥有自己独特的艺术语言的需要来自于艺术心态，艺术心态决定了艺术观念、艺术主题，而艺术观念的更新对探索新的艺术表现方式是至关重要的。探寻表现方式的代表性及独特性是画家所关注的，艺术表现方式是画家从事创作，表现主观意图的重要手段与途径。因此，它被称之为艺术媒介，它也架起了客观世界建筑于画家的创作转换为客观精神―――艺术品的桥梁。随着时代经济、科技、文化的发展和社会审美观念的不断更新变化，艺术语言表现方式的创新和再造就成为了必然的规律。
篇4：民间美术图形在油画创作的应用论文
民间美术图形在油画创作的应用论文
摘要：油画艺术是起源于西方国家的绘画创作之一，油画艺术有着深厚的艺术文化底蕴，在油画的发展历程中，受各地文化的熏陶和影响，逐渐形成了不同流派和不同艺术风格的油画创作方式。我国是历史悠久的文明古国，油画艺术起源地虽不在我国，但油画流入我国时间较早，在我国有着漫长悠久额发展历程。但纵观我国现阶段油画风格和作品，多数为对西方油画作品风格的模仿，没有形成具有我国特有文化特点的油画艺术风格，课题研究由此出发，分析研究油画技术和我国民间文化结合的全兴油画艺术形式。为我国油画艺术的创作研究提供借鉴。
关键词：民间美术；美术图形；油画；应用
我国是四大为名古国之一，有着上下五千的历史文化传承。民间美术艺术随着我国的文化传承一起走过了几千年的岁月。我国国土广阔，地大物博，不同地区民生风俗差别较大，经过千百年的传承逐渐形成了格式各样的美术表现方式和美术语言。随着社会的不断发展，人们对艺术形式的追求发生了变化，民间美术艺术独特的风格和浓厚地方民俗特点的体现深受人们的喜欢，也赋予当代油画作业更多的艺术灵感和启迪。
一、民间美术为中国当代油画创作提供养分
古人生产之余，农闲之时，会通过特有的方式进行娱乐活动，这些活动的形式内容以及相关产物逐渐形成了地方特色鲜明的民间美术。经过千百年的文化传承，初见形成了成熟的民间美术艺术形式，如剪纸、面塑、皮影等等。等具有悠久文化传承，和极高艺术价值的美术艺术。画家从此类作品中能获得全新的艺术创造视野，丰富自己的艺术语言。我国民间美术艺术与地方文化的高度结合等特点，是西方艺术无法比拟的`。我国油画艺术家在进行油画作品创作时，可以通过通过了解学习民家美术艺术，去体会民间美术作品中者对于自身情感的表达方式，以及民间美术作品中存在的文化底蕴，让这些艺术养分融入到自身的作品创作中，为作品添加新的色彩以及活力，如我国油画艺术家顾黎明在自己通过民间美术作品门神获得灵感，开创了全新的中国特色油画作品新风格。
二、在油画构图中借鉴民间画图体裁样式
年画是具备中国特色艺术风格民间美术作品的代表之一，我国人民在新春佳节到来之际，通过制作年画的形式表达对新春佳节带来的喜悦，以及对新的一年美好生活的憧憬和向往。顾黎明选取了极具中国特色的木质们年年画作为其油画创作的灵感来源，经过不断的研究和创作，重于形成了具有较强中国文化特色的油画作品风格，顾黎明此系列的油画作品，给观赏者带来了全新的视觉体验，在此系列的作品中，顾黎明老师一改传统油画对于油彩较较为厚重和堆叠的使用方式。采用平面化的挥之方式。并结合年画作品中对人物抽象刻画的艺术表达手法。王华祥老师在创作的《路遥知马力》油画作品中，画面布局借鉴了我国传统中堂的布局样式。画面背景中包含大量的国画元素，而人物刻画延续了西方油画的惯用方式。在画面两侧设计了极具中国特色红底对联，赋予了油画画面设计全新的视觉特点，打破了传统油画中难以渗透中国特色文化的艺术创作限制。王华祥在该作品的创作上大胆的进行了中西文化结合，将中国和西方国家的艺术特色进行拼接，赋予了作品全新的艺术风格。
三、民间美术元素的运用，丰富了画家艺术语言的个性化表达
民间美术有着种类庞大、艺术形态多样化、文化元素较多等特点，将民间美术艺术与油画艺术结合，可以丰富油画的表现形式，让作者在进行油画创作中，对于自己内心的情感表达有了更多的选择，中国画家从接触艺术到形成自己的艺术风格，整个过程都在中国的艺术文化特色中熏陶成长。而油画是一种起源于西方国家的艺术形式，中国画家油画创作中，想要通过西方艺术准确表达出自己情感具有一定难度。正因为如此我国油画作品多数为模仿西方作品风格，而民间美术与油画结合的全新艺术形式则可以有效的解决上述问题，画家通过在油画中艺术民间美术元素，可以更好的对自身情感进行个性表达，让油画作品更具灵魂。同时也可以让民间美术通过油画的形式得以继续传承，提高民间美术艺术影响力，也我国油画作品在世界上获得更高的地位。
四、民间美术多元的造型特色在当代油画中的运用
民间美术在对人物的造型和刻画张，手法夸张表现方式多样化，对人物的某些特点进行了放大，注重人物的内涵特点表达，与西方人物刻画重视人物外形还原相比，我国民间美术人物刻画不仅仅是对外形的模仿，更多的是通过心灵反应事物。正因为如此，民间美术作品是我国各个民族在不同的历史文化环境下形成的宝贵文化财务，通过民间美术作品可以感觉历史和文化的演变与传承。将民间美术多元化的造型特点和艺术表达形式赋予到油画作品中，可以让西方的艺术形式具备中国的文化特点，如王怀庆老师，对中国的剪纸艺术有着深厚兴趣，剪纸艺术古典的艺术表达形式和文化内涵，让王怀庆老师在油画作品中创作中有了新的灵感和启示，结合西方抽象主义的理念，王怀庆老师最终开创了具有中国传统文化特色的抽象艺术形式。
五、民间美术装饰性色彩对当代油画的影响
民间美术色彩的选用都深受我国地方历史文化特点的影响，我国人民长久以来具有积极向上的思维，对未来的生活充满希望与憧憬，民间美术作品中也以红色为主，彰显着我国人们对美好生活的无限向往。傣正杰的作品中颜色的选取受民间年画的影响，红色、绿色是他主要使用的颜色，这符合人们的审美习惯。他的作品《跨世纪的婚礼》以进行婚纱摄影的人物为主角，背景设置大量的年画图案，色彩之间形成强烈的反差。。我们可以看出民间美术的色彩大都是充满活力的，很少有灰暗、沉闷的色调。油画艺术同样有着很强的色彩感染力，可以在一定程度上借鉴民间美术的色彩表现手法。
参考文献：
[1]王晓菊.20世纪80年代以来中国油画中的陕北风景画创作研究[D].陕西师范大学，.
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[3]何湘云.中国传统戏曲题材在当代油画创作中的表现研究[D].湖南科技大学，.
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[5]陈晓莹.红黄蓝与黑白灰的置换――当代中国油画色彩的颠覆与重构[J].天津美术学院学报，（02）：45-47.
