钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文
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篇1：钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文
钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文
［摘要］当今，学科边缘化逐渐成为学科发展的趋势，在音乐领域亦然。因此笔者在本文中以声乐钢琴伴奏以及声乐教学为主题，在总结已有文献的基础上结合自身经历，对两者之间的关系进行论述。本文主要侧重于探讨声乐钢琴伴奏具体是如何引导声乐教学的。
［关键词］钢琴伴奏;声乐教学;艺术指导
钢琴伴奏和声乐教学分别从属于不同的课程体系，可以说二者之间既存在一定的差异，同时又具有必然联系。钢琴伴奏在声乐教学理论以及舞台实践表演方面均起到良好的辅助作用，本文旨在理清声乐钢琴伴奏的指导作用，充分发挥钢琴伴奏的实践价值。
一、声乐钢琴伴奏和声乐教学的关系
(一)声乐钢琴伴奏
众所周知，钢琴伴奏的最主要作用就是烘托演唱氛围，营造更好的演唱效果。钢琴享有“乐器之王”的美称，既能独立演奏也可以和其他乐器配合使用，声乐钢琴伴奏作为钢琴伴奏不可或缺的组成部分，重要性不言而喻。笔者在本文中所指的钢琴伴奏即为以钢琴弹奏的伴奏方式，具体又由乐谱和演奏者两个方面构成。
(二)声乐教学
有关声乐教学的研究在国内已经颇有成果，和其他学科相比声乐教学具有独特性质，即声乐教学采取的是一对一教学模式。在这种教学模式下，特别是声乐初学者，需要将学习的重点侧重于声乐作品的技巧练习，有了一定铺垫之后再进行舞台实践环节，但是无论在声乐教学的哪个步骤都离不开两方面因素的辅助:其一是教师指导，其二就是钢琴伴奏。所以应当提高声乐钢琴伴奏对声乐教学艺术指导的重视程度，从而增强声乐教学的效率、培养学生学习声乐表演的积极性和自主性。
(三)声乐钢琴伴奏的艺术指导性
正如前文提到的，钢琴艺术指导对于提高声乐技能和演唱者水平而言，具有重大的意义，声乐钢琴伴奏对于声乐表演来说并不是辅助性的、衬托性的，二者是一种相辅相成关系，在相互促进的基础上又相对独立。
二、声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性
(一)钢琴伴奏有助于认知
演唱者在演唱之前首先要解决的就是对作品的背景了解，例如作品的创作背景、创作风格，创作特点、句法以及歌词内容等。特别是语句和语调，因为语言、语调和句法是声乐演唱必不可少的三个要素，分句和呼吸是钢琴演奏的重中之重。现在越来越多的演唱者青睐二度创作，有些甚至已经达到炉火纯青的地步，但是依然存在相当多的演唱者并没有坚实的理论背景知识为基石，盲目地进行“自由型”演唱，表现为在随着伴奏的时候出现不合拍的现象。为了最大限度避免这种情况，必须以尊重原创为前提，辅助钢琴伴奏，引导演唱者学会以节奏、音准和歌词为基础，融合演唱者的理解。
(二)钢琴伴奏有助于情感体验
体验环节自始至终都是声乐教学的薄弱内容，但是体验环节事关表演的前期准备和现场表演，所以重要性不容忽视。在完成了上一步对声乐作品背景进行了解后，紧接着进入到对创作者情感的感受，即体验环节。因为声乐作品是创作者的情感表达，所以演唱者在演唱过程中要和创作者感同身受，那么钢琴伴奏可以通过调整音调从而营造跌宕起伏的效果，给予演唱者在表达情感时加以引导。
(三)在表现环节中的艺术指导性
声乐艺术表演需要调动起情感表达和肢体表达，所以要在情感体验和肢体训练中突出声乐钢琴伴奏指导的功能。首先是眼神，演唱者的情感主要是通过眼神向外界传达的，在声乐表演中，如果是在演唱者没有唱词的时候，眼神的表达就很容易缺失，但是有了钢琴伴奏则完全不同，人的喜怒哀乐、形形色色，细微的差异都会产生不同的情感。无论是在音乐剧还是歌剧中，常会见到利用钢琴伴奏模拟各种情境中的声音来配合演唱者的眼神。其次是手势和表情，手势语同样是用于表达演唱者情感的重要途径，能够起到渲染气氛的作用。例如在国外的很多作曲家在进行钢琴伴奏创作时，纷纷都将创作的.焦点转向利用手势表现乐曲的节奏型和音乐性，这种形式会使歌曲的情感融合收到较好的效果。第三是形体表现，科学表明，随着有节奏的音乐舞动身体是一种与生俱来的本能。当人们听到喜爱的音乐时，身体会不自觉地随之摆动，而身体的摆动又能将音乐的表现力加强，声乐、歌词、形体都是声乐演员常用的表现形式，三者相辅相成，互补缺陷。所以，在声乐表演中应当发挥钢琴伴奏对形体动作的指导作用，首先钢琴艺术指导应当帮助歌唱者找到完整和准确的角色定位，以实现自我代入。先捕捉其形象，创造一个准确、鲜明，而又真实、准确、鲜活的人物形象，例如卡门在节奏和音乐风格上显现出热情奔放，狂野不羁的音乐形象，钢琴伴奏通过节奏引导演唱者动作形体表达上，满怀着激情和挑逗。在全面了解了角色的前提下，对于典型的角色应当适当地模仿，在进行声乐艺术表演时注重姿态、动作、手势、眼神的角色特征，预先设计，并激发应有的感情，演员是声乐和观众互动的媒介。不同的声乐曲目也需要有与之相适应的形体动作设计，才能够让群众融入到乐音背景中。最后是舞台实践，归根到底声乐理论教学还是要以服务舞台实践为宗旨，也就是说舞台实践是声乐教学的关键所在。在舞台上，声乐钢琴伴奏一方面能够帮助表演者养成情感节奏，除此之外还可以达到控制、调节演唱者临场心理作用。由于钢琴艺术指导中演唱者必须调动多重感官，通过耳听、眼看去思维去演唱，要求声乐学习者用心观察钢琴伴奏的细微变化并适应这种需要应变的环境，使学生临场应变得到提高，反映更加灵活。具体来说包括以下几个方面：
(1)保持心态平衡，缓解紧张情绪
根据以往的经验，在舞台实践缓解如何把控情绪，不要被情绪带动是表演成功的关键所在，尤其是想要在场上获得比平时更好的表现，这种心理常常会导致演唱中出现大脑空白、怯场甚至是晕倒现象，不仅无法超常发挥就连平时水平也难以展现。相比之下，如果舞台上有钢琴伴奏特别是演唱者熟悉的老师或者是同学等，在很大程度上能够缓解其紧张的情绪。此外，克服了现场恐惧感之后，在日常练习中有意识地模拟舞台上严肃、紧张的气氛，让演唱者在“身经百战”中逐渐适应舞台实践，从而在面对舞台表演时做到自如，并消除恐惧感。
(2)前期铺垫，导入情感
声乐钢琴伴奏在舞台上最主要的作用，主要体现在帮助演唱者进入人物情感状态，发挥的是“铺路”或者是“清道夫”的作用，为演唱者顺利进入人物情感打好坚实基础。常见的形式有以一段富有感情色彩的钢琴乐开场，让演唱者产生丰富的想象力，同时也让听众的注意力被吸引过来，从而使演唱者和观众都能渐入佳境。声乐钢琴伴奏导入的作用对于初学者尤其明显，因为他们学习经历尚浅，对于很多曲目的创作背景并不熟悉。例如曲目《送上我心头的思念》，这首歌要向人们传递的是歌颂为新中国建设作出伟大贡献的周恩来总理，但是如果没有亲身那段由苦难和黑暗走向幸福和光明的历史，很难发出真实的情感和对伟人的敬意。虽然之前已经对作品有了详细的了解与分析，建立了基本情感基调。上台前的“入戏”引导也是十分关键的。
综上所述，在声乐教学的不同环节，都可以运用钢琴伴奏的艺术指导，培养演唱者的节奏感和对演唱的整体把握，因此钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导作用巨大，应当在声乐教学及舞台实践领域广泛应用。
［参考文献］
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［6］卿泽．浅谈声乐作品中的钢琴伴奏［J］．内江科技，2005．
篇2：启发式教学法在声乐教学中的实践研究论文
教育作为培养相关领域专业人才的重要途径，往往需要教师投入更多的精力。在声乐教学的过程中，为了锻炼学生在声乐方面的综合能力，培养出更多的专业优秀人才，诸多的教育者在不断总结教学经验的同时，也致力于采用更加先进的教学方法促进教学的成效。但是，声乐教学具有一定的特殊性，要想使学生能够在声乐方面取得较大的进步，则必须使其充分发挥自身的主观能动性，对音乐等相关的教学内容进行更加深刻的感知，只有这样，才能形成属于自己的理解。这就需要教师在教学过程中不断更新自己的教学方法，引导学生进步。而启发式教学法在声乐教学的实践中，得到了一定的重视，并取得了良好的成效。
一、启发式教学法的概念和含义
启发式教学法主要是指在教学过程中，教师应当根据教学的相关内容和客观的学习规律等诸多因素，采用多种形式，以学生为主体，从实际出发，启发学生的思维，并以此调动其学习的主动性和积极性，借以实现教学效果的增强，提高学生的综合能力。启发式教学往往更加强调学生在课堂上的主体地位，教师应当通过种种方法，促使或者引导学生学习积极性的提高，在辅助学生学习相关知识的同时，锻炼学生的思维能力和应用能力。启发式教学法的核心在于调动学生自身学习的积极性，教师应当采取各种方法巧妙地提升学生自身的学习欲望，并将所学知识与实践结合，提升教学的综合性效果。
二、启发式教学法在声乐教学中的应用意义
（一）促进学生对教学内容的吸收和理解
声乐教学相对于其它科目的教学而言，其内容往往更加抽象，因此，为了达到良好的教学效果，使学生能够及时理解并吸收相关的学习内容，教师应当采取更加容易为学生所接受的方法。启发式教学法能够克服传统教学法生硬、死板的特点，能够用更加切合学生思维模式的途径，将书本上抽象的知识、尤其是教学过程中的重点和难点内容等转化为形象、具体的知识，便于学生的理解和吸收。
（二）提高学生对声乐学习的兴趣和欲望
启发式教学法强调以学生为主体，在教学过程中的不同阶段，往往都可以采取不同的具体方式，使学生充分发挥自身的力量。同时，启发式教学有利于学生采用更加直观的方式，将教师的教学内容转化为自身的理解，并进行吸收。因此，在学习过程中，学生对于声乐的学习降低了难度，同时增加了成就感和满足感，更容易提起对于声乐学习的兴趣。此外，启发式教学也着重于强调为学生营造一个良好的学习氛围，使学生在学习过程中保持乐观、积极的心态，能够带给学生美好的享受，在潜移默化中激发学生的学习欲望。
（三）激发学生对思维方式的转变和拓展
传统的教学方式中，教师处于课堂的主体地位，对学生也具有主导作用，因此，课堂学习的过程中，学生的思路往往跟着教师走，容易形成固化的定势思维。而在启发式教学中，教师充当的是一个引导者的角色，通过不同的方法引导学生的思维，使其在思维不断拓展的过程中形成对于相关知识、技法等的正确理解，这一方面加深了学生对于学习内容的印象，另一方面也使得学生在学习的过程中锻炼了自己的思维能力，使得学生以更加多样化的思维面对学习的内容。这才是真正地“授之以渔”。
三、启发式教学法在声乐教学中的应用策略
（一）善用形象的语言
声乐本身就是要用声音去表达自身的情趣、对生活的理解，并感染他人。因此，教师本身不仅需要具备较为深厚的声乐功底，还应当具备相当的语言能力，只有这样，才能够将教学过程中比较生硬、专业化的语言转化为更加切合学生理解、提升学生兴趣的语言。在教学过程中，无论是声乐相关理论知识的学习，还是气息等的专项训练，其内容都比较枯燥，如果教师采用过于专业化的术语，不仅不利于学生的理解，还容易使学生因为学习受挫而打消其练习的积极性。因此，教师更加应当注重在教学过程中使用形象诙谐的语言，不仅能够使学生对于相关的教学内容产生更加深刻的理解，还有利于形成对于学生的启发作用，是学生在学习的过程中，逐渐形成自身对于教学内容的深刻认识。例如，在训练学生将声音靠前唱时，教师可以避免传统教学语言中的枯燥性，转而使用形象生动、诙谐有趣的表达方式，引导学生的理解。例如，教师可以说“让你的声音先向后画圈，然后再抛向前方”。简单的转化不仅能够使学生更快地掌握训练的捷径，还能使教学过程充满乐趣。
（二）创造合理的情境
声乐是艺术的一种，往往有其产生的特定情境。而教师也可以将声乐教学的相关内容转化为与之相应的情境，促使学生在特定情境的氛围中受到引导和启发，并逐渐形成自身对于教学内容的理解。同时，情境的创造也有利于打造课堂良好的学习氛围，使学生能够在教师的引导下，通过自身思维方式的训练和拓展，对教学内容的理解更加全面、具体。情境的创造不一定需要借助过多的道具，往往可以通过语言、动作等的指导就可以完成，其关键在于激发学生的联想能力，使其能够产生教师预期的感受，只有这样，才能使得教师创造的情境收获良好的效果。例如，在进行气息下沉的练习时，教师可以通过情境的创造，将刻板的练习方法用更加形象的方式表达出来，加深学生的理解，提高训练的成效。为了避免学生用错误的方法将气吸到胸上，教师可以创造闻鲜花芳香气味的情境，使学生自然而然地做出相应的动作，继而进行正确、有效的气息练习。
（三）激发学生的情感
情感表达，是声乐的一项重要功能，同时也是其艺术魅力所在。在声乐学习的过程中，激发学生的情感也是重要的教学内容之一。要想达到启发式教学的良好效果，激发情感也是一个有效的教学手段。只有受到相应情感的感染，学生在声乐中表现出来的`艺术才会具有更大的魅力。但是，由于学生的生活、社会经验不足，因此，教师往往需要在激发学生情感方面投入更多的精力。情感的激发往往并不是一个直接的过程，甚至不可能起到立竿见影的效果，因此，要想使学生带着饱满的情绪和充沛的情感投入到声乐的学习和训练当中，激发情感的方式应当是多变的，或直接，或婉转，或激烈。只有通过不同的方式给予学生不同的启发，才能使其情感的表达更加符合相应的教学要求和曲目意境。例如，曲目《大海啊故乡》是一个质朴深情、平易亲切的曲目，在进行该曲目的训练时，教师应当激发学生对母亲、祖国、家乡、大海的感情。教师可以通过播放母亲的影片等形式，以“母亲”为基础，激发学生的情感，并逐渐上升到对于家乡、祖国的情感，最终形成完整的情感层次，促使学生表达出浓厚的感情。
（四）组织多样的活动
声乐的学习并不是死板的，也不是仅属于个人空间的，应当严禁类似“闭门造车”的行为。因此，在教学过程中，来自于实践的启发是教师进行启发式教学的最佳形式。无论是对于理论知识的教学，还是声乐练习的教学，教师都可以通过丰富多样的活动的举行，带给学生不同形式的启发。尽管学校的教学设施、场地、课时等都具有一定的限制性作用，但是，教师仍旧可以采用不同的方式组织不同的活动，如竞赛、表演等等。这不仅可以使学生收获经验，还能使其取人之长，补己之短，以更加主动的方式弥补自身的不足。例如，教师可以在民族音乐的学习进行到一定的阶段之后，组织学生进行民乐演唱大赛，使同班甚至同校的学生能够同台切磋技艺、进行交流。在这样的竞争氛围中，促使学生从他人的长处受到启发，并对自身的声乐技能形成更加完整的认识。
四、总结
声乐教学由于自身特点等因素，具有一定的特殊性。现代的教学理念使得教师应当更加认识到让学生发挥主体功能的重要作用，因此，启发式教学得到了更加广泛的认可和应用。启发式教学的模式不仅能够加深学生对学习内容的理解，还能提高其学习兴趣、锻炼其思维方式。但是，教师在应用过程中应当注意，启发式教学的具体方法也是多种多样的，在教学过程中可以进行多样的选择或者组合，以达到良好的教学效果。
参考文献
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篇3：重唱与表演唱在高师声乐教学中的研究论文
一、重唱与表演唱在高师声乐教学中的教学目标
（一）课程定位
重唱与表演唱在声乐教学中是十分重要的，作为基础课程教学方法研究是十分重要的，传统教学方法中存在的弊端问题在重唱与表演唱中均有解决，基础课程在教学中起到了促进学生综合能力提升的作用，与其他拓展教学内容相比较，基础课程是最基础的部分，还能够增强课程之间的相互联系，使声乐课程在教学方法上能够达到更理想的效果，尤其是针对重唱中的搭配形式设计，可以帮助学生建立一个整体的声乐重唱技巧形式，在舞台表演中也能够达到更理想的效果。
（二）教学目标
通过重唱与表演唱来提升高师声乐中的教学质量，增强师生之间的互动性，在重唱教学模式下帮助学生提升配合能力，并感受不同重唱形式中的声音变化，从而实现教学方法中的优化创新。从传统教师为主体的教学模式逐渐向学生为主体的探究式学习方法中过渡，从而实现学生自主学习提升表演能力的教学目标，学生在教师的带动下，课堂参与积极性也会得到明显提升，这样的教学方法能够使课堂更加丰富，从而吸引学生注意力集中的参与到声乐学习中。
二、重唱与表演唱课程在高师声乐教学中的改革应用
（一）形式灵活易为不同程度学生接受
高师声乐教学中，通过设置合理的重唱与表演唱能够使教学内容更具有包容性，满足不同水平学生的声乐学习要求，使班级内学生的整体声乐水平得到提升。传统的声乐教学模式中，内容比较单一并不能激发学生的学习兴趣，并且长时间处于古板的学习环境下不利于学生接触到新音乐，音乐创造能力自然得不到提升。表演唱中注重对学生的舞台表现力的提升，在掌握充分的声乐理论基础上将其与表演相互融合。原有教学体系中的独唱虽然能够帮助提升学生的音乐基础知识掌握程度，舞台表演能力也得到进步，但却不利于学生感受更多的音乐形式，演唱的内容也比较单一，长时间处于这样的环境下严重影响到教学效果的提升。而通过重唱与表演唱课程的引入，学生接触到了更加多样化的音乐环境，在演唱过程中可以感受到音乐所带来的魅力，不同声乐基础的学生在此环境下均能提升能力，符合高师声乐教学改革需求。重唱与表演唱在形式比合唱和独唱更为灵活，在基础训练中体现的优势也十分明显，尤其在培养中小学师资上不失为一种好的教学方式。重唱与表演唱课程在课堂中更能突出共性与差异性交融的特点，需要增强声乐驾驭能力。在演唱中比其他的演唱形式更细致、严谨。
