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[美术论文]美术高考的心理准备

2023-08-24 08:25:48 收藏本文下载本文

“独醉”通过精心收集，向本站投稿了10篇[美术论文]美术高考的心理准备，下面是小编收集整理后的[美术论文]美术高考的心理准备，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。

[美术论文]美术高考的心理准备

篇1：[美术论文]美术高考的心理准备

[美术论文]美术高考的心理准备

从现在开始距一年一度的高考已为期不远了，相信有许多有志于美术的青年已经在为参加高考做最后的准备工作。从以往的经验来看，在这短短的三四个月中，相同的起点由于准备的方法不同其最后的结果则是完全不同。有人把这归咎于“才气”，“运气”，或其它外在的因素，而实质上，考场上发挥的好坏主要体现在平时的基础性训练是否科学有效，对基本概念的理解是否正确，是否掌握了基本原理并灵活地运用，是否达到了高考的基本要求。因此可以说，对高考的准备首先是知识的准备，知识的准备是一切其它准备的基础。

??一、知识的准备

??高考首先要考察的是对知识的理解。以素描考评为例，无论是考人像还是考石膏像，对形的基本要求是比例的正确，透视的正确，基本结构的正确，形象特征的正确。在高考辅导中，一个普遍而有害的提法，是画“感觉”，一种不强调知识理解的所谓“感觉”。轻视理解和分析，是造成训练效果不佳的主要原因。不强调知识理解的所谓“感觉”，其最大的危害性在于使学生以为画好一张画完全是凭运气，以至于有时画出一张好画也不知好在哪里，画失败了也不知道问题出在什么地方。由于知识的贫乏而导致绘画水平停滞不前，甚至于“一年不如一年”。知识准备的主要意义在于，它可以使作者明确作这幅画的主要目的是解决那些问题，其中难点是那些，这些难点或要点中的内在联系是什么，以什么方式或手段解决这些问题。笔者在多年的高校教学和高考辅导中发现，许多学生对画面中所出现的问题呈“外行”状。只感觉到不好看，而不知道怎么办。感觉到有很多问题却不知从何处下手。一般来说，画面整体效果不好应该是从最基本的主要问题入手。要把诸多问题分解为那些是主要问题，那些是次要问题；先解决那些问题后解决那些问题。对诸多问题的内在联系及逻辑关系的把握，决定于作者对知识理解的程度。对问题解决的程度，取决于对基本原理的运用和掌握的程度。忽视对知识的准备，将会使作者在问题的面前寸步难行。

??二、技术的准备

??技术，从本质上讲是运用知识的一种表现。没有以一变应万变的技术，却万变不离其宗。其宗，在于对基本上原理的理解和运用。技术的训练和准备在指导上主要表现为能够熟练稳定地表现出对知识的理解和应用，能够熟练有效地控制大局，将复杂的问题有序地一个一个地解决，完整地表现出画面的整体感。以素描为例，单就技法而言，局部的表现并不困难，但整体并不是简单的局部叠加，而是通过各个局部的调整和控制达到和谐统一。而在实际操作上，一幅画又必须是一笔一笔画出来的，这就涉及到一个十分重要的.问题，什么是整体？整体如何表现？什么样的技法才是整体的技法？为什么这样做是整体而那样做就不是整体？整体又不是一个简单的问题，它涉及到许多基本的问题，例如：构图，比例、结构、明暗、强弱、透视、疏密、穿插、对比、节奏、质感、量感、空间感、形式感等等，由此才构成了整体感和整体效果。从技术上，只有解决了诸如构图、比例、结构、明暗、强弱、透视、疏密、穿插、对比、节奏、质感、量感、空间感、形式感等问题，才解决了整体感和整体的问题。对于如此复杂的问题，如果是经过两至三年系统科学地训练是完全可以达到高考要求的。在高考前的三四个月内主要是有针对性地解决还存在的主要问题，或者是把复杂性的问题通过几个阶段性训练使之达到统一。笔者以为，上述问题可以归纳为几个原则性的问题：基础性问题（构图、比例、结构、明暗、透视），表现手段（强弱、疏密、穿插、对比）；造型表现（节奏、质感、量感、空间感、形式感）。从训练的手段来看，也可抓住以上三个方面有层次地逐步进行训练。在训练中要特别强调每个单元，每张作业，要有极明确的目的性，前后的训练要有关联性。每张作业既是对前期训练的总结和复习，又是为后期的训练作准备和打基础。在训练中课程的设置和安排显得尤为重要。