篇5：声乐艺术应用论文
【内容摘要】声乐是一门综合性艺术，声乐艺术又是一种审美的活动过程。
文章通过对歌词美、旋律美、伴奏美、表演美四个方面的论述，探索演唱者在演唱过程中只有将声乐艺术诸元素中的美有机凝结在一起呈现出来，才能真正符合美在演唱中的独特艺术魅力。
【关键词】声乐艺术;歌词美;旋律美;伴奏美;表演美
声乐作为一种古老的艺术形式，从古至今获得了快速发展，形成了多种流派、各种唱法，从而逐渐丰富起来。
探究其发展的根源，主要在于声乐是一门歌唱技术与表演相结合的综合性艺术，而声乐艺术又是一种审美活动的过程。
这种美感的获得需要演唱者从歌唱的音乐感觉、情感表现等方面去领悟，并把自己的审美感受和情感体验倾注在歌唱之中，对歌曲进行二度创造，使作品富有生命力，产生出震撼人心的艺术效果。
一、歌词美有助于丰富演唱者的内心情感
歌词是歌曲的重要组成部分，它是由诗人、词作家或剧作家写成，能作为歌唱的诗歌或唱词。
“它的作用在于以言简意赅、形象生动并且适于歌唱的语言把歌曲中所要表现的生活内容以及其形象、意境和思想具体地揭示出来。
它是歌曲综合美不可缺少的组成要素。
”①由于歌词创作的过程蕴含着词作家丰富的内心情感，演唱者要想让欣赏者感受到这种情感，就要在演唱前深入挖掘歌词的含义，准确把握其情感基调及内涵，并加上自己的感悟通过演唱表现出来。
一般情况下，演唱者的情感体验越深刻，其演唱就越真挚感人并富有感染力。
有些歌词的意思很容易让人理解，但有些歌词却要通过把握主题含义才能让人理解。
对于那些难以把握主题的古诗词艺术歌曲的`歌词，演唱者就要从中了解歌曲表达的内容、情感及其内涵，以决定他们再创作时的准确依据，真正做到有感而发，以情带声。
而欣赏者也可先通过歌词了解这首作品的内容，然后再去欣赏由演唱者再创作后的成品时，才会产生情感共鸣和心灵感应。
无论对于演唱者还是欣赏者而言，都可通过歌词获得历史和现实生活的各种知识。
如根据唐朝诗人白居易诗词创作的歌曲《秋花秋蝶》就是诗人借秋花秋蝶的生死变化，来比喻人生的短暂和无奈。
根据诗词内容，作曲家把歌曲分为三段：第一段“秋花紫蒙蒙，秋蝶黄茸茸;花低蝶新小，飞戏丛西东”刻画了秋花和秋蝶的无限生机;第二段“日暮凉风来，纷纷花落丛;夜深白露冷，蝶已死丛中”刻画了秋季寒风吹来，秋花败落，秋蝶丧生的景象。
第三段“朝生夕俱死，气类各相从，不见千年鹤，多栖百丈松”则感叹人生虽不能像“千年鹤”和“百丈松”一样永存于世，但仍要学习它们的精神，努力奋斗。
演唱者只有投入到歌词的氛围和乐曲的意境中，才能唱出那秋意图景中感悟生命的转瞬即逝及古人叹息中的旷达情怀。
②
二、旋律美能充分体现出作品的音乐内涵
旋律是由不同音高的音符按照一定节奏组成的，是音乐的灵魂、核心部分。
用不同长短、强弱的旋律节奏进行排列组合，可以创造出多种美的旋律。
从声乐美学角度来看，它构成了声乐艺术美的主体，通过准确传达歌曲的细腻情感和精神内涵，表达出人对现实生活的内心感受。
作为贯穿于声乐作品的轴线——旋律，它的美能表达出声乐作品的内涵，体现出不同地域的音乐风格及人们的内心感受，旋律美在声乐的艺术美中发挥着重要的作用。
当然，旋律是否优美动听也取决于歌词意境的烘托和演唱者的完美诠释。
当人们听到某种不同的旋律时，内心就会产生不同的感觉。
有的旋律使人兴奋或轻松;有的旋律使人忧郁;有的旋律使人如沐春风，感觉十分美妙。
这些感觉都能在短时间内激发我们对旋律美的感受。
如《呼伦贝尔大草原》是一首富有浓郁地域特色、舒展悠长的歌曲。
该曲是单二部曲式，主旋律部分只有17小节，篇幅较短。
歌曲的节奏采用了4/4和2/4的交错拍子，增强了乐曲的抒情性。
作曲家通过巧妙地转化将乐曲中不复杂的音乐元素进行加工后，让乐曲的层次感得到提升，使歌曲中出现的每个音符及每段旋律都能引起人们对辽阔草原的无限遐想。
降央卓玛用她那质朴流畅的歌声及深沉幽远的演唱风格搭配上缠绵的歌词，把大草原的优美景色唱得自然、惟妙惟肖，使人们在优美的音乐旋律中得到精神方面的愉悦、满足。
三、伴奏美是乐器与人声交相辉映，获得声乐艺术美的重要条件
伴奏作为一门特殊、独立的综合艺术学科，对声乐作品内涵的完美表达，对歌曲旋律进行渲染有着重要的作用。
优秀的歌曲伴奏通过乐器与人声的相互补充，互相衬托，可以把作品诠释得淋漓尽致。
伴奏要明确按照曲谱上标识出来的表情术语进行演奏，还要同演唱者抒发的情感相一致。
如歌曲《我爱你中国》中第一句对“爱”的渲染到第二句对“你”的着意强调，使感情抒发的指向更鲜明，祖国在游子心中的分量倍增。
钢琴伴奏没有采用密集的十六分音符来刻画内心激荡的情绪，而是以宁静、抒情柔美的八分音符的分解和弦上下起伏来衬托情感的表达，以一种内在、深沉的基调使歌声的抒发既有强度也有深度，这样更加突出了人声的表现力，使欣赏者的注意力集中于歌声的抑扬。
伴奏在一定情况下揭示人的心理情感变化。
伴奏者通过娴熟的演奏技巧在乐器上唱出自己的内心情感，还能促进演唱者发挥激情。
舒伯特创作的艺术歌曲中有意识地在诗歌和旋律的主体周围创造出一个均衡完整的音乐机体，把和声、器乐伴奏等音乐因素提高到与诗歌和旋律同等重要的位置上，使演唱与伴奏达到水乳交融的境界。
篇6：声乐艺术应用论文
摘要：声乐是一种具有长久历史的艺术文化，有机的结合科学化的发音和艺术化的语言，而想象力在声乐中占有一定的比例，可以帮助歌者更完美的歌唱，陶醉自我的同时感染听众，是声乐艺术中不可或缺的成分，在声乐艺术中尤其需要重视，本文针对声乐歌唱特点，分析想象力的重要性，探讨如何在声乐艺术中培养想象力。
关键词：声乐艺术;想象力;培养
声乐不仅是一种表演，更是一种艺术文化，也是一种美的体现，相对较为抽象，这就需要有一定的想象力，尤其是对表演者。
在声乐艺术中，应该注意想象力的培养，充分的联想，表情、声调随着想象的情节变化而变化，创造一种歌曲的意境，一首歌曲的演唱是对歌词背后的故事的述说，需要乐理、歌者内心的情感，加上充分合理的想象综合的表达。
以下对声乐艺术中的想象力做详细分析。
一、声乐艺术特点
声乐是一种传统唱法，包含民族唱法、通俗唱法及美声唱法。
歌曲需要通过演唱来表达，将文字加曲调完整的表现出来，需要歌者具有一定的能力。
声乐演唱首先是对演唱内容的理解，根据歌中人物或作词者的感情，以及歌曲的时代或故事背景，不断领悟其中的特殊感觉，从而努力达到一种共鸣;其次是丰富的想象力，根据歌曲凭空想象场景，在脑海画像，描绘出动态的一组画面，并且身临其境，
作为画面中的一个主角，体味演唱;再次灵活运用自己特有的声音，生动委婉的演唱，充分发挥美妙的声音，根据不同歌曲掌握不同的声乐唱法，从而做到演唱韵味十足;科学的运用演唱技巧，音色、音质、感情充分结合，将演唱从一首歌曲升华到一种艺术，做到声情并茂，完成对声乐艺术的完美表达。
二、想象力在声乐艺术中的重要性