（二）构建群体合作关系，提高声乐教学活力
在高师声乐教学计划开展中，通过构建群体合作关系来形成和谐的教学环境，独唱学习方法受课堂时间以及学生心理因素等多方面原因影响，最终的开展效果也并不理想，而通过重唱的`方法，学生能够在课堂中掌握声乐表演中的配合技巧。并且对于一些接触声乐时间，心理素质较差的学生也能起到很好的能力提升作用，这也是传统教学方法中难以得到的。声乐教学不仅仅是要使学生掌握基础知识，更重要的是引导学生掌握自主学习方法，能够在日常生活以及学习中接触到更多的音乐资源，从而能够达到理想的学习效果。在对教学体系进行改革时还需要考虑学生的接受适应能力，教师及时的观察学生表现，发现教学方法应用不合理的现象时及时调整，避免个别学生由于接受能力差而掉队的现象。一般情况下，我们习惯上把这一课程归为社会艺术实践课程类别，实践中看到了学习者适应性的高低能够决定其将来就业的最终去向。但由于学校教育制度僵化的影响，这样的课程仍然缺乏足够的活力，与社会艺术实践社群要求尚有一定距离。
（三）拓展多声部歌唱和舞台表演能力
通过重唱与表演唱课的开设，学生在学习中能够感受到舞台的变化，通过教师的调动安排学生也拥有演唱不同声部的机会，从而在声乐能力上得到锻炼，针对演唱过程中的技巧练习重唱更有优势，涵盖的演唱方法也十分全面。重唱还可以将男声与女声结合起来，从而创造其他演唱技巧中所不能达到的效果。高师声乐教学改革突破了传统的教学方法，充分将理论知识与实践相互结合，锻炼学生在这一教学环境中掌握更全面的演唱技巧方法，在声乐舞台表演中更具有配合能力。学生在校学习期间舞台表演的机会比较少，实战经验自然不丰富，通过重唱与表演唱演唱可以营造出真实的舞台表演效果，从而实现多个声部之间的相互结合。对于舞台表演效果的提升，重唱也更具有优势，尤其是一些戏剧歌曲表演中，独唱只能表达单一的情感，舞台效果也并不理想，通过这种简单的技术性方法融合，能够更好的体现出演唱中学生的控制能力，教师了解到学生所存在的不足之处，有针对性的调整教学方案，进而实现对学生声乐能力的提升。通过尝试扮演各类舞台艺术角色，提高学生的舞台综合表演能力与驾驭舞台的能力，对于歌唱与表演的关系也有了更加深入的体会与理解，为今后的舞台艺术实践和音乐会中的表现更好。
三、重唱与表演唱在高师声乐改革中的作用
（一）实现声乐演唱风格多样化
在高校的声乐教学计划中，通过应用重唱与表演唱有效的提升了教学内容的丰富性，声乐演唱更加的多样化，这样的教学环境有利于学生提升表演能力，并在课堂中通过与其他学生之间的合作来完成教师所布置的任务，这种环境下学习学生能够养成良好的习惯，并在学习效率上得到提升，声乐演唱中师生之间的相互配合也是十分重要的。学生充分信任教师并能够配合老师，才能为声乐教学改革创造一个稳定的基础环境，促进教学计划得到更高效的落实，解决传统教学方法中学生演唱风格过于单一的现象。一些民族音乐歌曲在演唱中难度比较大，是独唱表演中难以实现的，而重唱是可以改变声部结构的，从而达到演唱效果的提升，舞台表演中通过声部结构变化来实现来营造不同的效果，学生也能定位不同的舞台位置，在团队中发挥自己的作用，进而提升教学任务的完成质量。
（二）提升学生的音乐鉴赏能力
声乐学习中，学生的音乐鉴赏能力提升可以帮助提升最终的演唱效果，学生在选择舞台表演的音乐曲目时能够确定更适合自己的曲目，从而实现演唱效果的提升。学生的音乐鉴赏能力提升需要教师引导，逐渐形成自己独特审美风格。在重唱中学生感受不同的声音风格变化，自己的演唱技巧也能够得到提升，对不同曲风的歌曲的演唱更具有掌控能力，建立在欣赏基础上的曲风选择是更合理的，这也是当前高师声乐教学改革中重点的内容，教学期间学生也会重点构建学生的学习方法，使学生能够掌握更多的学习技巧，学生可以在教师的引导下共同鉴赏音乐曲目，并具有鉴别能力。教师在日常教学中加强与学生之间的相互交流，了解学生学习中遇到的问题，从而实现教学方法的优化改革，在这样的环境下学生学习能力也得到了锻炼，了解如何在课堂中配合教师完成教学任务，学生在舞台表演中的控制能力也能得到提升。
四、重唱与表演唱在高师声乐教学改革中的注意事项
教学改革中要注意学生艺术思维的培养，声乐学习要求学生掌握声乐技巧，同时艺术鉴赏能力也是十分重要的。教师掌握科学的教学方法，通过与学生之间的沟通来帮助了解学生学习习惯中不合理内容，从而有针对性的优化解决，避免因沟通不当造成学生的逆反心理。在重唱过程中更要对每一位学生的反应进行观察，发现参与积极性不高的现象采取有效的方法来解决。
五、结语
在高师声乐教学改革中，重唱与表演唱课程的设置是多元化声乐教学探索的体现，同时也促进了教师的教学观念的多元化。改进教学形式和教学手段，培养学生的创新能力和创新精神才能为高师声乐教学提供有力的保障。
[参考文献]
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篇4：发声与共鸣在声乐教学中的研究与探索论文
发声与共鸣在声乐教学中的研究与探索论文
一、发声概论
发声是声乐练习中最基本的问题，它与呼吸在唱歌过程中，彼此有极密切的关系。初学声乐学生，在练声时，前数星期每天可练习两三次，每次不得超过十分钟为最佳，因为初学时如唱得太多，则声音容易疲倦；一旦练成错误的歌唱形态，便难改正。在练习过程中，应在愉快的心情下，逐渐将时间稍加延长，循序渐进，经过一个时期，发声感到舒适，明显觉得气息的支撑，练习时间亦可逐渐增加。
1．初学者发音的开始
在艺术歌唱中，我们要求音质纯净，没有杂音。不论发音清亮或圆润都要有情感。每句音必须均匀、连贯没有断隔、凝滞或混浊的现象，不论由低向高，或由高向低，音色应随情感作有规律的变化，音量要能强能弱，随心所欲去调整。音域要符合歌曲的要求。声音要能持久而不感疲乏，且保持青春气息。按照意大利传统的发声法，初时极注重在母音上，他们用短的乐句，使声音连贯而自然，且清晰。所以我们在练习发声时，应当时常注意呼吸，依照规律进行，气息不宜猛烈冲出声门，如能慢且温柔，即能给声带一个充分的准备去发声，继而发出美好的声音。
初学唱歌的人，常常会用大量的气压去唱高音或强音或者是音程距离太远的音。这会引起喉门过度震动，使声带受伤，倘若不及时停止或注意纠正，在短期内，美丽的歌喉将成为声如破锣。假如有一位声乐老师，在你还未受过两年或三年的训练，就让你唱近代歌剧，那么，恕我不客气地说，这位老师是在毁灭你的艺术生命，等你发觉时，可能为时已晚，无法挽救。
2．错误与正确发声的姿态
关于发声前姿态的准备：身体上一切器官必须保持自然、舒适和松弛；思想要集中；面部不可有紧张的表现如果面无笑容，双眉深锁，脉管暴张，两肩高耸，上胸挺出，或背部弯曲，双拳紧握，腹部凸出，两腿僵硬等，这些极为笨拙的姿态，则休想能发出自然而优美的歌声。初学发声时，各部分肌肉容易感觉紧张；我们的喉部肌肉极繁杂，需要学会控制那些不应起作用的肌肉，不要因为它们的紧张而影响发声。
在近喉部的肌肉种类甚多，它们多半是来保护与安置喉部及声带的。声带为两条平面肌肉约半寸长，如英文字母∨的倒写（∧）式，由后面“披裂肌”控制开关。喉头前部在喉核处乃由“盾形肌”来保护。在声带上层，另有“假声带”，当歌者发声时，可由真声带滑至假声带，其发音状态就被称为假嗓。
除以上所提之肌肉外，尚有“舌骨肌”、“会厌骨肌”以及“环形骨肌”使声带松弛与拉紧。总之，除了这些直接有关发声动作的肌肉外，其他还有多种肌肉在喉部，我们无需去研究它。
正确的发声姿态，身体应该立直，不可僵硬，面部要有愉快而自然的微笑，上齿稍露，则有轻松感，下齿露出则不妥。同时唱歌时双眉向上表示轻松愉快的样子，如双眉向下则有悲伤不快之感。头部不可抬得太高，或压得太低，因为太高则使喉部肌肉拉紧而喉门不开，太低则喉部的柔软性受阻碍，宜保持适中的姿势。学生宜多练习，使下腭灵活轻松，下腭可向左右延动，舌头需向前伸。
3．口型与舌的位置
口型与舌的位置都能直接影响共鸣。唱歌时的口型应像鸡嘴型，不宜像鸭嘴形，这是伊丽莎白·舒曼的比喻。唱中区 Ah 音时，口型宜作横线蛋形式，唱高音时，则作直线蛋形式。除口型与舌部应注意外，面部须放松，呼吸要正确，下腭不能拉紧，同时在练声时，用简单的几个音练习较为适宜。我主张在开始时可用短音程下降音阶练习。唱歌时口应张开，但不可张得太开，以免使喉部紧张，而致声音不集中及粗糙。口究竟要张开到什么程度呢?这要看歌者的口形和所唱的母音来决定。至于口的张开程度，通常以拇指中部可通过上齿与下齿之间为适宜。上齿下端只可稍微露出少许而作微笑状，下齿以不露出为佳。或打呵欠前，或饮水前状都是适宜的口型。上唇向上提高，而下唇下降与下齿上边边缘对齐，这样就不致窒塞声音。鼻孔也应翕张与通畅。在中部发音时（如 Ah 音），喉柱要打开，唱高音时，喉柱则逐渐稍靠拢，同时将软腭小舌向上提，而下腭向下，这样喉门就开了。当软腭向上提时，音色则渐变暗淡，犬齿向外露，这样对男声及歌剧化女高音发高音时，有极大帮助。
二、腔体共鸣
声音原来在声带里时是微弱的，但如果起了共鸣作用，音量就会洪亮起来，声带上面的喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、额腔，两颧里面的蝶窦，以及胸腔等，都是共鸣区。这些都能因着正确的训练，得到伸展与生长。共鸣如得法时能由一部分蔓延至其他区域，联合而成为一体：使音量能加倍发展，而音色优美洪亮。
共鸣不只限于共鸣腔中，人体骨中也会发生共鸣，譬如我们可将音叉触在任何东西上面，例如木片上，甚至以布包的木片，都可以发生共鸣。
1．共鸣的.应用
共鸣的应用，应按照“音量”与“音高”的需要而决定，各共鸣区均衡发展，这样才能使发声臻于美妙。
当共鸣发展时，往往需同时应用数个不同的共鸣区。例如，只用鼻腔进行共鸣，而没有口腔、额腔与蝶窦等处共鸣，其声音则必成为刺耳的鼻音；我们不要误会鼻腔共鸣就是鼻音，在有鼻音时，小舌并不向上而却下垂，因此在鼻腔共鸣时，鼻孔要打开，鼻肌要放松，同时软腭须向上提，这样才不会有鼻音。不过鼻腔的共鸣容易做到，可是额腔与蝶窦的共鸣就难得了。这并非文字所能交代清楚的，而是需要有老师的指导，和自己长期的练习与领会，才能做到的。
2．共鸣的位置
伊丽莎白·舒曼时常告诉学生，共鸣不是只在一个地方。她让学生幻想一部梯子，这个梯子从鼻的后面下部开始，直升至前额头顶止。每个音均须应用口、面、鼻部、前额部。等共鸣区，一直至 F 高半音（高音谱表第五线）。从这个音开始，须换过另一部梯子，由前额顶转至头部后面，由高音G 开始，就脱离口、鼻腔共鸣，转入头部共鸣，这些高音唱得完美时，好像脱离歌唱者，而飘浮在空中似的，女歌者唱到头声时，可将犬齿露出，这是指女高音头声位置，但伊丽莎白对胸声方面却不注重女声之胸声，更从不授男声。
3．头声之重要
我在这里再要慎重声明头声的重要，“头声”是我们的美声天使，它能使我们发高音时声音稳定、洪亮、动人柔美。这对花腔女高音、戏剧女高音，及一切的女高音与男高音来说，是必须坚持不断地练习，才能获得的技术；当然，这技术对男女中音亦很重要。不过这个技巧并非易得，有些歌者有特殊之天赋，他们就很容易领会到；有些歌唱者要化极长的时间才能获得；而有些歌者却永远也领会不到这种唱法。
以上我已讲过头声是由两眼之间直上头腔，发声时气流由上向后稍移，波动全部头盖，再向前发出。在此时期软腭向上，下腭向下，喉柱渐靠珑，便大量气息由腹肌向上推，横膈膜的气息屏住而不放出；这时气息已发生极大的压力，所以应加以控制而轻轻地向上推出来，以支持这头腔上的音波与共鸣。这一切并非简单，学者先要将声音头腔位置找到后，才能用轻柔声发音，经过一个长期的练习轻柔的声音可渐渐地变得洪亮，而如悬临高空之上。如果用强力向上唱，则可能误用中区发音，而以鼻腔、咽喉、口腔发出，这就不是头声了。
我们亦可用头声唱中声区，这不会损害声带，只是开始时音量微弱；但如果用中区发声法来唱头场区，则音量虽暂时觉得宏大，而音质则逐渐变色，声音容易感到疲乏粗俗，久而久之则有失音之可能。
三、结语
共鸣是发声成功的一个重要的因素，发声要靠共鸣，而不能靠强力，发生共鸣而使声音扩大与洪亮，这是物理现象。声音在四面受阻之空间中产生回声，从而使声音宏大、集中而致远。但在获得人体内各硬体腔窦的共鸣时，我不妨再强调重复一句，有一点要注意的是：无关发声的器官及肌肉必须松弛，这样才会获得美好的效果。这是发声的一个基本原则。
一个只靠声带发出而不起正确共鸣的声音，虽用强力，非但不能传远，且不悦耳。相反的，一个微弱的声音，通过共鸣之后，就能不费力地传达给广大的听众。
篇5：声乐艺术在群众文化中的再发展研究性论文
声乐艺术在群众文化中的再发展研究性论文
【摘要】声乐艺术是歌唱的艺术，具有多种表演形式。声乐艺术能够通过群众文化活动来进行展示，但是想要声乐艺术通过群众文化活动的形式再发展，需要更多人的积极参与，专业声乐艺术家的引导和帮助，更需要国家对声乐艺术的宣传和鼓励。这样才能够让群众文化活动更加专业化，推动声乐艺术的再发展。
【关键词】声乐艺术；群众文化；再发展；文化活动
自改革开放以来，国家经济快速发展，人们对生活的要求越来越高，尤其在精神文化的追求上。传统的群众文化活动已经不能够满足人们的需求，所以，群众文化活动要不断创新，通过对声乐人才的培养，国家的大力支持和宣传，实现声乐艺术在群众文化活动中再发展。本文将以声乐艺术在群众文化活动中的再发展为主题，通过以下几个方面进行详细的分析。
一、加强对声乐艺术人才的培养
国家在经济快速发展的同时，并没有忽视文化艺术的传播，在城市里都会设立一些文化馆，来向人们展示和宣传相关的文化艺术和声乐艺术。但是对于众多的地方文化馆，相应的声乐艺术人才就显得比较匮乏了，文化馆并不能够向人们进行宣传和展示，能够参与到群众文化活动中的人们越来越少，并不能够实现声乐艺术在群众文化艺术中再发展。所以，要加大对声乐艺术的人才培养，让更多的人能够对声乐艺术了解和参与到其中，满足人们逐渐提高的文化精神追求。国家在培养声乐艺术人才的时候，可以借鉴以下的方法。第一，国家要重视声乐文化艺术人才的培养。在义务教育中，可以开展相应的声乐艺术课程，让那些对声乐感兴趣的学生们接受专业的声乐指导，不断加大声乐人才的培养。另外，加大声乐艺术高校的招生，通过系统化、优秀的教师辅导来培养出高素质的声乐人才。第二，举办声乐文化活动，并加大宣传。比如，举办大型的声乐艺术活动，通过筛选和竞争的模式来进行人才的培养，给予人才相应的名誉，并加大活动的宣传，让更多人了解声乐艺术学习也是孩子们的一个发展方向，积极鼓励和支持孩子们进行声乐艺术的学习，为国家的声乐艺术发展注入新的源泉。总之，在加强声乐艺术人才的培养中，需要国家的'大力支持和宣传，不断培养出高素质的声乐人才。
二、鼓励声乐艺术人才参与引导
当前，许多人热衷于通过各种形式去争当明星、歌星，并没有真正有效地推动声乐艺术在群众文化活动中的再发展，所以，国家要采用相应的方法，将更多声乐人才吸引到群众文化活动中，去引导群众进行专业化的声乐艺术学习，进而促进声乐艺术的发展和传播。如今的群众文化活动中，最缺少的就是专业的指导教学。因为参与到群众文化活动中的人对声乐艺术并没有扎实的基础，需要更多声乐艺术人才参与到其中，对人们进行指导。另外，在对群众进行引导的时候，不能过分地强调人们的声乐练习，要向人们传授一些简单的基础的声乐文化知识和理论。人们对自己的身体器官的发音、呼吸等并没有足够的认识，进行大量的声乐练习无疑是事倍功半的，所以，要通过理论和实践相结合的方法，实现人们声乐艺术学习进一步提高，进而推动声乐艺术在群众文化活动中的再发展。吸引更多的声乐艺术人才参与到群众文化活动中，对人们进行完善的教学和指导训练，在群众文化活动中形成声乐艺术大课堂，不断实现声乐艺术在群众文化活动中的再发展。
三、声乐艺术与群众活动相融合
声乐艺术在群众文化活动中的再发展最重要的就是声乐艺术的完美体现，通过相应的方法，来实现声乐艺术和群众文化活动完美融合。并不是所有声乐艺术知识都有必要在群众文化活动中传播，所以，要根据人们的实际情况进行相应选择。在群众文化活动中，人们的年龄、记忆力、学习能力以及在声乐艺术上的水平，都是参差不齐的。在进行专业的、系统的声乐教学时，要选择一些相适宜的声乐艺术，让人们在学习中有一定的压力和挑战，并能够完成声乐艺术任务。另外，声乐文化艺术在一定程度上不能够离开群众文化活动，因为声乐艺术号召力和感染力的特点，能够在群众文化活动中快速进行传播，在人们之间传播时不断实现声乐艺术的再发展。所以，要将声乐艺术和群众文化活动完美融合，必须扎根于群众文化活动这个肥沃的土壤上。比如，现今在群众文化活动中传播较广的声乐艺术，就是凤凰传奇的相关歌曲，极具特色的歌曲《最炫民族风》传播在大江南北，大街小巷，得到人们的认可，并且在不断翻唱中，实现声乐艺术扎根于群众文化活动，实现声乐艺术的再发展。
参考文献：
[1]刘强.论群众文化活动中声乐艺术的再发展[J].北方音乐,,(23):118.