想象力是在固有的物质基础上在头脑中塑造出的一种新的形象，是声乐艺术中的重要组成，可以深化声乐表演。
一首歌曲的歌词单单是文字的表达，歌唱是一种展现画面的简要途径，而在这个过程中想象力就发挥着至关重要的作用，例如《桃花谣》中“桃花美，桃花艳，开在那三月间，桃花儿红，女儿美，梦儿飞满天”，演唱时需想象三月桃花盛开，粉红染了一片的场景;《为了谁》中“泥巴裹满裤腿，汗水湿透衣背。
我不知道你是谁，我却知道你为了谁”，所有的歌词都需要想象刻画那种画面，一点一滴的表达，通过合理充分的想象来寄托歌者对歌曲内容的那份感情，继而形象生动的演唱。
可见，想象力在声乐艺术中的重要性。
三、如何培养声乐艺术中的想象力
(一)树立正确的人生态度
歌唱和人生有着密切的关联，演唱的声乐歌曲，或许是一件事情，或许是一种情感，或许是一个现象，又或许是一个人的一生。
但不论是什么，都需要借助歌者淋漓尽致的演唱来体现。
声乐表达的大多是比较积极、意义深远的，这同样需要有积极的人生态度，树立正确的人生态度，有利于帮助判断歌曲叙述内容的动态方向，从而有助于发挥想象力，正确、高效的把握歌曲。
(二)拓展声乐实践
在声乐的学习中，仅仅是掌握声乐的一些理论并不能提升对歌唱的表达，还需要不断拓展声乐实践，在实际演唱中一点点训练，不断将技巧与情感结合。
在各种场地适应自己声乐歌唱的表达方式，通过练习不同题材的歌曲、多样叙述方式的歌曲，在不断的实际锻炼中积累经验，创造出一定的想象空间，训练想象力融入到歌唱的能力，一步步提升歌唱水平，不断的巩固和发展自我。
(三)提高文化素养，拓展知识领域
文化素养起着一定的决定性的作用，特别是在声乐艺术中想象力的发挥，如果不具备一定的文化素养，有可能无法形象生动的想象出歌曲的背景画面。
提高文化素养，通过对各类文化的不断学习，尤其是国内外的传统文化，传统文化更加利于体会声乐歌曲的时代韵味。
做到不拘泥与音乐学科这一门，可以拓展知识领域，多了解一些其他领域的文化，例如传统美学、汉语学等，开拓阅历，丰富精神层次，可以帮助歌者以一个全新的视野对歌曲进行审美，避免受到知识广度的束缚，无法充分理解想象。
(四)生活中留心艺术
人常言“艺术源于生活，而高于生活”，在生活中留心艺术帮助歌者更深刻的体味生活的五味杂陈，喜怒哀乐，欢聚离别，各型各色的人，各种各样的生活，共同组织成一个大的集体，作为这个集体的一员不可能所有都亲身经历一遍，但却可以通过观察、留意将生活的点滴印在心里。
遇到类似歌词可以轻松抓住核心情感，更加利于歌唱的表达。
从生活寻找艺术，同样可以激发歌者的创作，对歌曲的把握更为灵活。
四、结语
综上所述，在学习声乐的过程中，充分的发挥想象力有关重要，可以帮助发挥歌唱技巧，使歌唱更加具有渲染力，且良好的想象力能够冲击歌者的灵感，帮助其在声乐艺术中的创作。
想象力在歌者的学习和歌唱表演过程贯穿始终，是一种声乐艺术完美展现的有利因素。
在声乐艺术中，充分重视对想象力的培养，通过树立正确的人生态度、拓展声乐实践、提高文化素养，拓展知识领域、在生活中留心艺术来实现在声乐艺术中培养想象力。
[参考文献]
[1]吴喆.声乐演唱中审美想象的作用分析[J].青春岁月,,06:111.
[2]赵曙光.浅论声乐演唱中想象力的运用[J].新课程研究(上旬刊),,02:189-190.
[3]刘曼君.论声乐教学中想象的作用及歌唱想象力的培养[J].怀化学院学报(自然科学),,11:111-113.
[4]孙凯,罗卉.声乐表演艺术中的想象力及其培养[J].涪陵师范学院学报,2006,06:125-128.
[5]曹文海.“想象”是通向声乐艺术殿堂的重要途径[J].天津音乐学院学报,,03:91-95.
篇7：声乐艺术应用论文
摘要：声乐演唱是音乐表演艺术中的一种重要的形式，精湛的演唱能够动人心扉，引起共鸣，这就要求演唱者既要有高超的演唱技巧，又要有饱满的情绪，不能过分追求技巧而导致情感的苍白与空洞。
关键词：声乐表演;技巧;情感
随着时代的发展，社会精神文明建设不断进步，人们对音乐的认识层次也越来越高，声乐作为一门专业的艺术学科，并不是只靠好嗓子就能学好的。
事实上，它是一门综合性较强的学科，对歌唱者的音乐素质、综合素养、内在情感、外在气质有一定的要求，并且要求歌唱者有执着追求的精神、自信的状态及乐观的心态。
一、技巧是呈现美感的基础
声乐是人们用自身的器官发声来表达音乐思想情感的一种表演形式，一个完美、准备的表演一方面可以给听众带来听觉的享受，另一方面也能把音乐的美渗透到观众的心灵深处，使人们的心灵得到系洗礼，变得更加高贵、纯净。
歌唱的技巧是歌者经过长期系统训练，身体各机能都默契配合形成一种自如应用声音技巧表达歌曲思想感情的歌唱能力。
本人在长期的声乐学习中，结合自身实践，认为掌握好声乐技巧主要有三点：1、正确的呼吸;2、积极打开的状态;3、高位置的意识。
下面我将具体谈谈这三点。
(一)正确的呼吸
在意大利传统年的教学中，是非常注重呼吸的，甚至说：“谁懂得呼吸，谁就会唱歌。
”本人在实践过程中，也感觉到呼吸是支撑着歌者声音的源动力。
强调正确的呼吸，也是美声唱法的原则之一。
关于呼吸的理论许多声乐著作上都有谈及，大致分为三种：胸式呼吸法、腹式呼吸法、胸腹式联合呼吸法，现在的教学一般都提倡胸腹式联合呼吸法，在日常教学中，老师都会教学生说：“放松自然的呼吸，叹下去，再吸气，吸气使两肋扩张，保持吸气的状态，吸着唱。
”老师用形象化的语言使学生的意识指导行动，这样一来，长期反复的练习，正确的呼吸就自然而然掌握了。
(二)积极打开的状态
本人在上声乐课的时候，老师经常说要挺胸收腹、两肩放松、头正腰直，保持一个兴奋的状态，这便是积极的体态了。
除了要有积极的体态，还需要我们通过吸气打开喉咙，老师常说“半打哈欠”的状态也就是要我们保持一个打开喉咙的状态，我们练声时练的“U”母音也是帮助稳定打开喉咙的。
但打开喉咙不等于刻意的撑喉，刻意的撑喉会使颈部周围的肌肉过分紧张，舌头往下压，这样不但没有帮助歌唱，反而形成了舌根音。
打开喉咙是非常重要的一个环节，如果喉咙打开的不够气息便不会顺畅，容易导致我们的声音发紧、摇晃，长期甚至可能引发喉疾。
(三)高位置的意识
美的声音不管在哪个声区都是集中、圆润、明亮、灵活、轻巧的，那么能发出这些特质的声音除了天生音色好听之外，更因为歌者在演唱时很注意保持高位置。
我理解的高位置是面罩共鸣，早期的一些声乐界权威教授，如中央音乐学院沈湘教授、上海音乐学院的温可铮教授等就注重“面罩”唱法。
歌者把声音放在管道里，贴紧鼻咽腔、挂在头腔，再加上良好的气息支撑和积极打开的状态，这样发出的声音便会使听众感到通透。
二、情感既是对作品的二度创作
声乐艺术的情感表达是歌者对作品的分析理解、风格把握，我们拿到的乐谱毕竟只是写在五线谱上音符，而作曲家、作词家倾注在作品里的情感则需要歌者通过对作品思想情感准确的解读后用声音的.色彩、力度、速度、语言、表情动作等等来表达出来。
能够充分的诠释歌曲的内涵与歌者对内心情感的融入是密不可分的。
说到情感表达，让我想起了上海音乐学院声歌系贺建党90周年的音乐会上，李秀英老师演唱的《黄河怨》。
李老师用哀怨的音调将作品想要表达的悲壮、屈辱、痛苦、愤怒近乎绝望的情绪演绎的淋漓尽致，她那高超的技巧加之对作品的情感投入，成功塑造了一个妇女在抗日战争时期，受尽鬼子辱，家破人亡、万分悲痛中英勇顽强、不屈不挠甚至以死抗争的崇高形象，其深入人心的演唱使我几度潸然泪下。
任何一首作品都需要歌者不断揣摩，站在创作者的意图上，全面分析，加之自己的音乐修养，巧妙的运用不同音色赋予作品鲜活的生命，进行二度创作，使歌曲富有感染力。
三、情技合一是声乐艺术的最高追求
歌唱是人们抒发内心情感的一种方式，只有声情并茂的演唱才能俘获听众的心。
在声乐学习的过程中，技巧与情感是最重要的两个部分，二者相辅相成，既不能因过分追求技巧而忽略情感的表现使作品显得苍白又不能在技巧没有成熟之际胡乱表现情感。
恰如其分的情感表达赋予了歌曲灵魂，也让歌者能够通过演唱而发挥魅力、绽放光彩。
当然情感与技巧的协调统一并非一蹴而就的，这需要歌者经过长期系统的、科学的训练方法加之持久的恒心、信心以及对演唱高度的敏锐度。
声乐艺术道路的追求非一朝一夕之事，我相信，只要坚持，定会有越来越多的好歌者展示美的声乐演唱艺术。
[参考文献]
[1]黄认识.论声乐演唱中情感与技巧的辩证关系.上海师范大学硕士论文,2006,5.
[2]王晓棠.声乐演唱中方法与情感的统一及其解决策略.艺海,2011,11.
篇8：声乐艺术应用论文
摘要：想象与情感设计作为声乐艺术的重要组成部分，如何在声乐艺术中运用这两大元素，是当前音乐工作者广泛关注的话题。
本文综合声乐艺术的特征，对声乐艺术中的想象与情感设计进行简单阐述。
关键词：声乐艺术;想象;情感设计
声乐作为一门艺术，集合了专业性、技术性等若干特征，是人们抒发真实情感、沟通与交流的重要渠道。
想象与设计则是声乐艺术表达的重要形式，将情感融汇到歌曲中，以情感人，充分表达演唱者对歌曲的真实领悟。
在这一过程中，对声乐艺术进行了再加工，实现了艺术的升华。
因此完美的声乐艺术表达，离不开想象与情感设计。
一、想象与情感设计在声乐艺术中相互依存
在声乐艺术中，表演者应该客观分析、充分了解作品的内容，将想象与情感融入到演唱画面中，体现作品的表达意义与情境，真正做到艺术的“天人合一”。
首先，情感是声乐表演中必不可少的，也是激发想象力与创造力的根本;其次，想象力推动了情感的表达，是情感深化的重要保障。
众所周知，艺术来源于生活而又高于生活，因此艺术中既有真实情感的表达，也离不开想象力的装饰[1]。
想象力在声乐艺术中的运用，常常以特殊的形式体现出来，对人脑中已存在的记忆表象进行再加工、再改造，进而形成一个全新的思维与心理变化过程。
声乐艺术的想象力，是人类创造活动的体现之一，一般以生活实际为材料来源，并对生活经验进行创新，生活最终运用到艺术表达中，这样声乐艺术作品也有了自己的情感。
反过来，情感的表达促进了想象力的开展，最后展现的艺术作品也表达了其艺术形象。
所谓艺术形象，也就是在艺术作品中赋予的人们的情感与感受，艺术家在艺术作品中结合了自身的情感体验，将原本抽象化的艺术以具体的形象体现出来。
艺术形象一般可分为视觉、文学及听觉等内容，其中文学形象较为特殊，也具有较强的代表性，主要通过语言文字来表达情感。
实际上，文学形象也是一种特殊的艺术表达形式，利用想象力，塑造了艺术形象。
在声乐艺术作品中，歌词决定了一首歌的内容、思想，曲调则决定了一首歌的基调与意境，最终通过声音表演呈现给观众。
例如在陕北民歌《山丹丹花开红艳艳》中，创作的背景是针对陕甘根据地革命，歌曲中的每一句歌词都经过反复斟酌与推敲，“一道道的那个山来呦一道道水，
咱们中央红军到陕北，一杆杆的那个红旗呦一杆杆枪，咱们的队伍势力壮”，当演唱者在舞台上表演这首歌曲时，观众的脑海中就会展现出陕北村民迎接红军队伍的场景，画面立体且生动。
因此，艺术作品的形象来自于生活中的形象，是生活中情感与经验的积累，在此基础上发挥想象力，将艺术作品呈现到舞台中。
二、声乐练习中离不开想象与情感设计
在声乐训练中，同样离不开想象与情感设计。
无论是教师教学还是学生学习过程，都需要将原本抽象的艺术作品想象为具象的内容，然后赋予情感表达出来。
在声乐训练过程中，往往教师会启发学生去理解作品，运用发声技巧，提高声乐表达的精准性。
例如：“吸气换气”是声乐演唱时重要的应用技巧，老师在训练学生时，可激发他们的想象力，将演唱者置身于大自然中，呼吸新鲜的空气，感受鸟语花香，这一过程就感受到如何“吸气换气”，更利于学生的接受和理解。
可见，在作品的演唱训练过程中，想象与情感设计的应用非常重要。
例如：在演唱《小白杨》时，“根儿深，干儿壮，守望着边疆;微风吹得绿叶沙响，太阳照得绿叶闪银光”，此时演唱者的心目中就出现了“哨所旁的小白杨”，想象着当兵人对家乡的思念，将这种情感加入到演唱中，更加深刻地体会歌曲意味。
因此，将想象与情感设计应用到声乐艺术的训练过程中，无论是对技巧还是音乐表达的强化，都起到引导作用，提高音乐训练的效果。
三、想象与情感设计增强表演者心理素质
在表演声乐作品时，演唱者将经过加工的艺术完美地呈现给观众，但是在舞台表演中，经常出现表演者失误、忘词、怯场等现象，此时如果能够合理运用想象与情感设计，则可化险为夷，顺利完成整个演出过程。
由于个别演唱者的心理素质不佳，虽然平时训练时表现较好，但是一登上演出舞台就状况百出。
分析原因来看，主要由两方面原因造成：其一，专业技术掌握不娴熟，不能连贯运用演唱技巧，造成表演脱节;其二，心理素质欠佳，由于紧张而导致不能正常发挥。
那么提升心理素质过程中，想象与情感设计也发挥了不可忽视的作用。
首先，在整个表演过程中，想象与情感设计贯穿始终[2]。
对于演唱者来说，必须意识到想象与情感设计的重要性，上台前对作品充分准备、充分理解，即使演出时出现一些不可避免的主观、客观因素影响，演唱者也可凭借自身对作品的理解，很好地完成演出，不会被突发事件影响;其次，
演唱者心中已经对作品有了整体的想象与情感设计，那么上台之后，作品的形象、人物、情感等都在表演者心中，能够更好地进入到作品的情景中，表演更加自然，避免了怯场，能够帮助表演者树立自信心。
由上可见，想象与情感设计在音乐表达中都占据非常重要的地位，贯穿于音乐作品的表演、训练等多个环节，作为声乐表演者，应将个人的生活经验、形象感受、真实情感等赋予艺术作品中，发挥想象力、表达艺术神韵，
实现声乐作品的升华;将想象与情感设计巧妙地运用于声乐作品中，让作品更富生命力，让舞台表演更加真实、活跃，更好地表达声乐艺术情感。
参考文献：
[1]刘璐.浅谈声乐艺术的三大特征[J].读写算(教育教学研究),,(22).