[2]崔姝祎.论群众文化活动中声乐艺术的再发展[J].音乐生活,2015,(11):39.
篇6：钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文
钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文
伴奏是音乐创作的主要组成部分，而在声乐作品演唱过程中的作用尤显重要。声乐作品的演唱者的确占据主导地位，但钢琴的伴奏与别的伴奏乐器比较，其优点是不能相比的。钢琴伴奏在声乐领域里叫做coach，它在声乐演唱中起着艺术指导的作用。以钢琴伴奏角色参与声乐教学与歌唱活动，提高演唱者水平，加强演唱者对音乐的领悟能力，指导演唱者进行舞台实践的学习，以达到培养演唱者整体专业能力提高为目标。钢琴伴奏是作为一种特殊和独立的声乐表演艺术形式，其主要目的是协助声乐演唱，能够妥善处理演唱中的各种情况，这是更侧重于歌者默契配合中呈现的艺术内涵。
一、钢琴伴奏与声乐演唱之间的联系
著名的小提琴家林耀基先生曾经说过，“钢琴伴奏像水，合作者像船，水能载舟，亦能覆舟。”。此话正好说明了声乐伴奏和视唱是分不开的，它们之间是互助的。声乐伴奏是时间和空间的艺术，钢琴演奏是经由时间来显示着它的音符。声乐演唱则是由歌词和音乐来显示它。音乐伴奏是一个有机组成部分，不仅使伴奏乐曲与演唱部分交融，音乐内容可能会得到一个很好的展示。一直以来，人们用“红花绿叶”来形容声乐与伴奏的联系。换句话说，人们会觉得声乐钢琴伴奏是陪衬声乐，事实上，钢琴玩家在使用他们的音乐技能诠释声乐作品正确的含义，再加上歌手通过音乐表演展示音乐风格。音乐在人类历史上，器乐的诞生，虽然晚于声乐，但是当仪器的阵列已经登上音乐舞台，先与声乐亲密联系一起，声乐伴奏是最早实践，实现了自己的价值，自己存在的'表达方式。一首歌被雕琢成完美的作品，由歌手和伴奏者的共同努力，配合默契，达到了旋律和伴奏里你中有我，我中有你，完美的和谐。因此，声乐伴奏和声乐歌手之间是相辅相成的伙伴关系。
二、声乐演唱中钢琴伴奏的优点
(一)钢琴伴奏的多音性
大部分音域最广的现代钢琴由88键构成，包括钢琴范围的最高音和最低音组成，可以使用钢琴来展现。与此相反，通常音域如如弦乐器，吹奏乐器，唢呐等乐器，有五个八度和两个半八度音阶，音乐经由这些手段不能完全实现。所以最广泛音域的钢琴，有多音性的特性，不管是什么样的乐器搭配，演奏音域都在范围之内。
(二)钢琴伴奏具有强大的和声
和声是声乐现有技术的最常用的方法，并且经常被使用的，它主要是在各种声音的基础上依据一定的组织规则，形成多声部的组织形态。然而，并非所有的乐器都能演奏出完美的和声。比如，管乐器不能在同一块乐器上和声的演奏，弦乐器只能起到最大的两个音，但钢琴是不同的，它可以是在同一时间在同打10种声音，因此，和谐的效果，钢琴伴奏比任何其他乐器伴奏更多的优点，使得它可以更完美服务于演唱，使其表现力更加丰满。
(三)使用范围更广的钢琴伴奏
伴随着不断的发展和完善，钢琴所具有的功能和性能的影响也得到了极大的提高，并与现代人逐步增加对在钢琴教育的投入，钢琴开始进入公众生活的视野，钢琴伴奏也得到了广泛的应用和普及。在现代，钢琴伴奏受到作曲家和歌手的亲睐，很多声乐都是与钢琴伴奏分不开，大量的应用和不断增长的钢琴伴奏范围也使得钢琴的伴奏变得更有魅力。
三、钢琴伴奏在声乐演唱中的作用
一般来说，一个完整的声乐作品都离不开钢琴的伴奏，但很多观众在观赏声乐表演的过程经常忽视钢琴伴奏的影响力。
(一)提示作用
提示作用是其中钢琴伴奏的最根本的作用，在这个进程中，因为紧张或一些突发状况也许会影响演唱会终止，那么就需要钢琴伴奏着敏锐采取钢琴伴奏来提示演唱者，协助还原正常的演唱。不同场合的表演，提示也是不相同，整体可以分为色调和色彩提示，音色、风格技巧和提示，速度和情绪几种不同的钢琴伴奏技巧。在声乐进程中，主要确保的就是作品的调性，声乐歌唱的曲调和绘画色调选择的基调是相同的，只有能够确立调式才可以以扩大为目的的声乐表演，歌手也一定要把调性作为演唱的基本。但在实际唱歌进程中，很多歌手会离开主旋律，那么就需要一个完美的钢琴伴奏给予提示，以帮助他们回归主旋律。可以被看作钢琴伴奏的音调和颜色之前预备是很重要的。还有就是钢琴伴奏在色调和风格技巧。这一点，在声乐进程中，对钢琴的伴奏要求是很高的，通常风格和基调是由钢琴伴奏呈现的，这给观众展示出演唱即将开始，并告诉观众唱歌的风格和整体的风格，然后歌手按照钢琴伴奏的提示正式演唱。
(二)衬托及互补功能
要想完美地诠释出一部声乐作品，不仅需要歌手的完美演唱，也需要完美的钢琴伴奏，这两者相互联系，缺少任何一个表现都不能称为完美的声乐艺术表达。在声乐演唱，人声可以表达内心的感受和想法，但是不能表达出意境和形象，钢琴伴奏能够弥补这方面的不足之处，钢琴伴奏最突出的优点是可以生动地再现了画面，善于创造心情的音乐作品，这种互补性恰恰是声乐功能至关重要。
(三)在声乐演唱变化处的指导和加强作用
声乐歌唱的过程中是不断变化的，会有一个微妙的调整范围，这些调整的范围内，歌手可以适当作出调整，但此时钢琴伴奏可以起到联系和指导的作用，这种影响主要表现在钢琴伴奏的速度和情绪变化的指导作用。演奏时，可以使用间奏来调控速度，经由钢琴的伴奏来控制速度。例如，在有些伤感的地方，钢琴伴奏可以有意减缓速度，让悲伤的气氛得到充分的渲染，进而有效地引导观众进入作品的情感氛围。其次，在钢琴伴奏音调变化的指导作用。大家都知道，人声歌唱的声音属于单身部类别，而钢琴伴奏则属于和声部的范畴，有时歌曲在调性变化时，只对人声的部分依靠识别是有一定难度的，但伴随着钢琴的伴奏，这个时候，可以预测调性，识别语音，通过钢琴伴奏多部分的支持，快速帮助艺术家捕捉音调。最后，钢琴伴奏以及力度上的作用。有时愤怒的声乐作品或紧迫是人的声音不能被解释的，因为大多情况下人声力度的转化是有限的，钢琴伴奏可以很好的发挥自己的独特优势，加强演唱更好的声音表现效果。
结语
声乐演唱和钢琴伴奏的关系非常密切，两者相互联系，相互促进，进而产生独特的默契，一首声乐要想表现的非常淋漓尽致，是离不开钢琴伴奏的，但是往往又有不重视伴奏的这种情况，所以要避免这种情况的出现，将音乐风格和艺术魅力全面的体现出来，以创造更高的声乐境界，带给观众听觉盛宴。
篇7：声乐教学中美声唱法民族化研究论文
声乐教学中美声唱法民族化研究论文
摘要：美声唱法的科学性毋庸置疑，自引入我国以来，美声唱法对推动民族声乐的发展起到了重要的作用，其与民族音乐文化呈现出交融趋势，在这样的背景下，声乐教学中美声唱法民族化的运用越来越受到关注。基于以上原因，本文简要分析了声乐教学中美声唱法民族化的必要性，并从气息、吐字、风格、情感、表演等几个方面探讨了美声唱法民族化在声乐教学中的具体运用，旨在进一步提升美声唱法民族化的运用水平，从而充分发挥美声唱法民族化在教学服务及民族音乐文化传承发展等方面的价值。
关键词：声乐教学；美声唱法民族化；民族音乐；文化传承
美声唱法是世界上公认的科学化的演唱方法，上世纪三十年代，美声唱法传入我国，至此之后，国内高校声乐教学中大多以美声唱法为主，其覆盖面越来越大。但需要注意的是，受到民族文化和语言差异的影响，在用美声唱法演唱中华民族化音乐作品的过程中，需要对语言的元音进行改变以便于歌唱，同时要通过元音来更好的接触语言，这就涉及到音乐艺术与语言艺术的结合。在美声唱法不断普及和推广的背景下，其与民族音乐的融合越来越受到关注，这也赋予了美声唱法民族化的教学研究价值。基于以上，本文简要探讨了声乐教学中美声唱法民族化运用的相关问题。
一、声乐教学中美声唱法民族化的必要性分析
我国民族声乐文化艺术涵盖内容众多，例如戏曲、民歌、说唱等都属于民族音乐文化艺术的范畴。美声唱法的发音方式科学合理，通常用来衡量声乐演唱水平，由此可见，在保持民族声乐文化艺术传统特色的基础上引入美声唱法是十分必要的，声乐研究者需要对美声唱法民族化问题进行研究。美声唱法民族化的内涵是以科学的美声演唱发声来提升民族音乐演唱水准，但前提是保证民族音乐文化艺术特色和神韵[1]。东西方人在生理结构及审美追求等方面的差异性较大，美声唱法民族化需要将美声唱法“嫁接”到民族声乐中，以美声唱法演唱民族音乐作品，探索美声唱法在民族文化背景下运用和发展的可行性，从而创新出新的音乐风格，这才是美声唱法民族化的核心所在。自上世纪三十年代以来，许多声乐研究者积极探索，在不丢失民族音乐文化艺术特色的前提下积极借鉴美声唱法技术，这对于促进我国民族音乐文化的发展有着积极的意义，对于提升声乐演唱技术水平有着重要的意义，由此形成了包含民族神韵和颇具时代特色的音乐风格。在我国老一辈声乐及声乐教学研究者中，不乏探索西方美声发音方式和演唱技巧的先驱者，并在民族声乐文化中融会贯通，例如才旦卓玛、王昆、郭颂等在声乐研究的过程中始终不忘初心，保持我国音乐民族化和本土化之特点，并积极借鉴美声唱法之精华，对于促进我国声乐艺术的完善与发展作出了卓越贡献，美声唱法民族化的研究正式步入了摸索阶段，但个性鲜明的审美特征还未完全形成[2]。德德玛、李双江等歌唱家们在前人研究的基础上不断摸索美声唱法民族化发展，并形成了别具一格的音乐审美特征，与老一辈艺术家相同的是，他们都坚持以民族特色和民族韵味为基础的原则，这也是这些歌唱家及其作品广受欢迎和喜爱的根本原因。对于声乐教学来说，其不仅承担着培养声乐人才的任务，同时肩负着传承民族音乐文化的重大使命，因此，在声乐教学中应当积极的运用美声唱法民族化，发挥其音乐传承价值，创新出符合大众审美要求的艺术形式，以此来让我国民族音乐在世界音乐之林中保持活力。由此可见，在声乐教学中运用民声唱法民族化是十分必要的。
二、声乐教学中美声唱法民族化的具体运用
1.气息的调节控制
运用美声唱法民族化过程中，气息的调节控制至关重要，教学过程中，教师要引导学生深呼吸，保证气息顺畅和稳定，以此来均衡、灵活、平稳的控制气息变化。在用美声演唱中国歌曲的过程中，通过气息的有效控制来实现情感的书法和表达，教师应当让学生结合不同作品特点学会灵活调节和控制气息，从而更为准确的表达作品情感。
2.吐字技巧的训练
归根结底，美声唱法属于舶来品，其适用于外国语言尤其是意大利语的演唱，在意大利语中，发音以元音结尾，在演唱过程中，只需要保证五个元音字母的统一即可[3]。但对于汉语来说，汉语拼音有声母和韵母之分，在声乐教学中不仅注重发声方法、声音变化及延长旋律的.训练，同时要注重语言的合理运用。汉语语言吐字要保证字正腔圆，所谓“字正”，即演唱过程中灵活运用字头、字腹和字尾，所谓“腔圆”，即在统一共鸣位置中以音乐的形式通畅的演唱出字，这是一个需要长期训练的过程。相较于说话来说，演唱需要在同一的状态下保证发音吐字的清晰性，不能有字无声或有声无字，因此在教学的过程中应要求学生以拼音的形式拼字，以普通话的标准归韵，即在演唱过程中灵活运用美声唱法，之后配合乐句强弱处理、气息演唱来完整的表达乐曲，保证语言的流畅性和情感表现的自然性，产生与听众的共鸣[4]。总的来说，美声唱法民族化在吐字方面的运用就是以民族语言来对美声唱法进行诠释，强化汉语吐字，将汉语吐字方式与美声唱法相结合，只有这样才能够消除美声唱法演唱民族作品的生涩，在不影响外国作品演唱的前提下，保证中国作品的美声演唱被群众接受。
3.作品风格的把握
风格是一个抽象的概念，从宏观上来看，其指的是一个时代、民族、流派、艺术作品的特点，而对于声乐演唱来说，演唱风格指的是演唱的韵味和个性。在声乐教学过程中，涉及到中外作品及戏曲声乐作品等，各类作品的语言风格有着一定的差异性，需要学生灵活把握，对作品内容、创作意图及创作背景有着良好的理解，以此才能够更好的把握作品风格。我国幅员辽阔，是一个多民族国家，各个区域的歌曲风格差异较大，例如江南歌曲柔美秀丽，旋律圆润，高原歌曲粗狂高亢、旋律起伏，草原歌曲从奔放悠长、放荡舒展。以江南歌曲为例，在了解歌曲风格之后，对歌曲演唱的把握归根结底要在语言上下工夫，掌握江南水乡语言的韵味，只有这样才能够唱出歌曲之韵味，彰显江南歌曲的柔美魅力。因此，美声唱法在声乐教学运用的过程中，应当要求学生多多学习，借鉴歌唱名家对作品风格的把握，提升自身对作品风格的灵活掌握和运用能力。
4.民族情感的表达
我国是一个多民族国家，各个民族都有着深厚历史文化沉淀，民族个性鲜明，许多民族歌曲取材于生活，唱起来朗朗上口，流传久远[5]。例如东北的二人转、湖南的花鼓戏、陕北民歌等，各民族音乐作品各具韵味、各有特色，也形成了差异化的演唱方法，此外，我国戏曲文化博大精深，作品丰富，这些都属于我国传统民族声乐文化的重要组成部分，民族声乐正是在这些传统音乐艺术形式的基础上不断发展而来的。而在美声唱法引入之后，民族音乐又积极借鉴了美声科学的演唱方法和先进的发声技巧，使得民族音乐呈现出多样化的艺术表现形式，美声唱法与民族艺术及情感的融合推进着民族声乐的发展。相较于传统民歌来说，现代民族声乐的科学性和系统性更强，同时不失传统韵味，搭载了民族情感，使得现代演唱艺术家在更加科学演唱的同时能够更好地抒发和表达民族情感。例如《我爱梅园梅》、《送上我心头的思念》等都是利用美声唱法表达民族情感的典型作品，在声乐教学的过程中，要求学生声情并茂的演唱，注重对美声唱法技巧把握的同时要学会表达情感。音乐是搭载情感的载体，演唱技巧再好而缺乏情感表达是无法打动听众的，这就需要学生用心演唱、用情演唱，结合自己对作品内涵的理解融入自己的感情，实现情感和声音的统一。需要注意的是，作品演唱情感的表达离不开作品的内容，以《我爱梅园梅》这一作品演唱教学为例，在教唱之前，需要让学生对作品内涵进行理解，作品不仅仅是对梅花的歌唱，同时更体现了作者借梅花之高尚品质表达对周总理深切的怀念之情。因此，应当要求学生在演唱的过程中转换角色，怀着崇敬的心情用美声唱法演唱出来，心中有情方可实现以情感人，配合美声科学的演唱方法来达到完美的演唱效果。
5.协调统一的表演
演唱与表演之间有着密不可分的关系，对于声乐演唱来说，表演即指的是演唱过程中的面目表情和肢体动作。在演唱西方歌剧的过程中，需要学习芭蕾舞、宫廷舞等，而对于民族作品的演唱来说，也应当学习民族舞蹈动作及戏曲表演动作等。美声唱法的引入只是为了借鉴其科学的演唱技巧和方法，这并不意味着要摒弃民族化的表演形式，因此美声唱法民族化的运用还体现在民族化表演形式上。在表演的过程中，应当保证表演动作与演唱内容的协调性和统一性，这与演唱者的自身修养密不可分，需要长期的积累和学习[6]。从微观方面来看，声乐演唱者的修养可以划分为文化修养和音乐修养两个部分，所谓文化修养，即要求学生在日常学习的过程中积累和学习文学、历史、宗教等各方面知识，奠定自身的文化功底，保证演唱过程中有内容、有深度，所谓音乐修养，即指的是学生要掌握好科学的美声唱法技巧，同时要有着扎实的音乐知识基础，热爱交响乐及会演奏一些乐器等，只有具备文化修养和音乐修养，在作品演唱的过程中才能够保证表演的协调性、统一性，从而为整个演唱增光添彩，强化演唱效果。
三、结语
综上所述，美声唱法民族化在声乐教学中的应用不仅能够提升学生的演唱技巧水平，同时有着传承民族音乐文化的重要价值。本文结合实际教学经验，在保证民族音乐文化韵味和特色不丢失的原则性，探索了美声唱法民族化在声乐教学中的具体运用，旨在培养复合型的声乐人才，让我国本土化、民族化的声乐艺术与世界接轨，让烙印有中国文化印记的声乐形态走向世界。
作者:刘爱珍 单位:黄淮学院
参考文献：
[1]胡晋梅.浅谈声乐教学中美声唱法民族化的运用[J].太原大学学报,,04:61-62.