[2]徐凤香.论声乐演唱中情感的表现[J].都市家教(上半月),2013,(12).
篇9：油画艺术的研究与探索论文
油画艺术的研究与探索论文
文化表现力与综合修养有关,与文化积淀相联,从这个大视觉来看,对油画的文化表现力的关注具有重大意义,我们可充分利用赣南客家的民俗文化传统资源,找准某个切入点,找到与当代的民俗文化的契合点便会有新的创造,外来优秀文化是人类共有文化,在不丢失自主传统民俗文化的情况下,融合吸收,增强油画的传统民俗文化表现力,从而高扬赣南传统民俗文化精神和理想,从内因上加强绘画对当下现实的批判和审美功能,所谓“笔当随时代”,应成为当代民俗文化的一个序列。
油画发展创新的前提是“传承”。“传承”包括对传统民俗文化的继承和外来油画自身所具有文化特征、特别是油画语言特性的继承。“融合”内容应是借助当代多元文化的语境对传统文化进行重新审定,在被认识的过程中完成重建的目的。艺术是离不开特定时代的,一个成功画家的艺术灵魂就是要有一种主体性的文化精神力量,处在不同时代,不同的人,应对艺术有着不同的文化理想和追求,但是其主体文化精神是不变的,是根。油画作为一个外来画种,其引进的过程也是与本土文化进行不断融合的过程。如何对传统民俗文化从当下现实中寻觅更具本土意义的思想观念和文化主题,以创造更具民俗特征的赣南油画,更好的促进赣南油画艺术的发展。对传统民俗文化,林风眠的可贵之处在于,他没有限于当时的历史局限,而是把中国艺术的发展同世界新艺术的发展联系起来。他认为:“绘画的本质是绘画,无所谓派别,也无所谓中西。”他是站在传统民俗文化的立场上用自信的眼光平等地看待西方艺术的。所以,对传统民俗文化的研究、学习,以及对艺术语言当代性的追求,是一个艺术工作者应具备的品质,也是赣南油画艺术家所应具备的品质。我们要在融合赣南传统民俗文化和当代文化的同时,更多地关注当下的赣南社会现实,把握变动的时代脉搏,创作出更多具有时代气息的.油画作品。
20世纪90年代以来,中国油画一直试图确立自己的“本土性”,但长期以来在西方油画语言的影响下,举步维艰,而受当代艺术观念和世界性的后现代思潮的影响,使我们有了新机遇,开始重新审视中国区域传统民俗文化艺术。在这种历史背景下,对于当代油画创作者来说形成“宽视野,深扎根”的创作原则是必然的选择。艺术家要想创造出具有独特魅力的艺术作品,他就必须走出尾随他人的怪圈,深深扎根于自己最能发挥敏感性的文化资源之中,并按照个人的真实性情,最为纯真地进行艺术创造。艺术来源于生活,通过赣南传统民俗文化艺术资源,来强化油画作品的民俗性和地方特色,从而充分展示独有的艺术魅力。艺术家要做到深扎根,首先要对本民系中的传统民俗文化资源做真切的现实感受,从而转化为艺术的精神能量,成为艺术创新的不竭源泉。由于现实生活既是民俗性的,又渗透着现代性,所以,对艺术家来说,这是最宝贵、最重要的艺术源泉。充分利用这种优势,强化真切的体验,才会使自己的艺术创造显现出特殊的艺术魅力。要下大功夫学习赣南传统的民俗文化艺术,清醒地认识这种传统民俗文化的长处与短处,熟悉、领悟民俗生活中的艺术精神,这是在艺术变革中保持传统民俗文化的血脉,不丧失民俗艺术特色的重要途径。传统民俗文化艺术中保留着属于我们文化遗传基因的特性,那是本民系先人审美文化创造成果。尽管随着时代的发展、演变,许多东西已不适用,但其中具有生命力的东西,完全可能唤醒民族气质共有的特殊敏感性。每一种文化既有自己的长处,也会有自己的短处,如果一个艺术家完全抛弃属于自己优长的东西,而试图通过完全摹仿别人的优长来与其比高低,他注定是个失败者。明智的对策自然是扬己所长,补己所短。
充分利用油画语言的特性,发展具有地方特色的油画艺术,传承客家文化,油画语言创新的着眼点应是首先确立自己的主题精神,强化自己的话语方式。从油画语言所固有的表现力与张力,切入赣南传统民俗文化层面,树立一个传承与发展,成为人类传统民俗文化共有的一部分,而不是依附,以赣南传统的民俗文化方式行事,做出对当代文化精神和文化理想的自主性反应。
当然,民俗意识、民俗风格是自然而然的东西,不是可以任意外加进去的什么“佐料”,只要民俗精神不泯灭,油画及一切外来艺术样式总归要渗入民俗性,这几乎不是以人的意志为转移的,所以,我们的艺术创作都有自己的质的规定性,都应与传统民俗文化的深层相连而呈现鲜明的民俗气派,民俗性应是一种必然的,无须改正的品质。油画语言所呼吁的文化是代表一定民俗特点的,反映其理论思维水平的精神风貌、心理状态、思维方式和价值取向等精神成果的总和。民俗文化表现力是画家对传统民俗文化与外来文化融合吸收后,在当代艺术创作中所体现出来的时代精神和人文理想。在赣南传统民俗文化中创造新形式和对现代艺术形式的“本土化改造”,将西方近现代油画表现形式,通过自己的感悟、转化、发展和独特创造,努力建立起有赣南本土民俗文化特色的油画表现形式。以民俗化的绘画立场,致力于在绘画中追求赣南本地传统民俗文化的自觉和成熟,以富于智慧性的民俗化思考。充分认识到失去民俗传统文化品位、品性的绘画是没有生命活力的绘画。因此,我们以在民俗化基础上不断创新,在不脱离传统民俗审美意识形态下发展内在的、恒久的精神“生产力”。
赣南民俗传统油画创作的代表之一,赣南师范学院美术学院江锋教授,自幼受赣南民俗文化艺术的浸润和熏陶,对赣南地区民俗传统文化有着深厚的感情和独到的见解,擅长油画,在业务上始终专注于欧洲传统油画艺术语言的研究,勤于创作实践,其作品主要表现自己所熟悉的客家民俗风情,尤其关注人的生存环境、光色变化及鲜活的人和物状态等生活原始素材,并在艺术思想和创作实践方面有所拓展。代表作品有《客乡女》、《围屋情》、《山乡细路》等。
《客乡女》表达了赣南客乡妇女丰收后万分喜悦的淳朴心情,石磨是赣南地区最具代表性的民俗生活器具,也是当地居民特别钟爱的日常生活用具之一,画家以夸张的创作手法利用油画颜料的特点真实生动地表现了这一热闹场景,每个人的表情、动作、神态、穿着都体现了赣南客家日常生活中民俗文化的特色,包括头饰、衣服上的装饰花纹及样式等。既表现了自身的特点,又表现了赣南客家妇女热爱生活、奔放豪爽的形象与性格特征,最普遍的生活场景在作者的画笔下得到了艺术的再现。从江锋先生的作品中可以看出创作的真诚所在,他曾说过:“只有真诚地对待生活,真诚地对待绘画创作,才能找到适合自己的创作道路。”