[2]羡涛.高师声乐教学中美声唱法民族化的价值研究[J].大舞台,,11:159-160.
[3]章迪.美声唱法民族化在声乐教学中的应用[J].湖南城市学院学报(自然科学版),,05:388-389.
[4]李婷婷.美声唱法民族化在声乐教学中的实际应用[J].北方音乐,,11:124.
[5]李炳慧.试论美声唱法对中国歌剧演唱艺术的影响[D].湖南师范大学,.
篇8：民族声乐教学中美声唱法研究论文
民族声乐教学中美声唱法研究论文
众所周知，民族声乐在理论与技术方面都对美声唱法有所借鉴，并取得了骄人的成绩。美声唱法的引入，对我国声乐教学理念、演唱技艺、教学科研等产生了巨大的影响。本文从民族声乐教学中在演唱技术、理论方面对美声唱法的融合与借鉴；民族声乐教学中在科研方面对美声唱法的融合与借鉴两大方面浅析了民族声乐教学中对美声唱法的融合与借鉴。
一、民族声乐教学中在演唱技术与理论方面对美声唱法的融合与借鉴
（一）民族声乐教学中对美声唱法气息技术的融合与借鉴
在民族声乐教学实践活动中，学生首先进行深呼吸，然后借助横膈膜保持气息，利用肌肉群之间的对抗给气息以支撑，进而在确保气息持续、匀速、连贯流动。就传统声乐技术而言，其大都采用小气口来断句，也就是人们所说的“以气唱情”。这种气息技术，有助于表达、诉说情感。近年来，花腔技术在流行歌曲中有所体现。花腔技术归属于美声唱法，是一种很好的演唱技术。气息在演唱中发挥着重要的作用，因此，在开展民族声乐教学时，教师应加大对学生气息的训练，使其更好地演唱。气息的使用并非一成不变，不同歌曲，情感、基调不同，使用的气息技术自然也不同，这就表明在教学过程中应特别注重气息的运用。
（二）对共鸣演唱技术的融合与借鉴
空腔共鸣技术在我国民间唱法中较为常见，其注重局部共鸣。在实际民族教学中，美声唱法中的混合共鸣技艺被广泛运用。混合共鸣技术，即通过调动、调节各种共鸣腔体（口腔、胸腔、口咽腔、头腔），对声音圆润度、音色进行加工，从而实现真假声的转换、运用。例如：在演唱《沁园春雪》、《中国大舞台》等种类歌曲时，混合共鸣经常被应用，其能够把宏大的气势表现出来。
（三）民族声乐教学中对美声唱法咬字技术的融合与借鉴
基于意大利民族语言的西洋美声唱法被应用于民族声乐教学时，经常出现字音不清、声音不畅现象。自从将美声唱法引入到民族声乐教学，咬字技术得到了明显提高，与之相关的理论研究也逐渐被完善。谈及咬字技术，金铁霖教授表示：在演唱过程中，字的种类主要包括宽、窄、团、尖。其中，发音通道对宽、窄音没有影响，保持在后通道即可，在咬字时做到动作小、巧，就能顺利、完美演唱歌曲。将此通道与我国以往的咬字技巧、风格有机结合，就能促使咬字准确、自然，进而将民族声乐的亲切感表现出来。
（四）民族声乐教学中对美声唱法混声唱法的融合与借鉴
提及美声唱法，首先映入大家脑海的必定是真假声混合唱法。真假声混合唱法作为美声唱法不可或缺的组成部分，其对演唱者综合素养具有很高的要求：结实有力、通畅自如的气息；圆润明亮、宽松丰满的声音等；音质、音量、音域等。较其他唱法而言，美声唱法最大的特点是混声区唱法，也就是说，根据音高比例将真假音混合应用。从共鸣角度来看，真假音混合唱法可将所有共鸣腔调动起来。西洋混声唱法的有机结合主要体现为头声区、中声区、胸声区，将人体机能的科学唱法展现的淋漓尽致。美声唱法真假声混合唱法存在着不可比拟的优势：其将真声、假声完美融合，在声带轻重技能调动的时候不会出现破裂音现象，进而达到演唱声区的高度统一。美声唱法真假声混合唱法对三个声区进行有机结合，产生整体共鸣，促使演唱者声音变得圆润、更富色彩。与此同时，演唱者声音柔和又没，具有强烈的穿透力。这些事民族声乐所欠缺的。在借鉴、融合过程中，不能盲目，须充分考虑作品的风格、难易程度等。此外，须搞清楚真假声音高比例，对其进行科学、合理改编。例如：在演唱过程中，若以假声为主，高音演唱就相对简单，低音演唱有难度，这种唱法往往导致声音、声带缺乏可观的张力，适于演唱较为柔和的歌曲，不适合演唱曲风较为强劲有力的歌曲。在演唱过程中，若以真声为主，且掺入少量假声，这个类型的声音，可将呼吸、气息、共鸣等有机结合，促使演唱者声更加圆润、明亮、富有表现力等。
（五）民族声乐教学中对美声唱法声部划分理论的融合与借鉴
经调查研究发现，美声唱法对声部进行了详细划分，其认为每个演唱者的声带在长短、厚度、宽度三各方面存在着很大的差异性。此外，其共鸣腔体、整体演唱素养等亦区别很大。因此，不同演唱者形成的音色、音域等也不同。由此可见，在实际教学过程中，教师应充分考虑教学主体，为其提供适宜的教学内容，进而提高民族声乐教学成效。对于民族声乐而言，其在声部划分层面存在着不足之处。美国唱法对声部的划分，对改善、提升演唱者歌唱综合水平、能力等具有不可替代的作用。在某种意义上，其存在着共性、个性。其中，共性指的是演唱者不论唱哪种声部，其都得参与一般声乐技术的学习，比如：气息、发声等。个性指的是，继划分声部之后，教师可以学生的歌唱器官为参考依据，规划、制定科学合理的教学目标、内容、方式，有对性的对其开展教学活动。在教学实践中，教师应遵循因材施教、深入挖掘、开发学生潜力等原则。声部划分是美声唱法的重要组成部分，民族唱法在这个方面较为欠缺。因此，民族声乐教学应加大对其的重视力度。民族声乐教学可以借鉴、融合美声唱法，并不意味着必须进行男女高、中、低音划分，而是汲取其的优点。
（六）民族声乐教学中对美声唱法歌唱器官生理构造研究理论的融合与借鉴
一直以来，民族声乐教学都忽略了对各种歌唱器官生理构造的研究。翻阅民族声乐理论，笔者发现其内容涉及气息、咬字技术等，但唯独欠缺了对歌唱器官生理构造的研究。不可否认，这种现象的产生，在很大程度上与我国文化背景等存在着密切联系。在美声唱法中，其对各个发声器官生理构造、功能、特征等进行了详细论述。除了介绍器官名字，还对其功能、如何协调发声作了充分的解释说明。例如：歌唱发声涉及到的器官有哪些？每个歌唱发声器官是怎样产生作用的？换句话说，歌唱者应明确自身的歌唱器官，并对其科学、合理应用该，使其发挥出应有的价值。民族声乐在这方面严重匮乏，几乎是空白的。演唱者在演唱过程中主要依托思考、想象去进行领会、揣摩以提升歌唱水平、技巧。
二、民族声乐教学中在科研方面对美声唱法的融合与借鉴
（一）我国民族声乐教学理论研究
纵观声乐理论发展史，我国拥有大量关于声乐研究的著作。其中，元代的《唱论》记述了关于演唱技巧、方法的内容；明代的《曲律》论述了学唱方法、学习声乐步骤、学习内容等。清代的《乐府传声》浅析了演唱过程中的气息、声音运用技巧。这些理论著作，从不同角度对歌唱技术、发声原理等进行了探究。与此同时，我国民族声乐特点也得到了充分的体现。民族声乐他正主要包含以下内容：在演绎歌曲时，要注意咬字技术、掌握音准、控制情感等。然而，很多著作都是依据经验创作的，不具备科学原理性。
（二）国外美声唱法研究
17世纪，巴西雷总归纳总结了声乐教学的技巧与方法，其关于声乐理论、教学的概述为以后的声乐研究奠定了坚实的基础。19世纪，随着现代科技的不断发展，美声唱法相关研究理论与自然科学有机结合，加强了对教学理论、演唱方法研究的力度。此外，其亦对物理、生物学等方面进行了深入研究。其中，德国医生曼德尔在生物学方面取得了一定的成绩：提出了隔膜呼吸法。其的研究，在巩固美声唱法发声基础方面发挥着巨大的作用。通过一系列研究，古典美声发声方法应运而生，进而催生出古典声乐派。此外，由于科技的发展，很多人投入到对共鸣腔体的研究中。很多知名教育者对演唱者的面部表情、口腔位置等进行了探究、分析。这些有创意的研究，对推动声乐教学颇有益处。
（三）我国民族声乐教学对美声唱法理论研究的借鉴
时代不断变迁、发展，声乐教学平稳有序的开展着，我国在声乐理论研究方面取得了优异的成绩。就某种意义而言，声乐理论研究及其他领域理论研究存在着一定的共性。随着科学技术的'不断发展，科学仪器、科学手段得到了丰富，在声乐理论研究方面也取得了实质性的进步。目前，我国各所高校关于声乐理论研究的论文著作数量不断攀升，研究范畴也极大地得到了拓展。与此同时，某些研究室亦开始加大对声乐理论研究总结的力度，在研究、选择课题时也更加趋于精细、广泛。此外，我国声乐理论研究对国外声乐理论研究著作进行了传承，并以其为基础，促使民族声乐教学与国外声乐研究更好的融合。如今，世界的文化已近朝着多元化的方向在迅速的发展，在不断地文化融合和文化借鉴当中，形成多元化的文化。纵观当前的歌唱方法，尽管每一种唱法都有其重点和特点，但却没有一种完全相同的歌唱方法，这些不同的歌唱方法也为当前的文化融合提供了参考的依据。长期以来，美声唱法以及民族唱法已经被很多的歌唱家所融合，且在表演的过程中，也受到了观众和歌唱艺术家的一致好评，将演唱者的歌唱水平迅速的提高。当下，我们不仅要将这一优秀的唱法始终坚持下去，还需要将目光放的更加长远，将世界上所有秀秀的歌唱方法都进行融合和借鉴，融合成为独具特色的新唱法。本文对民族唱法借鉴美声唱法的唱歌技巧进行分析，希望能够引起更多的人对歌唱方法进行思考和融合，促进歌唱的多元化发展。
参考文献：
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篇9：声乐教学中艺术指导的重要性论文
1前言
借助交通、通信提供的有利条件，当下世界文艺得到广泛深入的交流。藉此便利，笔者有幸参加了多次世界级声乐大师班的观摩课，聆听了多位声乐大师的指教，其中不乏旅居国外多年的华裔歌唱家、国外歌剧院的终身演员等等。大致而言，大师们授课时，多把教学重心放在唱法上。具体程式为先介绍歌剧的梗概、咏叹调的主旨涵义等，然后通过对谱面的解析来指导演唱。然而，这次的主讲者并不是一位歌唱家，而是一位陪伴世界级著名歌唱家们成长的艺术指导，在这里隐去主讲者的名字，只是对他的一些观点所折射出的高师声乐教学中因为艺术指导缺乏而显现出的问题进行反思。这次艺术指导的大师课，从蒙特威尔第到格鲁克，从莫扎特到贝利尼，从威尔第到普契尼等歌剧作家的叠代推进，以及从炫技神曲《风雨飘摇》（意大利作曲家维瓦尔第的歌剧《巴亚捷》中高难度的女中音花腔咏叹调），到《卡门》中的《塞尔维亚的老城墙边》等歌剧演唱，在艺术指导合理、清晰的讲解指导之后，声音更加符合角色定位，歌唱者能清楚地做出声音的对比，声音像是有了“方向感”一样，拓展了声音的表现魅力，能给观赏者一种身临其境的独特享受，让我们徜徉了一次美妙的歌剧艺术之旅。课程上在听完一首作品后，艺术指导会对学员的演唱给予充分肯定和鼓励，然后再分句进行解析，并根据学员的不同特点，进行针对性指导。笔者经过仔细聆听，发现这位大师对歌剧人物角色的把握、对咏叹调的处理等都能驾轻就熟，甚至对乐曲的伴奏也几乎到了能够脱谱弹奏、脱谱降调弹奏，可以说个人能力及艺术指导的造诣是毋庸置疑的。一个能力全面的艺术指导，能给予歌唱者专业性的建议和指导，使其发现自我声音的价值，发掘自身声音的潜质，并最大限度地发挥声音的魅力。让你感受到了立竿见影的改变，也在思考我们的声乐教学真的需要专业的艺术指导，盲目的靠着热情和闭门造车不能让我们进步，多的只是一个个被“耽误”的声音。
2课程上体现角色对音色的作用
2.1角色决定音色的定位
角色对音色的决定性作用尤其明显。《漫步街上》这个我们再熟悉不过的咏叹调，基于角色的需求，最后一句要唱出恶狠狠的性格心理，而不能以连贯、缠绵的方式演唱。这样演员的演唱音色更贴近角色、更为生动鲜活，音乐中人物角色的表现力吸引了现场所有的聆听者。若赋予同样的咏叹调以不一样的演唱处理手法，所表现出来的效果亦会是“天壤之别”。只有赋予角色清晰的性格定位，演唱者才能更为准确地诠释出相应的音色，我们应该不缺乏具备世界级声音条件的人，我们缺乏的是合理、正确的“开发”声音的伯乐。
2.2音色质量限定角色取向
艺术指导就是歌唱者的伯乐，他能准确地判断出，技术全面的歌唱者声音处于什么发展阶段、更适合什么角色，从而避免其盲目地选择不能胜任的角色的咏叹调，而失去其最擅长的一面。一个技术全面的歌唱家不是什么角色都唱就显得他全面，而是找到其专属的可以驾驭的角色，才是声音发展的一个最合理、科学的方式。“你的声音更适合唱莫扎特歌剧里的凯鲁比诺，属于偏次女高音而不是女中音。”听了他的建议，这位学员当场换了一首选自莫扎特的喜歌剧《费加罗的婚礼》中凯鲁比诺的咏叹调《不知道我自己干了什么》。艺术指导对她的演唱给予形象生动的讲解，为了深化伴奏所营造的音乐意境，其亲自弹奏演示。“钢琴伴奏把一个交响乐队的声音都融在了两行钢琴谱上，弹奏者要有驾驭一个乐队的气势来弹奏、要为演唱者建立歌唱的氛围，这样才能激发出演唱者声音的表现力，达到更好地诠释作品角色的目的。”联系一下我们实际的教学，要把它落到实处却困难重重。在声乐课的教学中，这一人尽皆知的观点却长期被熟视无睹。即学生对自身的声音音色，适合什么歌剧角色关注的相对较少，而多注重对音高的追求，这明显缺乏音色的界定意识。一位德国的教授来我院讲学时也指出，学生们并不适合演唱所有的歌剧咏叹调和艺术歌曲，他（她）们应根据自己的音色去决定角色和声音的“去向”。这就如同我们的国粹京剧，有行当的区别一样，触类旁通。
2.3角色定位决定情感色彩的“浓淡”
在演唱歌剧咏叹调时，我们通常会简单地通过单支曲谱上对应的中文翻译来了解其大致含意，这种以偏概全的做法往往忽略了歌剧整体的角色定位意图。比如，有位学员唱了贾科莫普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》中平克尔顿的著名咏叹调《永别了，爱恋的家》。在剧中，当平克尔顿再次返回曾经的爱巢时，触景生情，唱起了这首咏叹调。这位学员以动情的声音演唱，令在场的多数听众为之动容。但却有另一番解释：“平克尔顿当时并未付出真爱。巧巧桑执着地坚守这份感情并为他生下了孩子，平克尔顿却在异地另寻新欢，他根本没有意识到巧巧桑还在苦苦地等待着他。所以演唱时不能表现得过于悲伤，他可能还觉得自己很无辜呢。”要结合歌剧的总体角色设置，不能脱离对角色心理变化的考量，而追求个别咏叹调里面片断歌词的中文翻译来表达人物的情感，无疑为断章取义。如此，歌唱者的音色最终也不能准确传递真实的角色心理。因此，歌唱者必须要学会整体把握歌剧剧情，以及人物心理的动态变化，而不仅仅只关心其所演唱的咏叹调的字面局部，不能盲目为之。
3对高师声乐教学的启示
3.1声乐艺术指导匮乏亟待解决
在欧美的建制齐全的音乐学院，艺术指导专业已相当成熟规范，几乎每一位声乐教师都配备有一名或者多名艺术指导，声乐教师只要注意学生发声的部分即可，至于歌曲的选择、歌曲的处理以及作品的处理，都交由艺术指导来完成，学生每星期都有专门的艺术指导课程，由多名艺术指导教师配合着学生不同时期的作品，对学生进行各国艺术歌曲、咏叹调的指导训练，艺术指导教师同时也对学生的歌曲处理、舞台表演进行教学与实践指导，甚至有些艺术指导也会兼顾一些声乐发声方法的指导。有些有着多年经验的艺术指导，由于广泛的接触了各类声音，他们对声音的正确与否的判断力，往往不亚于专业声乐教师，艺术指导在声乐课中确实起着举足轻重的作用。艺术指导老师的合理配置，是评判音乐学院声乐发展师资力量的一个重要标准。高等师范类音乐学院声乐艺术指导是很缺乏的，各种各样的因素导致了这一师资的配备很少，现状是学院大部分的精力用在扩大高学历师资队伍上，人才的引进、学科带头人的招募，大部分都是理论上的引进。以我院来说，大力发展作曲专业和中华民族、民间音乐方向、音乐史论方向的博士引进，初衷是想利用理论和作曲上的建树，来提高音乐学院在全省乃至全国的知名度，引进的人才必须本科第一学历就是专业音乐学院的博士毕业生，人才的入职考评也是相当严格，一方面没有这方面的编制，另一方面根本没有那么多艺术指导方向的博士，即使有也不会选择高等师范类的音乐学院等等，诸多的因素制约了高等师范类音乐学院声乐的发展。已有的高等师范类音乐学院的艺术指导们，也多数停留在伴奏的层面，上升到艺术指导的层面还有待时日，并且任务多、担子重，声乐方向研究生的音乐会伴奏的随堂指导及音乐会伴奏，器乐研究生的随堂艺术指导及音乐会伴奏，都需要他们指导，工作量不是一般的惊人，再没有时间和精力开展本科学生的艺术指导工作了。