画家运用客家民俗传统文化元素进行油画艺术的研究与探索,在观念与技法的融合下创作出了有代表性的艺术作品。作为油画方向的研究生,我们有义务,有职责以弘扬客家文化为己任,以油画为载体,充分发挥赣南客家传统民俗文化的优势,积极挖掘客家美术题材,努力创作具有浓郁地方特色的客家美术作品,描绘客家美术的人文景观、民俗风情,并通过文化认同,增强与海内外客家人的联系与沟通,向世界奉献更多精美的客家美术画卷。将赣南客家油画艺术推向更高的顶峰。
篇10：声乐艺术应用的论文
摘要：声乐艺术是一门独具风格全面型的表演艺术形式，其目的就是将作品中的思想情感通过演唱和舞台表演淋漓尽致的传达到观众的心中，在欣赏音乐的同时，受到艺术感染，得到美的享受以及视觉与听觉上的冲击。
但笔者研究发现大多数歌者在演唱中往往无法将歌曲中所要表达得情感与舞台表演相结合，甚至产生了一些问题。
对此，本文将主要针对歌唱情感表达的理解、歌唱的基本修养以及情感表达与舞台表演相结合等方面去进行分析。
关键词：歌唱基本修养;情感表达;舞台表演
一、来源于生活的“声”与“情”
歌唱就是要声情并茂，不仅要唱出声，更要唱出情。
情感真挚丰富，才能表现出艺术的真实，感人肺腑，才能唱出生活。
在生活中学会观察入微，亲身去体会所有的人和事，将其融入到所要表现的歌唱中，那将会是最真情实感的声音。
歌唱从来就不曾离开过生活，它来源于生活，当我们看到浩瀚的大海，巍峨的山峰就会情不自禁的想放声高唱，以此来抒发情感。
生活是丰富多彩的，音乐所要表达的情感也不会是单一的，无论是怎样的情感都需要歌唱者通过歌曲将它展现在舞台上，让听众受到艺术的感染，产生共鸣。
歌唱中还需要对所演唱歌曲的歌词和音乐进行理解，再用歌声演唱出来，这样不管是演唱者还是听众都能从声音中感受到歌曲所表达的主要内容和思想感情。
歌曲的“情”是通过唱歌的“声”表达出来，“情”和“声”互相依赖;“情”促使“声”的发挥，“声”表达“情”的深意。
歌唱就是“情”和“声”的统一，“声情并茂”是歌唱的主旨。”①
二、歌唱的基本修养
在歌唱中最重要的一方面基本修养就是扎实的演唱基本功，无论是对作品理解有多透彻，演唱基本功不到位都是徒劳，因为根本无法用歌声表达出来，所以，稳扎稳打地练好基本功对于一个歌唱者来说是至关重要的。
笔者以前曾演唱作品时有过这样的经历，很清晰所要表达的感情，可是声音上表现不出来。
需要快慢收放自如的时候，发现声音完全不受控制。
强的时候上不去，弱的地方下不来。
这样的情况说明了对作品的驾驭上就出现了问题。
基本功不扎实、技术低会大大限制演唱作品的范围和艺术表现力，使歌曲在演唱时缺少感染力，无法打动听众，这就失去了歌唱原有的艺术魅力。
个人的文化艺术修养也是歌唱中必不可少的。
对演唱作品的理解分析是根据不同的思想文化水平不同，即使具备了前者的演唱功力，文化艺术修养不提高也很难理解作品的真实内涵，就更谈不上很好的表现出来了，所以光有好声音和扎实的功底，也是远远不够表达一部作品的全貌。
三、舞台表演中情感表达与形体动作相结合
(一)“神形兼备”的舞台表演
我们在歌唱时大部分精力都会集中在声音与感情的处理上，很少注重形体动作的协调，但是，在演唱一首歌曲时不能在舞台上一动不动地从头站到尾，在感情抒发上缺乏感染力，这会引起观众视觉上的疲劳，所以适当的形体动作会“加分”不少。
形体动作与声音一样都是从“情”为出发点，以“情”带“声”，以“情”带“形”。
体型在演唱时随着感情的抒发而动，切勿手舞足蹈。
动作对于歌唱只是一种外在的辅助作用，要恰到好处，太多的动作和大幅度动作反而会画蛇添足，影响整体的情感表达。
眼睛是传递情感的重要窗口，许多情感的表达都是眼睛来传递的。
在舞台上表演时，眼睛要有神，要用眼睛与观众进行交流。
不同的作品有不同的情感，要用眼神的.交流让大家产生共鸣，这样才能抓住观众的心。
情感应该在内心中形成，在外在的表情中有所体现才行。
外在的面部表情与感情直接相关,其表现的真实感情和表情是统一的。
不同的感情,在面部的表情中的体现也各不相同。
声乐演唱者在舞台上对作品情感的表达时,一定要大胆地敢于在面部表情中有所体现，是怎样的感情就展现怎样的表情,情感不同表情不同。
因此，歌唱者要不断地根据不同作品所要表达的情感去训练自身的形体动作、眼神以及面部表情，使自己能够更加充分地抒发感情来打动自己和观众。
(二)“情”与“形”的结合
作为歌唱者最后要做到的是在舞台游刃有余地演唱不同风格的作品，扮演不同的角色，拥有不同的性格，表达不同的情感。
声乐表演中情感的表现尤为重要。
“在声乐艺术活动中，无论是课堂教学还是舞台演出，歌唱者情感变化要十分明显，特别是舞台演出时强度更大，常常表现出激情。
这种鲜明而强烈的情感，就是所谓的“感情投入”和“进入角色”。
”②由于演唱作品的不同，演绎的角色也会因此有所不同，既要唱又要演，只是单纯的投入角色是远远不足以表现的，这就要求在形体动作上需要达到与情感的融合。
准确形象，用落落大方的形体动作去塑造人物形象。
对形体动作与情感的融合中，只有真正的理解吃透了作品中的内在含义，才能从心底体会到它所要表达的思想感情，才能使自己融入到音乐中，才能在结合歌唱方法技巧的同时，加入形体上的动作美，演绎出打动人心的歌曲来。
声乐表演艺术中，歌唱情感的表达与舞台艺术的相结合是重要的。
只有做到“声”、“情”、“形”完美的统一，才能在舞台上将作品演绎的淋漓尽致，动人心弦。
通过此次研究，笔者希望更多的歌唱者能够切身的去体会并结合运用到自身的演唱中，为我们带来更多音乐盛宴。
注释：
①沈思岩：《声乐讲座》，北京：人民音乐出版社，1983年，第129页。
②田春雨、王磊、潘芳：《声乐演唱理论与舞台表演实践》，北京：中国书籍出版社，，第217页。
参考文献：
[1]沈思岩.声乐讲座[M].北京：人民音乐出版社,1983.