3.2高等师范类音乐院校声乐老师身兼多职
目前声乐课配备专业的艺术指导尚存在诸多困难，声乐教师兼顾很多的职责，使得声乐教师必须以变通的方式，来满足实际教学中需求。在工作中多学习、多关注，更全面地开阔自己的眼界，丰富自己对外国歌剧艺术特点和表演形式的认知。在工作之余，应多参加一些大师班，走出去多观摩、多学习，除了提升自己的演唱水平，还要提升自己声乐的判断能力、鉴赏能力。不但要唱得好、教得好，还要多看一些理论的书籍，让自己有实践的经验，更有理论的支持。纵观高等师范类音乐学院，艺术指导在声乐教学中的配备都不完善，可以用“稀缺”来形容，一个有责任、有追求的声乐教师，往往要担任钢琴伴奏、艺术指导、声乐指导等多重角色，这对声乐教师的要求是相当高的，当然面对这样的压力，也是一种敦促和刺激。声乐教师需要有一定音乐历史的积累，要熟悉大部分的歌剧故事梗概、咏叹调里的角色形象定位、声音的音色要求、咏叹调里面的表情记号处理；了解不同国家的艺术歌曲的作者、外国艺术歌曲中的语言发音、艺术歌曲演唱与歌剧演唱的区别、不同艺术歌曲作者作品的风格及演唱的差异、不同年代的艺术歌曲的演唱差异等等。同时，还要对学生的个体差异、声音的问题、适合的作品等有一个基础定位，一个学生一个声音的发展方案，一系列演唱作品的目录。这些作品的选择，可以帮助学生摒弃不好的歌唱习惯，慢慢建立正确的声音演唱状态。哪些同学适合什么样的作品，都是在课堂中间慢慢摸索和总结出来的，一名具有丰富教学经验的声乐教师，也是多年“摸爬滚打”磨砺出来的。
3.3钢琴伴奏和艺术指导的区别
3.3.1分步骤解决钢琴伴奏紧缺的问题
为了使学生在平时上课的时候，能接触到所演唱歌曲的正谱伴奏，一般采取学生自己找钢琴专业的同学帮忙弹奏，如果只是考试之前找，没有那么多的时间磨合、练习，也没有办法建立默契，所以这个方法的优点是：让学生随堂带上自己的同学帮忙弹伴奏，声乐老师可以在课程进行到最后的时候合伴奏，这样让学生聆听正谱伴奏是什么样子。缺点是：有的钢琴专业的学生能力有限，没有那么多时间练习，曲子伴奏不能完全弹出来，伴奏谱的难度不亚于一首乐曲，比如节奏上三连音对十六分音符的节奏也很让人“抓狂”，只能选择性的简化伴奏。刚开始钢琴专业的学生对声乐作品的处理不熟悉，弹得比较生硬，没有对比，建立不了歌唱的意境，这时候就需要声乐教师“出场”了，慢慢的学生对作品熟悉了，伴奏就有点样子，但这只局限在弹熟伴奏，离上升到艺术指导的水平差距甚远。
3.3.2开设艺术指导选修课的意义
我院开设了艺术指导的选修课，现在局限于钢琴表演专业的'学生可以选修艺术指导课程，平时上课因为人数不多，就是小课的形式，让学生更多地接触声乐作品，只是自己在识谱弹奏，没有学生合作也不能很好地锻炼合作及临场的应对能力，于是就和声乐教师合作，声乐老师的学生唱哪些作品，就把曲目提前给选修艺术指导课的学生，这样弹熟悉了之后再跟声乐专业的学生配合练习，达到“双赢”的目的，既锻炼了钢琴专业学生的配合能力，又提升了自身的弹奏水平。艺术指导课是需要声乐专业的学生的配合才能展现的一种表演状态，对学生的识谱、舞台经验、心理素质、临场应变能力等都是很好的锻炼。虽然只是一些尝试，希望长期的坚持加上系统的课程内容的填充，能够带来很大的效果。虽然目前可以选修这一课程的人数，对于逐年增加的声乐专业的学生来说，可谓杯水车薪，但这是一个好的开始，希望可以常态化和系统化。
3.3.3提高学生自主学习的积极性
当引进专业的声乐指导教师、钢琴伴奏教师不能被允许的时候，可以通过此方式来培养有经验的学生做声乐伴奏，来弥补这一欠缺；开设大课形式的艺术指导课程，形成长效的机制。但这些只是声乐作品伴奏，和真正的艺术指导还有很大的区别，要让学生有机会接触艺术指导课，哪怕只是短短的一首歌的时间，或者观摩一下也是好的，有知名的艺术指导的课程、讲座、大师班等，可以组织学生观摩学习，感受声乐艺术指导的过程，对此不陌生，理解其主旨，学会对不同时代的作品的艺术处理，不是盲目地成为歌唱的“机器”，要学会利用声音的“乐器”，提高学生自主学习的意识和积极性，也可以很大程度上减轻声乐教师的负担。
4结语
在国内声乐界，拥有“漂亮”音色的人很多，但是他们往往过于追求声音的表现力，却忽视了让声乐“成长”和“准备”的过程。就像美国著名的声乐艺术指导琼道纳门在她的《完美的准备》里说的那样：“要具备很多的条件才能开始一段声乐艺术的完美之旅”。歌唱者要循序渐进，要在艺术指导的指引下去放声歌唱，才能更好地学习各种艺术歌曲、咏叹调之长，以更好地诠释作品，服务于歌唱艺术。此次艺术指导大师班的学习，是一次完美的听觉体验和学识提升之旅。也对比折射出高等师范类音乐学院声乐艺术指导的现状，丰富和完善声乐艺术指导教师队伍的迫切性。提高高等师范类音乐学院的声乐教学水平和质量，声乐艺术指导的配备不可或缺且意义重大。期望这样的普遍的现象能得到解决和重视，为我们将来更好地开展合理规范、有的放矢的声乐教学提供技术支撑！
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篇10：音乐剧教学中声乐艺术指导思考论文
音乐剧教学中声乐艺术指导思考论文
【内容摘要】近年来，高校音乐剧专业课堂教学普遍将声乐艺术指导作为教学主要内容，但是由于声乐艺术指导教学发展时间较短，尚且处于摸索阶段，因此其教学效果还不尽如人意。本文将从音乐剧教学中声乐艺术指导基本职责、分层教学的意义、合唱与重唱训练的重要性等方面详细探究音乐剧教学中声乐艺术指导教学的心得体会。
【关键词】音乐剧教学；声乐艺术指导；分层教学
音乐剧是一种集合舞蹈、戏剧、音乐三种艺术形式为一体的综合艺术表演形式。随着社会经济与精神文明建设的快速发展，人们对音乐剧的热衷程度不断增加，因此音乐剧专业人才需求量日益增加，各个高校为迎合社会对相关人才的大量需求相继开设了新的音乐剧专业，以培养专业的音乐剧编导、音乐剧演员等人才。而声乐艺术指导在音乐剧教学中占据重要地位，其教学成效的高低直接影响了整个音乐剧教学质量的优劣。那么，在音乐剧教学中如何提高声乐艺术指导效果，是教师急需思考的问题。
一、音乐剧教学中声乐艺术指导的基本职责
音乐剧中涵盖五种艺术元素：舞美、舞蹈、音乐、剧诗、剧本，这些艺术元素之间是相互作用、相互影响、相互支撑、相互渗透的关系。声乐艺术指导教学是音乐剧教学中的核心内容，其教学活动不可孤立进行，而是和其他各种艺术元素融合在一起综合开展的。这就需要高校声乐艺术指导教师在日常教学中对学生表演的声乐剧本（涵盖戏剧冲突与情节叙事）、剧诗（剧本中角色需要演唱的韵文）及音乐作品的风格、舞美规格的审美与设想、舞蹈类型等有透彻而到位的研究与了解，然后依据学生的演唱特点、演唱水平、自身素质等相信情况，有针对性地对学生的语言表达、角色塑造、音乐表现能力等进行个性化的指导，从而逐渐培养学生在具体的剧本情境中依据剧中角色内心独白深情演唱、精准表现音乐故事内涵的良好习惯。
二、采用分层教学模式的重大积极意义
在音乐剧教学实践中我们发现，高校音乐剧专业各个学生的'知识背景、兴趣爱好、学习能力、音乐基础等有很大差异，因此传统的“一刀切”的教学模式很难促进全体学生的共同进步与发展，这就需要声乐艺术指导教师可全面了解学生的基本情况，并依据一定的标准将学生恰当分层，在分层的基础上制定恰当的艺术指导教学方案，尽可能使得每个音乐剧专业学生都能在课堂教学中有所提高与进步，都能不断提高自身的音乐表现水平。在实际操作中应做好以下几点：①针对音乐理论知识不够扎实，但是音乐感与演唱水平较高的学生，在教学中应加强对他们读谱能力的训练，要求他们严格按照乐谱上的节奏和音准进行演唱，严禁随意更改演唱速度与节奏，并且还应重视他们听钢琴伴奏能力的提升，确保他们可较为准备地看懂有伴奏需求的乐谱，从而为高年级阶段教学中的剧目合乐排演活动做好充足准备。②针对对音乐不够敏感的学生来讲，应重点训练他们聆听能力，使得他们在大量的聆听过程中逐渐领会到曲目乐段、乐句之间的关系，真切体会戏剧冲突与情节陈述的不同感受，以逐渐增强学生感受音乐的能力，最终有效提高学生传神表演音乐作品的能力。③针对演唱水平较低的学生来讲，不应片面重视对其进行演唱技巧的训练而忽略了对其音乐表达能力的培养。否则，即便经过一段时间的教学训练学生的演唱技巧有显著提升，但是其所演唱的作品也只会是空有形式而缺乏感染力。因此，声乐艺术指导教师在日常教学中，不仅应重视这类学生演唱技巧的培养，而且还应同步提升其表达能力。
三、合唱与重唱训练的重要性
合唱与重唱在音乐剧演唱过程中占据核心地位，因为学生综合素质差异性较大，所以排演剧目活动中要想取得良好的合唱与重唱效果还具有较大难度。在日常的音乐剧声乐艺术指导教学中，教师除了在常规的课堂教学中对学生安排合唱与重唱训练活动外，还应积极协助剧目教师训练学生的声部平衡、节奏、音准等水平。声乐艺术指导教师在指导学生自主练好声部的基础上，还应了解其他学生声部特点，以便在合唱重唱中进行高质量的配合。在完成声部基础训练之后，就可引导学生将舞蹈、表演融入到音乐作品演唱中。需要注意的是，在具体的训练过程中，声乐艺术指导教师应始终遵循循序渐进的原则，不可急功近利，应极可能做到“演”、“动”、“唱”有机结合，应引导学生在读准乐谱、细致处理音乐之后再将演唱与舞美、舞蹈、对白、表演等恰当结合起来。只有这样，每个学生才能正确了解自己的演唱特点并对团队成员的演唱特点有正确的了解，并恰当地将各种艺术元素融入到演唱过程中，从而切实提高音乐剧排演中合唱与重唱的质量与水平，才能为观众奉上更为优质的音乐剧盛宴。
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篇11：声乐艺术在群众文化活动中的发展论文
一、积极投身于群众文化活动中
群众文化活动要发展,需要大量的专业人才做指导，尤其是群众声乐活动要展开更需要专业型与优秀的专业声乐艺术家参与到群众文化活动的发展与建设之中，这些优秀人才与专业人士的介入对于群众声乐文化的普及与开展具有极为重要的作用。事实上，专业人才参与到群众文化活动之中，不仅使得声乐艺术在群众文化的发展中更具有一定的稳定性与专业性，也使得声乐艺术在群众文化中的发展具有一定的针对性与适用性，这对于提高声乐活动在群众文化中地位也具有一定的推动作用。从当前的情况来看，我国在开展的各类群众性的文化歌唱活动中，很多群众团体声乐演唱与艺术的表达上已经有所进步，这与各地区的文化馆的优秀的专业人士的指导，有着必然地联系，正是这些专业工作人员的引领，才使得群众声乐活动不断取得进步。文化馆的优秀的技术人员在群众进行密切的交流与指导之后，无论在教学方法还是实践经验尚也可以得到一个质的提高。基于声乐在群众活动中的发展尚有一些不足，为此作为专业人员在日常指导工作一定要耐心、细致，要用自身高质量的教学素养与饱满的教学热情去激发与带动学生学习声乐的兴趣。对于缺乏声乐基础的群众，要从最基本的音符和节奏学起，以便使得其可以掌握更多的理论和实践知识，并在文化馆工作人员的帮助下不断提高自身的音乐素养与声乐水平，以便更好融入到群众声乐活动之中。
二、培养群众性的声乐艺术人才
文化馆在新时期担负培养艺术人才的重要职能，而群众文化活动的开展需要大量有专业特长的艺术人才来进行指导工作。但是我国目前专业艺术人才匮乏，无法达到文化活动所需的人才储备。尤其是随着城市人口的剧增，许多文化馆由于专业人才的缺乏，根本难以展开正常群众文化教育工作。一些文化馆甚至处于半停顿状态，无法满足群众日益高涨的文化需求。在这种情况下就产生了群众自发性的合唱团体的组织，但是由于自身经费的不足以及缺乏专业人员的指导，这些合唱组织往往成为他人雇佣演唱进行比赛的对象，这使得群众文化活动陷于一种鱼龙混杂的困境，难以达到高雅艺术的文化要求。正是由于文化馆这种人才储备的缺乏导致群众文化活动较为紊乱，也极大地制约了群众文化的发展，为此作为地方主管部门要对这个问题进行深刻的反思，要推进大力推进群众文化，首先要从文化馆的建设与发展做起，不能让文化馆成为一个摆设出现一些工作停顿的状况。要积极进地加大对文化馆的专业技术人员的培养，以便更好地让这些专业技术人员可以更好地服务群众。与此同时，作为文化馆的工作人员也要清楚地认识到自身的'职责与义务，要用饱满的工作热情向群众进行文化的教学与传承，从根本上改善当前群众文化活动不良的一些现状，要以专业的技能和合格的职业操守为群众文化活动训练和培养专门的声乐人才，使其投身到活动的建设当中，为我国的群众文化活动发展贡献出自己的力量。
三、将声乐艺术根植于群众文化活动
文化馆在群众文化建设中具有标杆式与指向性的作用，是群众文化活动的阵地而声乐艺术在众多的音乐艺术表现形式中，最具有号召力与影响力，它能够唤起群众的共性并且完全的感染群众。为此声乐艺术要发展，就离不开群众文化活动这块基本的土壤，只有让广大群众参与到声乐的学习与演唱之中，声乐活动才可能在群众活动中取得长足的进步与发展。然而目前一些艺术家们将声乐的位置定位较高，使得一些声乐作品过于的专业，如果没有扎实的音乐基本功，就根本无法很好地进行声乐的演唱，专业的歌唱人员都如此，更无从让普通的群众去演唱这些专业的声乐，无法将这些声乐艺术应用与推广到群众活动之中。从群众文化发展的角度来讲，过于炫技的歌曲是无法达到理想的传唱效果，只有一些朗朗上口、旋律优美的歌曲才能活动群众广泛的认同与喜爱。因此在群众文化活动中可以将这类歌曲改编成合唱曲目让群众进行传唱，这样的声乐作品才可以更好体现群众活动中体现出其感染力与影响力，为声乐艺术在群众活动中发展树立良好的典范。而要达到上述效果，这就需要文化馆的技术人员可以充分地认识到声乐在群众活动发展的所面临的困境与现状，要积极、正确地发挥自身在群众文化中的指导作用。让声乐艺术更好地扎根与群众文化的土壤。与此同时，文化馆的也要发挥自身功能，要有效地促进和推动声乐艺术在群众的发展与健身，以便从根本上使得声乐艺术可以在群众的沃土之上茁壮的成长和发展
四、加强群众性声乐艺术的宣传普及
文化馆的一项基础的工作就是展开丰积极向上的群众文化活动，丰富群众文化生活，可以说群众文化活动的发展与文化馆的支持与指导有着密不可分的关系，尤其在构建社会主义精神文明建设，推动群众文化发展上文化馆更应该首当其冲，多为社会为群众提供及时、有针对性的服务与指导。作为声乐艺术在群众得到广泛的推广与发展。就需要文化馆的从业人员要积极加大对群众声乐艺术的普及与宣传，要加强与群众声乐有关活动的支持，并对一些群众进行声乐知识的专门培养与学习。而要推动群众声乐的发展，不仅需要当地政府从资金与宣传上对于群众声乐文化予以支持，还需要相关的从业人员积极地发挥自身作用，要广泛深入到群众之中对群众声进行普及与宣传，让群众真正了解到学习与参与声乐的意义与重要性，如此才可以不断推动与促进声乐在群众活动中的健康发展。综上所述，声乐艺术在群众文化活动中要得到有效的发展，作为当地政府首先要对群众的文化活动提供资金与政策的支持，其次作为文化馆要发挥其引领群众文化的作用，积极推进声乐艺术在群众文化中宣传与培训，如此声乐艺术在可以在群众文化中不断发展与壮大。
参考文献：
[1]邢东平.谈声乐演唱在群众文化中的作用[J].戏剧之家(上半月)，（4）.
[2]刘哲日.群众声乐辅导浅议[J].戏剧之家(上半月).（8）.
[3]王丛.论中华民族声乐发展的思想导向[J].黄河之声，2011（22）
[4]张晓莉.基层群众声乐的普及及其辅导[J].戏剧之家(上半月)，2011（12）.
篇12：声乐艺术指导在声乐演唱中的重要性论文
声乐艺术指导在声乐演唱中的重要性论文
【内容摘要】在艺术指导的学科划分下，声乐艺术指导是专门针对声乐演唱家、歌剧艺术表演家而进行排练合作的专门性人才。声乐艺术指导不仅为声乐演唱者进行钢琴伴奏，同时对声乐演唱者的曲目处理起到艺术指导的作用。文章分析了声乐艺术指导在技术支持、心理支持和教学支持等方面发挥的作用，以期进一步探讨声乐艺术指导所具有的特殊价值。
【关键词】声乐艺术指导 声乐演唱 独立价值
杰拉尔德穆尔——世界知名艺术指导，著有《无愧的伴奏家》一书，此书已经成为世界范围内从事艺术指导专业的人必读的一本著作。穆尔在这本书中谈到艺术指导在当今世界舞台上的重要地位，几乎每一位声乐艺术表演家、器乐演奏家都非常重视对艺术指导的选择，而伴奏关乎演唱家、演奏家能否顺利进行演出。很多艺术家会指明要求与其心仪的某位艺术指导进行合作，以求达到更好地演出效果。因此，作为不是舞台中心的声音艺术指导，穆尔强调“伴奏者真是勿需惭愧”。演唱者在进行舞台表演的时候，需要与其他人合作，这就涉及到不同声音个体之间的音量平衡问题、音色统一问题、呼吸协调问题、舞台突发状况等一系列具体内容。声乐艺术指导在其中发挥着重要作用。因而本文对声乐艺术指导的独立艺术价值进行剖析。
一、技术支持的独立价值
对于声乐艺术演唱者来说，声乐艺术指导是舞台演出时的得力助手。一位训练有素的成熟歌者在舞台演出时，常会由于场地的变化，歌者自身的嗓音状况、身体状况的变化等影响其歌唱的表现效果。面对歌者的各种状况，声乐艺术指导都需要随之进行相应的调整。因此，舞台的演出经验显得尤为重要。错音、错词、跑调、少拍等，歌者任何一个小失误都需要声乐艺术指导敏锐地发现并及时做出调整，并通过技巧与经验帮助其掩盖失误，从而达到帮助歌者维持音乐演出的进行、表达音乐的完整性，同时还要帮助歌者稳定心理。声乐艺术指导在关注自身弹奏的同时，还必须时刻关注与聆听歌者的表演，并冷静地捕捉种种变化以便及时应对。再者，声乐艺术指导需要用钢琴引领歌者，甚至调动歌者情绪，两者合作表达乐曲内涵。
二、心理支持的独立价值
舞台是考验艺术家的平台，但是从心理学角度出发，即便是有大量舞台演出经验的歌者，登台时心情大多也是难以平静。那么对于年轻的、无演出经验的歌者，这种紧张情绪可能会更加严重。面对精神上的紧张，歌者的技术水平会受到或多或少的影响，甚至出现意外与失误。在这种情况下，声乐艺术指导便需要发挥其重要的作用。声乐艺术指导是歌者的伙伴，更是其精神依靠与心理支柱，所需做的不仅是排解歌者紧张的心理情绪，还要对有可能出现的失误进行及时处理和补救。因而，性格沉稳的、经验丰富的声乐艺术指导是歌者的定心丸。能够给予歌者信心，是一位优秀的声乐艺术指导的过人之处，也是一位成熟的声乐艺术指导的独特价值。面对舞台，歌者与声乐艺术指导是相互倚重的，彼此鼓励与支持才能够使音乐演出顺利进行，才能使双方合作的音乐表演达到最佳状态。
三、教学支持的独立价值
传统观念认为，声乐学习者只要在期末考试或者登台表演的时候，与声乐伴奏合奏几次即可。殊不知，声乐艺术指导对于教学的支撑是非常重要的，声乐艺术指导在教学中的价值处于首要地位。只有在日常与优秀的声乐艺术指导进行反复合作，才能够使歌者更快成长，并更进一步促进两者进行舞台表演。声乐艺术指导在日常教学与训练中对于声乐学习者价值的体现是多方面的，主要分为如下几点。
（一）在声乐气息方面
在声乐教学中，教师强调最多的便是气息问题。能否有效地调整和控制气息已经成为歌者的声音是否具有活力和艺术感染力的一个重要评判依据，气息对于歌者的演唱具有至关重要的作用。面对这种情况，声乐艺术指导应能够有效地运用心理上的暗示与指导，对歌者进行气息的指导。首先，一首歌曲对意境的描绘、对风格的展示通过声乐艺术指导的前奏而出现，这种钢琴的引入能够逐渐引导歌者进入演唱状态，使其调整呼吸并趋于自然。当歌者的呼吸节奏与音乐节奏同步时，歌者便进入了最自然的气息状态。这种心理方面的训练是一个歌者无法独立完成的，也是声乐教师无法在教学中教授的。其次，在一首乐曲中，歌者首先需要处理好每一个乐句，最终才能够完成一整首音乐作品的演绎。因而，歌者需要用良好的气息来表现完整的乐句，形成整体的音乐意象。在这一过程中，钢琴伴奏声部也同样需要演奏出一个乐句，由钢琴演奏出的音乐带动歌者的气息走向便成为歌者日常训练气息的有效途径。因为，这种方式表面上看来是由钢琴伴奏引导歌者的乐句并达到锻炼呼吸控制的目的，但实际上是钢琴伴奏所表达出的音乐情感激励了歌者的吸气与呼气，钢琴伴奏演奏出的节奏起伏引导着歌者的呼吸控制。这种在音乐中完成自然的呼吸正是歌者最需要练习和掌握的。如此，不仅歌者的`气息控制自然，而且达到十分良好的效果，能够提高声乐气息的运用技巧。声乐艺术指导的独特价值显露无疑。
（二）在声音共鸣方面
在声乐教学中，教师除强调气息，还会强调声音的共鸣。由于歌唱中需要使整个身体形成一个大的共鸣箱，充分发挥口腔、头腔、胸腔等器官的良好协作，以达到音色明亮、音量适宜的发音效果。因而，在长期的声乐教学中，共鸣的寻找与训练对于形成良好音质来说是至关重要的一点。面对这种情况，声乐艺术指导有效地发挥其独特作用，才能对歌者的共鸣训练提供有力帮助。钢琴是具有良好的共鸣特性与多变的音色的乐器。首先，钢琴这一乐器由于自身属性具备庞大的共鸣箱，因而在榔头与琴弦敲击的瞬间能够形成良好优质的基音，并产生共鸣的泛音，虽然弹奏的音高由于物理特性逐渐减弱，但是引起的共鸣是听觉能够把握的。面对钢琴表现出的这种良好的整体共鸣音色情况，歌者完全可以借助钢琴乐器优质的共鸣特性，从听觉角度寻找自己的共鸣，提升演唱效果。因此，在声乐教学中，声乐艺术指导利用钢琴的共鸣效果与歌者配合，歌者必然会为追求人声与钢琴相融合所产生的浑厚丰满的音质而不断练习，并在声乐训练中下意识地学习运用人体共鸣箱的方法。声乐艺术指导运用钢琴大共鸣体与人声腔体融合的方式，使歌者感受自己的腔体发生转变，变为一个合作的共振腔体。歌者在声乐艺术指导的支持下，一步步体验这样的感受。歌者逐渐确立良好的信心，并学会仔细聆听观察自己的共鸣发声，寻找自身正确的音色音质。这种建立在声乐艺术指导基础上的、有效感知音乐并训练共鸣的方法，能够让歌者更加自然地呼吸和感受腔体变化，并让歌者意识到无须紧张，只需要自然地打开腔体，歌者便能够寻找到宽广的、完美的共鸣音质。
（三）在声音语言方面
语言是声乐的载体，正因为有了语言，声乐才变得更加动人。因此，声乐这种综合艺术形式的表现，更需要语言与音乐元素的完美结合。声乐教师在语言教授过程中也需投入心力。世界声乐艺术的海洋中，语言是极其复杂的。由于民族和地域的差异，不同语言必然带来不同的歌唱风格。意大利语、德语、法语是声乐教学中最常见的外语语种，对以上各语种的声乐教学，既十分重要又极易被忽视。然而随着声乐艺术指导对歌者的辅助作用被愈加重视，语音语调的习得也将更加准确自然。声乐艺术能够达到今天在世界范围内的广泛认知，离不开其起源地——意大利及周边地区的支持。在欧洲早期的音乐中，美声唱法从起源、发展再到繁盛多得益于意大利国力的昌盛及意大利语的清晰明了。意大利语的发音特征非常简洁，它的元音发音清晰，音色、音响明朗饱满，其作为一种拼音文字规律性较强，且简洁明了。意大利语音发音单纯，常用开口音的特征使歌者在演唱过程中能够较为容易地获得良好的气息，并寻找到正确的共鸣状态。因而，这种语言与音乐结合，便能较为轻松地将整体音乐进行完美的表现。在早期大量的意大利语声乐作品中，作曲家对于钢琴声部的创作都较规范。这样，更加便于声乐艺术指导在简单明了的伴奏音型下，观察歌者的状态。同时，歌者也能够在简洁的伴奏中清楚地咬字，迅速地放松自我，发出更加纯正准确的音，达到音乐与语言的有效结合。
（四）在声乐教学的其他方面
音乐教育家、音乐表演理论家张锦华曾谈到：“声乐属于音乐艺术范畴，是由诗人，作曲家，歌唱演员及器乐伴奏等共同创造的综合艺术，它通过声乐表演的艺术形式把音乐作品转化为现实的音响，从而实现其审美价值。”艺术指导除具有上述对声乐气息、共鸣、语言等方面的独特价值外，还能够从音乐作品的创作背景、创作风格、旋律、节奏、强弱等多个方面，对歌者的演唱进行指导与补充。声乐艺术指导应能够进入音乐体会创作者的感情，并且对歌者进行指导，协同歌者对作品的内涵进行更加深入的理解。例如，很多学习声乐的学生会感觉难以应对乐谱中比较复杂的节奏，此时声乐艺术指导通过钢琴与其配合，便能够在很大程度上对这一问题进行有效地解决。也有很多学习声乐的学生对于一首新作品的演唱没有做到先阅读谱子，而是直接聆听各种版本歌唱家的演唱，在掌握大体旋律之后便凭借对旋律的感知进行演唱，属于学生没有经过自己深入研习后的简单模仿。这样做的弊端在于，部分歌唱家的演唱属于二度创作，大多带有即兴性。因而，对于声乐学习者来说，在初步接触乐曲的时候，没有对谱子进行客观深入的分析便自由演唱，非常不利于声乐学习的深入。这种学习方式可能导致学生在与艺术指导合作过程中出现拍子、情绪等方面配合不佳的情况。在乐曲学习过程中，为了进行更加有效的合作，声乐艺术指导可以引导歌者先遵从作曲家的音乐创作原本，后期在充分理解作品的基础上再进行具有个性化的艺术处理。这样声乐艺术指导与歌者才能实现共同的二度创作，实现歌者的艺术追求。
结语
声乐艺术指导是一门具有独特艺术价值的学科，这种独特性对于声乐教学是有极大益处的。它不仅在舞台演出中是声乐演唱的合作者，更在声乐教学中具有独立的艺术价值。笔者希望通过本文能够对声乐艺术指导学科的发展起到一定的抛砖引玉之效。
参考文献：
[1].穆尔.无愧的伴奏家[M].台北：世界文物出版社，1995.
[2].张锦华.关于声乐表演的几点思考[J].中国音乐学，（4）.
篇13：声乐艺术在电影艺术中的美学价值的论文
声乐艺术在电影艺术中的美学价值的论文
【摘要】近年来很多电影作品都在其中加入了声乐艺术，这些电影作品通过声乐艺术起到渲染氛围、深化电影主题的艺术效果。声乐本身就是一种极具美学价值的艺术形式，在电影作品中巧妙地运用声乐艺术，使这两种视与听的艺术形式实现有机结合，能够在凸显电影主题内容的同时，增添艺术感染力，进而起到作品的美学增益效果。本文就从电影中的声乐艺术的运用入手，对其美学艺术功能与价值展开探讨。
【关键词】声乐艺术；电影；美学价值
电影这种视听结合的现代艺术形式具有极强的兼容性，可在其中融入文学、绘画、舞蹈、摄影、音乐等多种艺术形式。特别是音乐这一种极具美学价值与感染力的艺术形式，在电影诞生之日起就和其结下了不解之缘[1]。虽然电影在19世纪末诞生时，因为技术限制，主要为黑白默片的播放形式，但这一阶段的电影也并非是真正意义上的“无声”。卢米埃尔播放世界首部电影时，为掩盖放映机噪声，在播放时请来了乐队进行伴奏，这种方式不但起到了掩盖噪声的作用，还对电影氛围带来了渲染效果，为观影者带来了视与听的双重美学感受，反响十分热烈，自此此种模式在黑白默片时代得到了广泛应用[2]。但当时的电影音乐伴奏主要是现成的古典音乐段落，事先并没有进行科学编排，随机性极强，虽然有时会起到渲染作用，但更多时候所伴奏的音乐和电影剧情并不匹配，反而会影响观影效果。随着相关技术的发展，美国华纳于1927年推出了世界首部有声电影一一《爵士歌王》。这部有声电影通过合理的编排，不但实现了音乐伴奏和剧情内容的契合性，还首次加入了声乐形式。自此电影音乐的技术与音乐编排设计理论逐步完善，声乐在电影中的应用也日益广泛。
一、声乐艺术概述
声乐是人声与音乐结合的艺术形式，主要有美声、通俗以及民族声乐等类型。声乐的最大美学特点就是极具感染力，能够带动人的情感，并产生共鸣[3]。演唱者需要在具备先天嗓音优势的基础上，通过对音符的理解，诠释出极富感情的演唱作品。现代电影艺术包括视觉画面、语言台词以及音乐三大要素，其中语言和视觉画面与电影剧情直接相关，而音乐则不同，它主要是通过辅助渲染的方式，起到深化电影主题的效果[4]。在现代电影艺术中，音乐更是与电影的艺术表现及审美价值有着紧密相关。声乐作为一种典型的音乐类型，从第一部有声电影诞生以来，就时常出现在各类优秀影片中。声乐是由人声和音乐所组成的有机体，当它被合理地安排在电影某个段落中时，声乐还可视为是一种音乐化的台词，与语言台词共同叙事电影的主题。
二、声乐艺术在电影中的应用特点
（一）不完整性
声乐作品与其他音乐形式一样，有着完整的结构。但当声乐运用到电影中时，则打破了声乐的这一常规[5]。电影音乐需要贴合情节与主题，和语言台词形成相互促进或互补的效果。这就决定了电影中的声乐作品并不是以其完整的形式呈现，可能是某个声乐作品的节选，也可能是不同声乐作品的拼接。虽然说电影中的声乐结构缺少完整性，但不会影响其美学价值，反而还会和电影画面、剧情、语言等共同作用，起到美学的增益效果，共同构成一个极富美学价值的电影作品。
（二）可塑性
现场演唱的声乐作品是通过音乐厅中的`乐队与人声共同演绎而成，而电影中的声乐则是经过后期处理而成[6]。虽然同一首声乐作品无论是电影还是现场演绎，其整体是一致的，但电影声乐作品经过后期制作时，可能会根据电影的演绎需要进行特殊处理。就如同特写镜头的原理，将某一小节的声音调高，或者减弱。也可利用电脑技术进行处理，如《第五元素》中外星女歌唱家在豪华剧院演唱的经典桥段，为起到震撼效果，在后半段演唱的《女神之舞》中，通过电子处理，不但加快了节奏，拓宽了音域，出现了现实演唱中难以实现的男女混合声线，带来了极大的艺术震撼性。
（三）契合性
电影中的声乐作品必须紧贴电影中的主题或某个镜头的氛围，决不能恣意添加并不相关的声乐作品。电影配乐者可将现有声乐作品加入其中，也可为电影创作新的声乐作品[7]。例如1990年台湾电影《妈妈再爱我一次》是一部感动了两岸母爱题材作品，为渲染电影主题，选用了《世上只有妈妈好》这个歌颂母爱的声乐作品作为伴奏。之所以选择这一声乐作品，正是因为它和电影主题的契合性。当声乐作品响起，伴随着银屏中强强抽泣的画面，使观影者受到了极大的内心震撼。
结束语
声乐是由人声和音乐所组成的有机体，当它被合理地安排在电影某个段落中时，声乐还可视为是一种音乐化的台词，与语言台词共同叙事电影的主题，在渲染与深化主题方面，发挥着自身独特的美学价值。综上所述，本文首先对声乐艺术进行概述，之后分别从不完整性、可塑性、契合性等方面探讨了声乐艺术在电影中的应用特点，最后在此基础之上，从渲染氛围、深化人物的刻画、深化主题、抒情以及蒙太奇等方面对声乐艺术在电影中的美学价值进行探讨，希望能为相关人士提供些许参考。
【参考文献】
[1]曲永新.以电影《立春》为例探微电影音乐中声乐的艺术魅力[J].齐鲁师范学院学报,,04:120-122.
[2]平丽华.从《花儿为什么这样红》谈声乐艺术在影视主题中的演绎[J].电影文学,2011,23:140-141.
[3]王红梅.论声乐艺术对电影情节的推动作用[J].电影文学,,01:138-139.