[2]吴晓丽.漫谈中华声乐艺术美[M].北京：中国戏剧出版社,.
[3]爱德华•汉斯立克.论音乐的美[M].北京：人民音乐出版社,1980.
[4]田春雨,王磊，潘芳.声乐演唱理论与舞台表演实践[M].北京：中国书籍出版社,.
篇11：声乐艺术应用的论文
摘要：本文从声乐艺术的特征，声乐艺术想象再造出发，对声乐艺术再造想象应用进行了相关研究，并对声乐艺术再造想象培养进行了相关探讨，希望能够给予同行以借鉴参考。
关键词：声乐艺术;再造想象;研究
在歌唱者或者相关音乐人进行歌唱、声乐表演或者其他声乐阐述形式的过程中，并非只是单单依存乐谱或者既存的音乐表演形式进行的一种展示，而是融合想象、感知以及思维等这样一个综合性的心理学运用过程。
而往往这些因素能够使声乐表演更加具有其特殊性。
换句话说，这是在原有的单纯音乐基础上，以散发的想象性思维对声乐进行的再造。
只有通过这样一个感知的过程，才能从本质上掌握好发声演唱的规律与内涵。
古往今来，众多的音乐家都表现出了对于声乐表演过程中想象力的重要性的看法，布罗伊赖曾指出：“理想的歌声是一种只有在思想上形成了想法才能完成的条件反射。
”由此可见，无论是在声乐技巧的培养、技术的提高或者实在实际的演出过程中，想象都对于音乐再造产生了重要的作用。
因此，对于声乐再造想象做深入应用研究存在其必然性。
一、声乐艺术及再造想象概述
(一)声乐艺术的特征
作为艺术的一种，声乐艺术融合了听觉与视觉，表现出它的第一个特征，即是传统意义上一种美的表现。
声乐艺术之美以人体发声器官为依据，在其原声的基础之上，融合了思想、感知、记忆已经演唱者自身对于这一段音乐的理解与深厚的情感投入。
因为声乐艺术来源于人，并回归于人。
因此在某种程度上来说，更能表现出人体之美，也更能让倾听者感受到声乐之美的传播。
不同于以乐器为基础而产生的声音，由于声音的最初来源是人体自身，因此，从声音产生的本初就在一定成俗上展现了语言美和人性美，加之以情感的熏陶，通过声带作用，发挥身理和心理的双重作用机制，使得单纯的声乐之美得到升华，达到一个人本的高度。
第二个特点即是声乐艺术具有语言与情感的表达形式。
语言不是单一的，广泛意义上的语言并非是指所谓通过具体的单词和句子进行刻板的表达，而是通过能从人体所展现出、表现出的声音、行为、动作等多方面的内在含义。
艺术也不是单独存在的，它来源于生活并以具体的表达形式为依托。
正是因为声乐艺术融合了声音、动作、语言、情感、思想等诸多方面的因素，赋予了声乐艺术其语言表达与情感传达的特质。
(二)声乐艺术想象再造
通常我们在欣赏相关的音乐作品时，我们都会在脑海中构想出音乐产生的画面，可能是风景如画的古代场景，可能是快节奏的现代社会，可能是一个纯真的友情故事，可能是一段心痛的爱情纠葛，不论是歌曲所营造的故事背景、故事场景，都能够通过不同的倾听者展现出不同的想象。
从形象的层面上来说，这就是一种所谓的声乐艺术想象再造。
由于人的五官是相同的，在我们调动听觉进行声乐欣赏时，往往会在不自觉中，使得我们的视觉、触觉与感知产生共鸣，能够通过调动起我们所经历过的事、所期望的事或者是我们看过的场景，发挥记忆与思维的作用，
让我们的五感共同营造出一个我们所幻想的情景，虽然这是一种假象的表现，但是它是事实上心理学在声乐艺术的基础上进行作用所展现的我们的内心世界，直接展现出我们内心最直接的想法，
从而采取每个人不同的理解与感悟对声乐艺术进行自我消化与分析，从而使得声乐艺术起到其更好的效果。
发挥其本质作用。
二、声乐艺术再造想象的作用
声乐艺术的最终目的是在进行声乐联系、表演的过程中，使得整个文化形式与精神内涵得到展现，使得倾听者能够感受到自我舒展与愉悦，使表演者同样能够得到自我状态的调整、技巧的提高与内心的升华。
因此，在这样的享受型的服务与自我服务的过程之中，声乐艺术的重要性大大增加。
也因此强调了声乐艺术想象的作用。
声乐大师兰佩尔蒂就强调了在声学中使用想象的重要性。
他认为，声乐必须从自己的意愿来开始，就好像生命火花的喷发，如同正负电极相碰的那样，感到你的声音是自如的，为它添上能量的翅膀。
可以这么说，在任何一种艺术形式中，想象都是不可或缺的，即使一个人的技术再好，如若没有想象的空间，那么他的表演永远只会是充满教科书式的呆板与纯技术性的演绎，缺乏了艺术的灵动性与感染性。
想象在声乐艺术中作用的范围非常之广。
举一个简单的例子来说，在演唱者对一首歌进行演绎或者说对于曲谱进行定音的时候，对于任何一个音符，在演唱者的心里已经衡量出了这个音符的发声。
而之张嘴的时候，自然由于想象所定好的这个音就能脱口而出。
总的来说，声乐艺术中，想象通过两个方面发声作用，其一是词曲想象，其二是技巧想象。
词曲想象，即是指通过歌曲本身，在音乐固定的基础上，发挥主观能动性对于歌曲进行深入理解和消化的想象。
这一方面，歌词与曲谱主要发挥作用。
歌词是使音乐能够产生思想的语言表达，也是展现语言美的文字基础，正是由于歌词不同的阐述赋予了同一段音乐能够不同的感受与思考。
演唱者在记忆歌词的过程中，不自觉的就会消化歌词中的含义，并构建出一副与歌词中场景相符的画面，使歌曲的画面感更强，也使得对于歌词的记忆更为深刻。
例如“一条大河波浪宽，风吹稻花香两岸”这句歌词，我们很容易就会在脑海中出现平稳的宽阔的河流，周围是高高的稻田随风摆动的场景，也让我们真实感受到铺面而来的富足的田园气息，感受到一种安详和美之感。
歌曲旋律也同样发挥着再造想象的作用，往往我们的听觉与视觉是相关联的，当我们听到的某一段欢乐的乐曲时，我们自然会以欢乐的歌曲给这首歌打上标签，
并且能够从我们的记忆中搜寻与这段乐曲相符合的内容来标识联系，而当我们听到一段民乐合奏复古的乐曲时，我们往往就会在脑海中浮现出古代的一些电视剧的场景与乐曲，通过标识联系来帮助我们记忆并理解这首歌的情感内涵与表达方式。
篇12：探讨油画教学中学生艺术创造精神的培养论文
探讨油画教学中学生艺术创造精神的培养论文
论文关键词：油画本质 创作精神 培养引导
论文摘要：如今，在西方教育中已经没有了画种的区分，而多被称为自由艺术。在我国当代油画教学中，正在经历现代主义的影响，身为教师应该如何去培养学生在不失去油画本质的前提下去开拓油画艺术，是教师应该研究的课题。本文从学生写生教学入手剖析培养学生艺术创作精神层面来解释这一问题。