篇14：声乐教学中情境教学的运用研究论文
声乐教学中情境教学的运用研究论文
摘要：声乐教学主要为提升学生音乐表达能力，锻炼学生的嗓音，让学生对课程内容中的音乐作品有积极的情感体验并通过演唱能够表达出来。因此，在声乐教学过程中简单地把提高学生嗓音的演唱作为课程目标是不够的，有效地激发学生内心情感领悟，让学生在情感表达与学习相结合的过程中更好的体验歌曲，才是现阶段声乐教学的重要目标。情境教学法能够有效地提升学生对音乐作品的感情，激发学生积极的学习兴趣。本文主要针对情境教学开展中须注意的原则及如何有效开展声乐教学进行阐述，以期为相关的音乐教学提供有价值的参考。
关键词：声乐教学；情景教学；应用分析
新课程改革标准提出教师要积极培养学生的情感价值观，因此如何启发并培养学生积极的情感体验成为现阶段声乐教师的重要任务。在声乐教学过程中使用情境教学方法，能够让学生通过情感表达提升对音乐作品的鉴赏能力，从而提升自身的学习方法，提高学生对音乐情感的领悟能力及表达能力。
一、情境教学的概念
情境教学是指教师根据所要讲述的课文内容，将所要传达的文字内容转化成以图片、视频等为载体的投影或动画内容，加上教师对教学内容的感悟（以语言传达出来）或借助适宜的音乐作品，在教学过程中创设能够激发学生自身情感的教学环境，激发学生对教学内容的情感体验，让学生深切地感受到课文内容传达的信息。通过情境教学，能够让教师与学生之间产生情感上的共鸣，让教师处于课堂引导者与启发者的地位，增进学生与教师之间的沟通，让教师更有效地掌握课堂教学的节奏，通过接收学生传达出的学习效果分析下一阶段教学方向及教学进程，进一步提升课堂教学效果。新课程改革标准提出教师培养积极学生情感价值观的要求，为有效地相应新课程改革的要求，目前很多教师已经将情境教学法作为重要的教学手段应用在教学中。事实证明，这种以案例或情景为载体的，引导学生自觉的深入到课堂学习中来的教学方式，在一定程度上提升了学生自主解决问题的能力，有效锻炼了学生的情感认知和思维方式，将学生被动学习的态度转化为主动学习，达到让学生成为课堂教学主人的积极教学效果。
二、声乐教学的主要内容
声乐教学是音乐教学内容的一个分支教学，声乐练习也是音乐学习过程中的一个重要内容，主要以循序渐进的教学方式将严格的教学课程转化为提升学生歌唱能力的推动力。学生学习声乐教学主要是提升音乐表达情感，让学生能够通过演唱将涵盖在歌曲中的情感及学生自身针对歌曲内容产生的情感表达出来，使学生的发声器官在演唱过程中更具有协调性和耐力，改善学生自身嗓音的不足，锻炼学生用音乐表达情感的能力。
三、在声乐教学中运用情境教学的重要性
1.创设情境激发兴趣
兴趣能够带动学生主动参与到学习中去，提升学生对学习内容的有意注意和持久注意，让学生对课堂内容产生积极的、向上的学习意愿。如何采取有效地教学手段激发学生对音乐课程内容的兴趣是现阶段音乐教师教学中面临的重要问题，在声乐教学过程中积极运用情境教学，能够激发学生对学习的情趣，起到以音乐教学让学生对教学内容产生情感共鸣的效果。在多媒体教学盛兴的新时代，教师可以运用多媒体教学将教学内容转化为有声的、动态的教学内容，引发学生一探究竟的好奇心，让学生主动投入到音乐课程研究中去。
2.提升课堂的教学效果
运用情境教学能够提高教师的教学能力，进而提升课堂的教学效果。通过情境教学，声乐教师可以将枯燥的声乐知识转化为以图片、动画、视频等为载体的教学内容，提升了教学内容的层次感，使教师的板书更加清晰，教学目标更加明确。同时，教师在运用情境教学法时，也可以激发教师自身对音乐情感的体会，让教师进一步接近学生的内心，更好地掌握教学方向，有效地提升课堂教学效果。
3.突破教学中的重难点
传统的声乐教学过程中，教师主要以板书等形式进行教学，板书的时间占用了大量的课堂教学时间，同时枯燥的板书教学方式非但不能引起学生的兴趣，反而让学生对教学内容产生反感，不利于教师在教学中将教学重难点更好的传递给学生。现阶段，教师掌握情境教学方法后，能够使用多媒体制作教学内容的演示文稿，在文稿中使用不同的.颜色、不同的字体及不同的字号让学生对重点教学内容一目了然，教学形式新颖多样，增加了学生对重点教学内容的感悟，加深了学生对教学内容的记忆，便于学生对教学重难点内容反复体验、反复理解，使学生对教学内容有更深地感悟。
四、在声乐教学中使用情境教学的基本原则
在声乐教学课堂中使用情境教学法，应该积极利用多媒体教学设备、教学工具等外在的教学材料，本着推动学生智力发展和情感体验提升的原则将课程的内在内容积极的展示给学生。在教学中注重对问题情境结构、数学知识结构和学生认知结构进行有效地融合和统一处理，将与当前教学内容相关的重难点问题有效地传递给学生，促进学生以情感体验解决问题。总体来说，使用情境教学要遵守以下原则：
1.注重教学的情境性
情境教学方法使用的根本原则是注重教学过程中创设情境。“情”是指注重激发学生的兴趣，满足学生对学习的需要，端正学生学习的态度，增加学生的情感投入等；“境”是指将课堂教学内容与学生的生活实际紧密相连，让学生在学习过程中对自身生活产生认知，同样地让学生在日常生活中产生对教学内容的领悟，提升学生的情感价值观及情感体会，利用情感认知提升学习效率。
2.注重教学的问题性
学生积极学习课程内容的最终目的是解决学习中的疑惑，解决不同的学习问题，提升自身探究问题、解决问题的能力。在声乐教学中，教师要利用情境教学将教学中的主要问题传递给学生，学生在问题研究的过程中总结有效学习声乐的方法，提升对同类问题的解决能力，通过情境教学提升学生的注意力，进而主动提取教学中的重点信息内容。
3.注重教学的启发性
教师要利用情境教学让学生对教学内容有所感悟，有所思考，起到启发学生的作用。在声乐教学中，教师要带领学生进入相关学习内容的情境中去，让学生在情感中激发发音练习的学习意愿，在发音过程中得到对发音方法的启发。学生经过自主探究得出的发音方法比通过向教师学习的发音方法更具有感召力，起到长久启发学生的作用，让学生对学习过程更加深刻。
4.注重教学的针对性
教师在利用情境教学方法时要有针对性，选用的教学材料所创设出的教学情境要与教学重点内容相符合，从学生的实际学习情况出发，将有效地教学内容与学生的学习进行结合。注重教学过程中的针对性，能够对学生的学习起到促进作用，切忌盲目使用教学手段，有效地提升教学效果。
5.注重教学的趣味性
要想有效地运用情境教学，激发学生的学习情趣，教师就要使用具有趣味性的教学材料及教学设备，以迎合学生趣味性的教学方式引起学生的学习动机。教师要根据具体的音乐内容和音乐情境选择适宜的教学材料，让学生在具有趣味性的教学环境中积极主动的投入到学习中去。
五、应如何有效应用情境教学
1.提高学生音乐的表现力
音乐艺术主要是通过学生的情感表演展现学生对音乐学习的成果，声乐学习作为音乐学习的重要组成部分，在改善学生嗓音的同时，也能够激发学生抒发自身的情感。如果将激发学生的情感体验和锻炼学生的嗓音结合起来，能够让学生极具有过硬的演唱技巧，同时也能够通过自身的演唱打动听众。教师通过提升学生的音乐表现力是开展情境教学的重要目标。在教学中，教师可以通过情境教学引起自身对音乐内容的感悟，以自身的情感投入带动学生积极地投入到音乐学习中。教师要有效的应用情境教学，让学生在声乐学习过程中真切地感受到声乐唱法与情感体验相结合的有效学习方式。
2.创设与教学内容相关的情境
开设情境教学，教师就要在声乐教学过程中创设与声乐教学内容相关的情境，激发学生在感受音乐、演唱练习中自觉地投入到情境中去，让学生仿佛置身于真实的“画面”中，让学生在真实的自身情感体验中提高音乐情感的表达能力，让学生对声乐的学习是具备情感体验的。通过创设有效的情境内容，能够让学生对教学内容产生深刻的印象。教师在教学过程中可以利用语言、眼神、表情及动作等感染学生，让学生在教师的带动下发自内心的抒发情感。声乐教学不仅要让学生的唱法、嗓音得到提升，更重要的是让学生能够以情感带动演唱的升华，以情感将自身融入到对艺术的感悟中。
3.运用移情提高学生音乐修养
提升学生音乐修养，让学生在情境教学影响下，展开对声乐学习的积极探索，在探索中掌握有效练习发声的方法。教师可以利用影像资料、录音资料等教学内容载体，让学生在对音乐艺术的感悟中领会优秀的演唱家对歌曲情感的投入，教师可以鼓励学生通过对艺术家演唱过程的揣摩，结合自身对歌曲的理解及情感抒发，提升学生对音乐的鉴赏及审美能力，让学生对不同风格的音乐作品有深刻的体会。学生在这种移情的学习方式下，能够开拓视野，掌握音乐鉴赏的方法，提高自身的音乐修养，有利于学生在声乐学习中，以情感带动音乐的表达，从而掌握不同歌曲的唱法。
4.运用范唱培养学生情感
教师可以以范唱的教学方法，让学生在近距离接触教师的情况下，观察教师情感表达时的动作、眼神及面部表情变化，通过面对面地感受教师在演唱时声乐的发音，让学生更好地掌握情感表达的节奏，培养学生积极地音乐表达能力。教师在讲课过程中，可以引用音乐作品作为教学案例，运用声情并茂的语言表达方式，让学生主动投入到作品欣赏中去，激发学生对音乐学习的积极性，从而达到利用情感教学培养学生情感的效果。
结语
综上所述，在声乐教学中利用情感教学方法，目的是培养学生积极的音乐情感，让学生在激发感情的过程中领悟声乐表达的有效方法，领悟声乐学习的真谛。声乐教学作为一门艺术修养课程，应将提升学生嗓音，让学生掌握有效的演唱方法及带动学生内心的情感为教学开设的目标，所以情感教学的应用在声乐教学中显得尤为重要。教师应积极利用现代多媒体教学设备，找寻与课程内容相关的有趣的教学资料，利用好情感教学方法，提升课堂教学效率。
篇15：声乐教学中个性化嗓音培养研究论文
声乐教学中个性化嗓音培养研究论文
摘要：本文针对目前高校声乐教学过程中普遍存在的“千人一声”的现象，分析现象背后的原因和培养学生个性化嗓音的必要性，结合自身教学实践经验，从心理上和技术上两方面提出改进教学的措施，并就如何划分声种，提高声音辨识度提出了自己的看法。
关键词：声乐教学；声种；个性化；声音辨识度
随着我国高校教育事业的改革发展，目前很多综合类大学也都创办了艺术学院，当然都少不了声乐专业，而且相对其他专业的招生比例，也是其他艺术类之首。如此大规模的声乐学生，如何突出个性化的嗓音特点在声乐教学中显得尤为重要，尤其现在“千人一声”的歌唱现象，已经严重影响了学生的个性化发展，针对这种状况，我们的声乐教师有责任和义务去改变这种现状，帮助学生培养个性化的嗓音，更好的促进我们的声乐教育事业长足发展。
一、培养学生个性化嗓音的必要性
声乐教学不同于一般的学科教育，它是以个别形式授课，采取一对一的教学模式，就是因为个体的差异，所以不可能用完全相同的教学内容去对待每一个学生。学生的音乐天赋、嗓音条件、音乐基础、文化修养、心理素质、接受能力、成长环境、兴趣爱好、学习态度等都会有所不同。因此我们要在遵循基本原则的基础上，要有针对性地制定教学计划，包括声音技巧的训练和作品类型、难度、风格、中外作品的比例都要因人而异，有选择、有计划的具体到每一个学生身上。沈湘教授特别强调声乐教学个性化的原则，因此他培养出了一大批富于个性嗓音的声乐人才，如迪里拜尔、范竞马、殷秀梅、梁宁等。因此我们在声乐教学过程中，要根据学生各方面的不同，对学生的声音特点有一个正确的判断，培养出不同的个性化嗓音。
二、如何培养个性化嗓音
首先从心理上，声乐教学中就是要挖掘每一个学生的特质，我们刚接触学生他们的自然情况没有足够的了解，那么我们就要在一个总的原则基础上，给学生进行一些必要的基础训练，在这个过程当中，逐渐了解学生的嗓音特点，了解学生喜欢什么类型的作品，及哪一位歌唱家的演唱风格，帮助学生建立正确的歌唱心理。心理因素对学习影响很大，有些学生仅仅从喜欢出发，但是喜欢的不一定适合他的嗓音特点，有人明明是宽的嗓音，由于喜欢花腔的歌曲，非得把自己的嗓子唱细了；也有的学生是小号嗓子，喜欢戏剧性的作品，硬把喉咙撑开了做成大号嗓子。那么老师就有必要帮他分析其中的利弊，帮助学生了解自己的嗓音，告诉学生不要盲目根据自己的喜好去模仿某一歌唱家，喜欢不一定就适合自己，要选择适合自己的作品，唱自己本色的嗓音。比如我们的国粹京剧，经过几百年的历史，形成了一个完整的体系，分的很精细，生旦净末丑，每个人根据自己的嗓音特点选择适合的角色，一个人不可能唱所有的角色，老一代艺术家的演出，我们一听就能够分辨出是谁唱的，他们都有自己声音特色。学习声乐也是一个道理，如果简单地随便模仿别人的东西去唱，可能是调儿对了，但是“味儿”不对。学习音乐到最后比的就是“味儿”，能把作品的“味儿”唱对了，你的个性也就体现出来了。所以帮助学生建立正确的歌唱心理在个性化培养中尤为关键。石倚洁目前在全世界的抒情男高音中位居前茅，世界著名歌剧院都请他去演歌剧，他放弃威尔第、普契尼的大歌剧，而是安安静静的唱适合自己的莫扎特、贝利尼、多尼采蒂的抒情歌剧，在剧中游刃有余的运用自己的歌唱技巧，充分的把握剧中的人物性格，展示了自己的优势，在世界歌剧舞台站稳了脚跟，形成了自身独特的演唱风格；还有德国的演唱家迪斯考和施瓦茨科普夫，他们绝大多数的时候在演唱自己擅长的艺术歌曲，他们被称为“艺术歌曲演唱家”。这些例子都可以作为帮助学生树立正确的学习心理，客观认识自己的嗓音特点，选择适合自己嗓音的作品。其次技术上，学生的水平参差不齐，有的考生之前学的时间长，嗓音条件也好，接受的能力可能就快一些，有些基础差的就慢一些，我们不能用高的标准要求基础差的。这就要求我们的老师抓住好学生的优势，使其发挥自身的长处。差的学生抓住弱点，提高不足。有问题的找出解决的办法，没有问题的地方就不要特意去强调，沈湘教授说他曾经把一个学生的某一好的方面按自己喜好给改动了，后来又后悔了，改不回来了，因此说没有问题就不要硬找问题。技术上的偏差容易使学生失掉嗓音个性，所以老师要认真分析学生的嗓音特点，采用个性化教学方式，不要按照自己的好恶打造学生的嗓音。如果一个老师的学生一张嘴唱，就知道是谁的学生，这不是一个高明的老师。沈湘老师特别强调，老师不要以自己的喜好让学生替你唱，不要让学生为你的一套技术理论学说服务，用一种方法放在所有人身上，形成了教学上的流水线，教出了一批没有个性的声音，这就是所谓的“千人一声”。我们要抓住每一个学生的问题所在，有针对性的对待每一个学生存在的问题。
三、学生声种的划分
老师不要急于给学生定位声音类型，学生刚刚入学，还没有足够的了解学生的各方面情况下，给他们唱一些意大利的早期艺术歌曲，以及中国二、三十年代的艺术歌曲，这些在提高学生的演唱技能同时也能提高学生的艺术修养，而且在演唱这些曲目的过程中，逐渐发现每个学生的个性。到了高年级慢慢地发展学生的个性，选择适合每个人的教学方法及演唱曲目。有的学生音色比较明亮、清脆，而且声音灵巧富有弹性，这样就适合演唱情感上轻快活泼的和带有花腔技巧的作品。比如《紫罗兰》、《你发火就爱生气》和《鞭打我吧》等曲目。音色柔美、清丽的嗓音适合演唱富于歌唱性的、流畅性的抒情歌曲。如《假如你爱我》、《游移的月亮》和《伯爵夫人谣唱曲》等。音色浑厚、结实有力的女中音适合演唱一些抒情的曲目《阿玛丽莉》、《尼娜》、《卡门》等。女声一般就这三种类型，学生当中戏剧女高音和女低音极少，男生有有抒情男高音、男中音和男低音，戏剧型的也少见。根据不同的嗓音，选择适合他们的曲目。随着教学的深入，学生的演唱特点逐渐确立起来。当然初学声乐者不能仅仅因为音色就限定了她的声种，随着学习程度的加深音域会有所变化，音色也会随着变化，过早的划定声部不利于学生的个性发展。当然一个人的音色也初步决定了她的声音本质和特点，要在保持学生特有的音质去发展她的音域和音量，使学生的嗓音在自然、松弛的状态下得到发展，开发学生的潜力，根据她的天然音色去塑造她的声音特色，确定他们的声种。有不少人被误判了声种，仅仅因为唱不了高音就当成中音去训练。有一个朋友上大学的时候一直被老师当女中音教，后来工作以后，自己不断的琢磨，又去出国学习，现在变成了女高音而且还是花腔，反差实在是太大。而且声种也不是一成不变的，多明戈现在随着年龄的增长，男高音改唱男中音了。在学生学习的初级阶段，老师的耳朵要保持高度灵敏，要能够分辨学生的潜在音质，不要盲目的下结论。同时老师也要有先进的教学理念，掌握准确的教学方法，使学生的音域、音色很好的得到提升，才能在声种的划分中不至于走弯路，发现每个学生声音上的特质。
四、声音辨识度的个性化培养
在教学过程中，还要努力提高学生声音的辨识度，让每一个学生把自己的个性嗓音发挥得更好。什么是声音的辨识度？是指与众不同的声音，有别于其他人的嗓音特点，是指音色的不同。这似乎又有些狭隘，声音的辨识度还应该包括发音技巧、咬字吐字、艺术修养、二度创作的驾驭能力等综合因素，不仅仅是音色的与众不同。那么如何提高声音的辨识度呢？1.科学的发声方法。首先老师要有一个好的声音理念，支配你的教学方法，告诉学生哪个声音是对的，哪个是错的，不要给学生说一些抽象的比喻，要把唱歌变得简单易懂。声乐大师乔兰培尔蒂指出“你的读字和自然的呼吸组成你的声音”，这就是说读字与呼吸的结合就是声音，也就是在自然呼吸的状态上说话咬字，不要人为地制造状态，那样出来的声音是不自然的，也就不利于个性声音的形成，每个人的说话声音是不同的，在说的基础上去歌唱，一定是自己的天然音色。而且我们在唱歌过程中不要让学生脱离声带，声带是我们发声的音源，如果声带不工作也就没有声音的产生，何谈有个性的嗓音。气息和声带要很好的配合，在一个合理的尺度内，有控制的运用自身的.肌能，发挥每个人的生理肌能特点。有的学生故意把声音唱的厚重，喉咙开的过大，咬字不清晰等，这些都是人为地制造声音，脱离人体的自然状态，阻碍了个性化的嗓音发展。2.艺术修养的培养。学生的音乐基础、文学底蕴、成长经历、教育环境等都有很大不同，老师要根据学生的理解能力，结合不同的作品提高学生的艺术修养。从歌曲的语言、旋律、风格特点出发，帮助学生全面的理解歌曲表达的内涵，让学生形成自己的想法，提高对作品的深度理解，完美的诠释歌曲的意境与情感表达，从而挖掘每个学生适应的作品特点，提高学生对歌曲的个性化表达。3.作品的二度创作。声乐表演艺术的“二度创作”具有发挥个人艺术理解的充分空间，必然融入演唱者的个性。创新是艺术的生命，个性是表演艺术的灵魂。声乐教育家赵梅伯指出：“没有个性的艺术家永远不会有惊人的成就，所以说个性是艺术家的本钱。好的歌曲是上乘的材料，声音是工具；技术是方法；修养是本质；而个性是原动力，所以缺乏个性的歌者是不能行之久远的。”当我们给学生布置新作品的时候，要帮助学生分析理解歌曲的创作特点以及作曲家的创作思想，而且让学生用自己的理解进行二度创作，不要遏制学生的思维，鼓励学生创新。如果偏离了作曲家的初衷，老师可以简单的提示，不可强制施加自己的想法，让学生独立思维，用自己的感悟去表现作品的内涵。声乐是通过人声的歌唱形式表达情感和音乐形象的艺术形式，在声乐教学中我们要在正确的理念、先进的技术、深厚的艺术修养指导下，使每个学生都能唱出自己的个性嗓音，纵观历史上的歌唱大师，能让人记住的永远是那些有特质的、有高超技术、有修养的声音。
参考文献：
[1]孟天屹.高校声乐教学纳入戏曲唱腔的思考[J].黄河之声,(15).
[2]陆宗武.民族高校声乐教学纳入戏曲唱腔探究[J].歌海,(6).
[3]刘琳,王文清.戏曲声腔和声乐艺术之融合———浅谈戏曲声乐课程对戏曲唱腔的指导意义[J].人文天下,(4).
作者:杜立新 单位:沈阳音乐学院
篇16：声乐教学中歌唱表现力培养研究论文
声乐教学中歌唱表现力培养研究论文
一、影响学生歌唱表现力的因素
（一）遗传因素
表现力的影响因素主要分为两个方面，遗传因素和后天因素。遗传因素也就是先天因素，这种表现力是与生俱来的，无需刻意培养，只要稍加锻炼就可以将这种在舞台上的表现力激发出来。我们的生活中有很多“子承父业”的实例，这是有科学道理的，因为往往双亲从事某项职业，孩子会有这方面的天赋，表现力也是如此。如果父母双方从事与表演有关的行业，并有着很好的舞台表现力，孩子有很大的可能会具有良好的舞台表现力。
（二）后天因素
除了先天影响之外，后天的培养也是影响表现力的一个重要因素。后天的因素包括孩子的成长环境、成长经历、家庭生活、社会生活等多个方面。对于先天表现力不足的学生后天培养就成了他们表现力的决定因素。作为声乐教师，应该尊重学生的个体差异，对于缺乏表现力的学生应该着重培养。
二、声乐教学中培养歌唱表现力的途径
（一）增强学生对于歌唱表现力重要性的认识
要想提高学生的表现力，首先加强他们的思想认识很重要。多数学生缺乏舞台表现力的主要原因就是对于舞台表现力的认识不足，忽略了表现力对于歌唱表演的重要性。学生对于舞台表现力的意识往往决定着学生在舞台上的表现，对于提高学生的舞台表现力起着思想推动的作用。教师要首先增强学生对于歌唱过程中表现力的认识，教师可以带领学生观看专业歌唱艺术家的歌唱表演，并对其进行分析，让学生亲身感受到舞台表现力的重要性。
（二）在歌唱训练中注重感情培养
音乐是一门用于表达情感的艺术形式，创作者的情感深深的融入在歌曲之中，歌唱表演者只有透彻的理解这种情感，才可能在歌唱中将情感展现出来。因此在歌唱训练中要注重学生感情的.培养。培养学生的情感，首先要丰富学生的生活经历，只有对于生活有着深刻的体验，学生才会有丰富的情感。但学生往往因为生活阅历的关系对于生活没有深刻的体验，对于一些歌曲中的情感无法体会到，这就要学生通过博览群书来获得丰富的情感。增强个人情感的方法有两种方式，一是有着丰富的生活阅历，另一种方式就是通过读书。增强学生的情感培养，首先要提高学生的文学素养，让学生在书中体会人生百态和世间冷暖。
（三）为学生创造适宜表现的艺术氛围
多数学生在舞台上缺乏表现力是因为内心的恐惧，无法克服自己的内心障碍，在舞台上无法释放自己。教师要帮助学生克服这种心理，在日常教学中为学生提供充足的表演和演唱的机会。学生的表现力需要特定的环境来展现，培养学生的表现力，首先要为学生营造适于表现的艺术氛围，激发学生表现自我的欲望。教师要学会用自己的表现力来感染学生、引领学生。传统的教学往往采用的方式是教师枯燥乏味的讲解，这种方式的教学效果收获甚微，尤其是对于声乐这种表演性科目。教师要融入到学生的学习过程当中去，带领学生一起学习。为了提高学生的表现力，可以将教学放到舞台上进行，舞台是一个很容易激发学生表现力的环境，舞台往往会激发人的表演欲望。
三、结语
舞台表现力的培养不是一朝一夕就可以完成的，是一个循序渐进的过程。培养学生舞台表现力有多种方法，教师可以带领学生走入社会，带领学生走进自然，丰富学生的生活体验，提高学生对于美的鉴赏能力，让学生认识自然之美等都对于提高学生的表现力有着很好的帮助效果。
篇17：非指导性教学模式在地理教学中的应用论文
非指导性教学模式在地理教学中的应用论文
【摘 要】高中地理新课标重视对地理问题的探究，倡导自主学习和探究学习，非指导性教学模式在教学方式上强调以学生为中心，在中学地理教学有值得借鉴的价值。本文从“非指导性”教学模式的概念、在中学地理教学中应用的依据、应用实例和存在的问题等几个方面介绍了这一模式在地理教学中的应用。
【关键词】非指导性 地理教学 新课程标准
一、将“非指导性”教学模式应用于中学地理教学中的理论依据
（一）满足学生不同的需要
在非指导性教学模式中指出，学习目标由学生在课堂上自主确定，这样每个学生可根据自己的不同学习程度和不同的学习需要确定自己的学习目标，这一点符合新课程改革中满足不同学生的地理学习需要相吻合。
（二）重视地理问题的探究
在非指导性教学模式中，教师对于所提出的问题不给答案，由学生自己讨论得出，教师作课后补记。在地理新课程标准中指出，要重视对地理问题的探究，倡导自主学习、合作学习和探究学习，开展地理观测、地理考察、地理实验、地理调查和地理专题研究等实践活动。
（三）注重学生的全面发展
新课程标准把“学习对生活有用的地理”和“学习对终身发展有用的地理”作为基本理念，只提出教学要求而没有明确必学的内容，更没有详细的知识点，更加强调学生所学知识的实用性和对提高整体素质的作用。在非指示性教学模式中的“四自”也强调了学生的自主学习方式，“用自己的心灵去感悟，用自己的观点去判断，用自己的思维去创新，用自己的语言去表达”，强调学生的终身学习。
（四）构建开放的地理课堂
地理新课程标准指出：“构建开放式地理课程，地理课程要充分重视校外课程资源的开发利用，形成学校与社会、家庭密切联系，教育资源共享的开放性课程，从而拓宽学习空间,满足多样化的学习需求。”开放式地理课堂的构建，给学生提供了更大的学习空间，也从根本上改变了师生关系。
二、非指导性教学模式在地理教学中的具体应用
下面以“城市化过程中的问题及其解决途径”这一节内容的教学为例来说明“非指导性”教学模式在地理教学中的应用，这一教学模式的实施可分为以下五个阶段：
（一）确定辅助情境
地理教师可以鼓励学生开动脑筋思考日常生活中容易出现的一系列的困扰人们生活的问题（比如环境污染、交通拥挤、社会秩序混乱、住房困难等等），然后根据之前学过的有关城市化的知识对所提出的问题进行归纳，看哪些问题是城市化过程中出现的问题？这一阶段一般在师生交谈中进行，地理教师鼓励学生自由表达自己的思想、情绪。同时，地理教师要事先组织好若干有关城市环境问题的话语，以限定学生表达情感的范围，明确交谈中对共同关注的问题取得一致意见的目标。
（二）探索问题
在此阶段，教师要在鼓励学生表达消极和积极的情感的基础上，澄清和明辨学生的情感。究竟在第一阶段提出的问题是否属于城市化过程中出现的问题呢，在这一阶段就要让学生对此问题进行进一步地辨析。
（三）发展学生洞察力
日常生活中，由城市化进程中出现的环境问题所带来的麻烦也不少，学生在实际生活中可能意识到一些。在这一阶段，让学生发表自己对城市化进程中的环境问题的看法，教师启发学生从多角度观察、分析问题，使学生观察、分析问题的能力有所发展。
（四）规划和决策
学生充分发挥自己的想象力对有关问题做作出计划和决策。针对城市化过程中出现的一系列诸如环境质量下降、交通拥挤、居住条件差、增加就业困难、失业人数增多等的问题，引导学生具体分析，做出保护和改善城市环境的规划和策略。教师在此阶段要引导学生做出与自己的期望相一致的决策，并引导学生开始积极的行动。
（五）整合
即学生汇报他采取的行动，进一步获得分析和解决问题的能力，并且规划日益完善的积极的行动。
上述五个阶段相互衔接，构成了非指导性教学模式的全程。这五个阶段可能发生在一次交谈或一系列的交谈之中。在整个过程中，学生有充分自由从事自己喜好的活动，有各自的学习目的'；教师的任务在于建立一个积极、接纳、无威胁的学习环境，促进学生的自我指导。教师是学生情感的反应者，学习活动的咨询者和合作者，教学活动不被教师计划安排地进行。 三、在非指导性教学过程中应注意的问题
（一）强调主体地位的凸显
在师生关系的处理上，教学过程应真正体现出学生的主体地位，教师是学生学习的促进者，是“助产士”和“催化剂”。在非指导性教学活动中，教师是学生情感发展的促进者，是受学生信赖、同学生之间不存在任何防御的顾问。非指导的含义是尽可能少地用直接告诉、简单命令、详细指示等形式，更多的运用间接的、不命令的、启发性的等形式。这就对教师提出了更高的要求，在备课时教师要尽可能全面地预设出学生可能出现的问题和解答方式，随时解答学生的问题，这在一定程度上又促进了教师的发展。
（二）重视学生能力的培养
研究性学习课程没有固定的教材，没有教学大纲，课程内容由学生和教师设定。评价注重过程，不但是为了评定绩效，也是为了做出决定，所以评价是回溯的，也是前瞻的。研究性学习是通过学生自主学习开发其创造潜能的学习活动，研究性学习活动突破了中学教育课程体系以学科课程独立性、学术性为主的课程模式，根据学生及社会发展需要，以培养学生创新精神、实践能力为目标。能充分发挥学生学习的主动性和创造性，在特定的过程中培养学生的创新意识、创新精神、创造才能。
（三）注重地理教材的运用
地理学科作为一门兼跨“人文与社会”和“科学”两大领域的学科，有其自身的学科特点，这就要求地理教师在应用非指导性教学模式进行地理教学时注意因材施教，有的放矢。并不是每个章节每节课都能适用，这就要教师仔细斟酌、推敲、研究教材，同时不断提高自身的素养，才能将非指导性教学方式用得恰到好处。
（四）重视研讨情境的创设
为学生创造良好的学习氛围，使学生在教学情境中感到自信、轻松和安全，这是实现以学习者为中心的前提。在研究性学习中，教师要鼓励和动员学生走出地理课堂，走向社会，深入社会实践，开展社会调查，为学生创设良好的学习环境，让他们在真实的任务情境中进行自主的、创新的学习活动。教师要为学生提供一定的创新素材，让学生通过设计方案、查找资料、动手实践等方式，体验知识产生发展的过程，增强对社会的了解，培养对社会的责任心和使命感。
参考文献：
[1]张熙.罗杰斯的“非指导性”教学模式和主导主体思想[J].教育研究，，（2）.
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篇18：声乐教学中读谱的重要性研究论文
摘要：读谱在声乐教学中是大家最容易忽视的内容，更是声乐教学中的基础环节。因此，培养与提升学生读谱的能力成为声乐教学的基础部分，因为读谱的准确性直接影响声乐演唱者对作品演绎的准确性。对于声乐演唱者而言，不能忽视读谱中对于节奏、力度、以及速度等各方面的准确把握。由于学生读谱能力直接影响声乐作品表现中的其他方面，所以准确的读谱对于声乐演唱者来说具有一定的重要意义。
关键词：声乐教学；读谱；重要性
引言：
读谱是实施教学的基础环节，只有掌握了正确的读谱，才能正确掌握乐谱的节奏感。读谱在声乐学习中并非一件困难的事情，针对声乐演唱者来说，读谱需要掌握相应的方法。读谱的准确度直接影响其声乐的最终演唱表现，而为了体现读谱的重要影响性，务必要结合教学实际情况，并将其加强记忆式的训练，以便能够和唱谱进行有效结合，进而真正实现声乐的教学目的，同时也提高了学生音乐的基础素养。
1读谱在声乐教学中容易忽视的几点
1．1节奏的把握：
对于声乐演唱者来说，读谱最重要的是把握其节奏性。音符是音乐的灵魂，那么、节奏就是是音乐的骨架，没有骨架音乐便失去了存在的意义，这两者在音乐中缺一不可。由于节奏是声乐教学中教师经常强调的一部分，也是学生容易忽视的一个问题，在声乐的学习过程中，节奏的把握程度直接影响着作品的原本面貌，而这一点正是读谱基础技能在教学中极易忽视点之一。要想在教学中使学生充分、准确的把握节奏，就要先正确认知音乐中节奏的概念及不同变化等，如：切分节奏、附点节奏等等，进而间接强化读谱能力。在读谱过程中，需要手打拍子，口读节奏，速度放慢，分句练习，由易到难，由慢到快，将比较难的乐句分多次练习，待熟练后可恢复乐曲原速。最后可带节奏读歌词，这样可增加节奏练习的灵活性。
1．2力度的变化：
力度的.变化是读谱在声乐教学中容易忽视的问题之一，力度在乐谱中有相应的力度标记。力度的强弱对比就是音乐情绪的变化体现，为了使演唱者准确的扑捉作品思想及意境的体现，作品谱面都有力度提示。可是，在声乐的教学中发现，很多学生对作品只是做到了熟练，而对表达的内容没有思考，音乐的情绪表达欠缺准确性。在音乐中力度的强弱变化会影响整个乐谱的情绪变化。力度的变化不仅体现在乐谱的情感表达上，还体现了作品所塑造的音乐形象。借助旋律的变化实现了力度上的变化，因此，强弱记号的情绪变化成为力度变化的指示符，根据作品中的力度表情记号来表达作品思想和音乐形象。
1．3速度的准确：
音乐中的速度标记在谱面中也占有一定的重要性。音乐中速度的准确性是声乐作品得以完善的关键，否则会间接影响作品的思想表达。然而在实际教学中，大部分学生忽略了速度的标记，快曲慢唱，慢曲快唱，结果违背了音乐作品表达思想和作者的创作意图。因此教师在教学过程中对学生多提醒，读谱一定要有先后顺序，首先对作品拍号、速度、风格，创作背景等的了解，其次是音准、节奏、力度、情绪的把握。再次就是歌词思想表达意境的挖掘，通过谱面上提示的基本信息演唱者对作品思想意境的表达大概有所把握。乐谱中的每一个标记对作品都是有一定的意义。所以在读谱过程时，不能忽视速度的准确性。
篇19：声乐教学中读谱的重要性研究论文
2．1读谱是准确唱谱的前提：
由于乐谱是古今作曲家实施音乐创作的重要产物，因而读谱在演唱、教学等诸多方面有着基础性的作用。然而，在声乐演唱中，读谱的准确性足以影响对作曲家创作意境的理解程度。因此，声乐教师应该从基础的读谱开始落实教学，特别是对于初学者的学生，在学生读谱过程中教师可做读谱方法的引导，以便让学生养成良好的读谱习惯，为以后的唱谱奠定一定的基础。例如：当拿到一首作品时，先要要看清乐谱的调号和拍号，在打拍子时要养成数拍的好习惯，很多学生出现了数不清拍子，多拍、少拍、错拍的现象等。出现这种原因，主要是因为学生对读谱重视程度不够，急于求成，或学习方法不当造成的。如果可以准确读谱，便可进行唱谱，这样可避免出错现象。也间接体现了读谱是声乐演唱中准确唱谱的重要前提。
2．2加强了记忆的训练：
读谱在整个声乐教学中贯穿各个环节，无论是唱谱还是对作品完整的演绎，应掌握读谱的基础训练，而读谱的训练过程中也加强了大脑的记忆力。因此，从记忆训练的角度看读谱，其读谱能够有效加深了学生对谱面上的形象记忆，加强记忆方面的训练。在读谱记忆训练方面，教师可运用看、读、唱的基础训练，做到准确无误。由于读谱在声乐中体现出了其有的音乐基础性，在读谱训练过程中也增加了记忆的训练。多次训练后增加大脑对音乐的节奏型及旋律产生了无形的记忆。便于在实际的教学训练中，将读谱与记忆训练通过演唱的方式逐步加深记忆。使学生在练习中锻炼自身对谱面的记忆力，进而表现声乐演唱的准确性，促进学生更加准确的掌握。
2．3与唱谱的有机结合：
唱谱在声乐教学中是读谱得以延续的重要体现形式，若学生能够掌握读谱的方法，就会很快将读谱转化成唱谱。由于唱谱的初期要求音高的准确，最初可小声跟钢琴练唱。在听和唱同时进行的过程中，能准确掌握歌曲的节奏感和旋律线条。运用饱满的歌唱使读谱与唱谱相结合，从而使学生充分感受读谱到唱谱的自然衔接过程。另外，在教学过程中要根据学生对乐谱掌握的程度，适当的与唱谱结合以便更准确的进行歌曲演唱，从而提高对作品学习的准确性，避免很多节奏和音准上的错误。所以，将读谱与唱谱相结合是不容忽视的重要环节，进而最大化提高了作品表达的准确。在落实具体的声乐演唱教学中，必须着重强调其“认、读、听、唱”等环节的基础训练，以便将声乐学习的读谱落更有价值、更有效率。
3结束语
经过分析读谱在声乐教学中的重要性，读谱需从基础的训练开始，在声乐的具体教学中，乐谱才是真正的老师，只要掌握了谱面上的节奏、力度、速度的变化及各种表情术语，就能将其内涵与表达的情绪得以体现，因此，读谱是声乐学习者必须掌握的重要基础环节。随着在学习的过程中作品的难易程度不断的提升，更要求具有较高准确的读谱方法和良好的读谱习惯。读谱是实现歌唱的基础，它需要和唱谱进行有机结合，进而在教学中充分体现读谱的重要性。
参考文献
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【钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文】相关文章：
2.小学声乐教学论文
4.声乐论文
10.高校声乐教学的论文
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