在人类艺术发展史上，部分艺术大师之所以被称为大师，关键就在于他们实现了古人和同代艺术家认为难以实现的矛盾制约之上的重新建构。绘画艺术创作的未来，产生于具有时代性艺术特征的精神创造基础之上，舍此，艺术创造的前途自然趋向暗淡。人类艺术发展史证明，时代促进了艺术发生从内在本质到外在形态的变化。然而，在人类整个艺术发展过程中，那些从原始时代开始至今真正作用艺术形式变化的本质因素，是在世界各地域，从集体到个人的真情性的不断被发现、不断由潜在的多向可能性外化为相对明确的自发、自觉、自由的精神形式。
人类过去的艺术形态，比现当代人有意识进行的艺术创作活动更贴近人类的某些内在本能需要，它具有无与伦比的精神自发性。在进入自觉精神层次之后，人类的艺术创造便显出在原来混沌的原始本能需要这个核心之外多向发展的趋势。自觉性艺术创造从来都要克服种种困境。对此，古人与今人的创造精神都面对着不同性质的精神超越难度。如果说评价古人与今人面前艺术创作的难度哪一个更大些，我们只能说由于时代之差和精神本质的层次形成的性质不同、状态不同的两者面临的都是相对难以超越的困难。
一、艺术创作中的主观处理
罗丹曾说：“艺术家所见到的自然不同于普通人眼中依然获得一种高于自然的美感，这就是艺术家的创造力。因为艺术家的感受，能在事物外表之下体会内在平面绘画的特性能使三维空间的不可能是视觉的平面的真实。”[1]艺术家是能够“看见”的，并使不合理的现象在图像中成为合理。
所以探索二维平面绘画表现的最大可能性，以及探索视觉造型艺术的一切表现可能也是写生油画研究的主要任务。[2]物象经过艺术家的'观察由媒介物描绘在平面上时，平面图式本身在离开了自然具象形的束缚后，将成为一个独立于自然世界秩序之外的另一个视觉平面绘画秩序。这种秩序是以作者的意图与观察为前提，并由作者主体的支配在图像的视觉感受中发挥作用的，作者通过这种支配画面的能力来向观者传达一定的信息与理念。荷兰画家蒙德里安曾说：“不是人人都认识到，在所有的造型艺术中，甚至在自然主义意味最浓的作品中，自然的形与色总是在某种程度上经过改造。造型经验说明，艺术家不能以完全写实的手法去再现事物的表象，而必须对其加以改造，从而产生美感”。[3]因此，对于意图与理念的传达往往是通过作者主观的处理凝聚视觉造型的要素来展现的。要理想地做到展现就不能在处理画面上拘泥于自然物象的束缚，一旦陷入自然描摹的泥潭，绘画的独特语言与作者的理念表达也就随之丧失。
主观的处理手法是以作者的意图与目的而展开的，有什么样的意图就有什么样的处理手法。在写生油画的学习中，如若强调的是物象的基本体积塑造，目的是表现出物体的饱满的形体，那么就可能对形体产生损害的自然因素进行主观的处理，进而来增强这种强烈的表现力。进一步讲，为的是让图像产生一种特定的美感，符合一种美的程式法则，同样也可能使形体不必拘泥于自然状态的制约而进行完美的处理。在《高更塞尚画风》一书中，彭逸林这样评价塞尚：“他让酒瓶偏出了垂直线，弄扁了盘子的透视，在保持真正面貌的幻觉的同时，他把静物从客观存在的环境中转移到绘画中。在这里，物体的关系已改变为有意义的视觉体验，色彩融会成音乐，艺术家的激情渗透在色阶之中。”[4]塞尚的画面就是对自然的物象进行主观的处理而使图像符合一种构成关系，从而创造出绘画的全新视觉感受。从精神的内在表现方面看，弗洛伊德的油画作品对画面形象的主观处理，透析出精神分析般的深刻性。这种表现也是建立在画家对形体结构的肆意夸张变形上。如此强烈的处理手法使作品产生出一种让人无法抗拒的极具穿透力的精神震撼力。主观的处理手法表现在对造型语言的一种娴熟应用上，它是画家深刻体验自然的结果。它的核心围绕于作者情感体验的向度，在于传达表现思想的完美性。画家要使物象的自然状态从属于一种特定的表现状态，并在主观的处理中寻求自我的表现语言与表现风格。主观处理其实就是一个“怎么画的问题”，我们学习视觉艺术的造型法则为的是如何去把精神体验物质化地呈现于画面。这样的处理是人类艺术史发展前进的动力，是艺术高于生活的结果。
后印象派画家凡高高度敏锐的知觉力，使他有超自然、超感觉的体验，画出来的是幻象。正如他自己表明：“画画不是画物体的原状，而是根据画家对事物的感受来画。”[5]由此可见，我们描绘自然的手段无法与自然的真实尺度相等同，我们拥有的只是以自然的尺度为对应去运用特定的绘画语言在画面上描绘物象，因此，这种对于写生油画的主观处理在一开始描绘物象时，就是画家要面对的问题。我们已经认识到绘画对于自然的幻想作用，而这种幻象是通过艺术家的认识来传达的，要传达得高于自然，就要从艺术的精神角度来切入，处理画面的能力同时也就决定了艺术家对于绘画精神性的把握。
二、全局的支撑对画面处理的作用
从宏观整体的角度讲，油画写生中主观处理需要以整体的画面构成、色调关系为依托，视觉观念方能彻底地表达。因此画面的整体就显得尤为重要。油画写生中画面的整体更多地表现为一种画家主体的修养，这也是画家成熟处理画面的一种表现。“对于整体性的正确要求，不仅仅是造型能力和正确的观察方法，而且要培养真诚、言之有物的绘画风格。”整体在油画写生技法中的意义具有主导性，也更像是乐队中的指挥，必须在画面各方面的因素达到均衡和谐。整体是一种意识，并不是对于画面的平均照顾。对整体常见的认识误区表现为平均，同步地去处理画面，推进画面的进度，这样的认识使得油画写生的表现贫弱无力，缺乏精神上的穿透力。整体的功能就是要凝聚，凝聚所有杂乱的语汇，让这些语汇有序陈述，更好地表现精神内容。对于整体的表面化认识，必然会导致语汇的混乱，使描绘不能够更深入地刻画出富于锐度的形象来。油画写生作品的整体，并不是在表面的整体上，而是体现在对物体的整体观察与画面的整体把握上。整体是认识，而不是技术的外在表现，因此，它更依赖于作画者主体的审美体验与感受。这种体验或表现为一种情绪感受，而整体要做的就是让造型的所有语汇都统一于这样一种情绪或感受之中，从而对主体的认识做到尽可能完整的表达。
真正整体的画面不会沉溺于平均主义的温床，而是从作画者最为感动和最为主体的内容方面出发，并以此为核心意图，来对作者的体验做一完美的呈现。它所传达的形式便是一种经由画家而呈现给观者的一种和谐，也可以这样说，整体也就是和谐。它源自于作者对于画面的宏观把握与感受，也包括画家处理画面时对物象的整体关注。由此可见，认识到主观处理画面和整体把握画面的重要性，是我们进行写生训练的关键。
参考文献
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