??三、心理的准备

??俗话说：“艺高人胆大”。如果在知识上和技术上都有充分的准备则心理上就应该是无所畏惧。这里需要注意的是，知识上和技术上的准备应该是全方位的而不是片面的和孤立的。以素描为例，有些同学只擅长画正面的侧光像，遇到其它角度或光线就不知所措，这就是不全面的表现。所谓全面是指无论遇到什么情况都有解决问题的办法和手段。这就要求在训练中不仅要完成老师所布置的课题，还要训练自己具有分析问题解决问题的能力。教师在指导上更应该侧重于对学生能力的培养上，在指导学生掌握几种有效方法的同时，提高学生认识问题解决问题的能力。

??心理准备除了知识上和技术上的准备以外，还有一个实际的问题，这就是对自己如何定位。根据自己的实际情况来决定报考哪个学校或哪个专业更适合自己，切不可盲目跟风，不切实际地报考自身能力完全不及的学校或专业，以至造成精力、财力、情感的浪费。在报考的过程中既要有面对失败的勇气，更要避免无谓的失败，有效地利用你的精力、财力、情感的资源。在考场上最忌讳的是临时采用自己不熟悉的技法解决问题，使自己乱了方寸，造成不必要的失误，影响情绪。

篇2：美术高考的心理准备

??一、知识的准备

??高考首先要考察的是对知识的理解。以素描考评为例，无论是考人像还是考石膏像，对形的基本要求是比例的正确，透视的正确，基本结构的正确，形象特征的正确。在高考辅导中，一个普遍而有害的提法，是画“感觉”，一种不强调知识理解的所谓“感觉”。轻视理解和分析，是造成训练效果不佳的主要原因。不强调知识理解的所谓“感觉”，其最大的危害性在于使学生以为画好一张画完全是凭运气，以至于有时画出一张好画也不知好在哪里，画失败了也不知道问题出在什么地方。由于知识的贫乏而导致绘画水平停滞不前，甚至于“一年不如一年”。知识准备的主要意义在于，它可以使作者明确作这幅画的主要目的是解决那些问题，其中难点是那些，这些难点或要点中的`内在联系是什么，以什么方式或手段解决这些问题。笔者在多年的高校教学和高考辅导中发现，许多学生对画面中所出现的问题呈“外行”状。只感觉到不好看，而不知道怎么办。感觉到有很多问题却不知从何处下手。一般来说，画面整体效果不好应该是从最基本的主要问题入手。要把诸多问题分解为那些是主要问题，那些是次要问题；先解决那些问题后解决那些问题。对诸多问题的内在联系及逻辑关系的把握，决定于作者对知识理解的程度。对问题解决的程度，取决于对基本原理的运用和掌握的程度。忽视对知识的准备，将会使作者在问题的面前寸步难行。

??二、技术的准备

??技术，从本质上讲是运用知识的一种表现。没有以一变应万变的技术，却万变不离其宗。其宗，在于对基本上原理的理解和运用。技术的训练和准备在指导上主要表现为能够熟练稳定地表现出对知识的理解和应用，能够熟练有效地控制大局，将复杂的问题有序地一个一个地解决，完整地表现出画面的整体感。以素描为例，单就技法而言，局部的表现并不困难，但整体并不是简单的局部叠加，而是通过各个局部的调整和控制达到和谐统一。而在实际操作上，一幅画又必须是一笔一笔画出来的，这就涉及到一个十分重要的问题，什么是整体？整体如何表现？什么样的技法才是整体的技法？为什么这样做是整体而那样做就不是整体？整体又不是一个简单的问题，它涉及到许多基本的问题，例如：构图，比例、结构、明暗、强弱、透视、疏密、穿插、对比、节奏、质感、量感、空间感、形式感等等，由此才构成了整体感和整体效果。从技术上，只有解决了诸如构图、比例、结构、明暗、强弱、透视、疏密、穿插、对比、节奏、质感、量感、空间感、形式感等问题，才解决了整体感和整体的问题。对于如此复杂的问题，如果是经过两至三年系统科学地训练是完全可以达到高考要求的。在高考前的三四个月内主要是有针对性地解决还存在的主要问题，或者是把复杂性的问题通过几个阶段性训练使之达到统一。笔者以为，上述问题可以归纳为几个原则性的问题：基础性问题（构图、比例、结构、明暗、透视），表现手段（强弱、疏密、穿插、对比）；造型表现（节奏、质感、量感、空间感、形式感）。从训练的手段来看，也可抓住以上三个方面有层次地逐步进行训练。在训练中要特别强调每个单元，每张作业，要有极明确的目的性，前后的训练要有关联性。每张作业既是对前期训练的总结和复习，又是为后期的训练作准备和打基础。在训练中课程的设置和安排显得尤为重要。

篇3：美术高考的心理准备

篇4：[高中美术论文]美术高考色彩谈

[高中美术论文]美术高考色彩谈

色彩，是美术院校入学考试的重要科目之一。色彩考试主要是考察学生对色彩的认识、理解和运用能力以及表现色彩的能力。

色彩考试内容多为我们常见的陶瓷品、玻璃器皿、金属器具、瓜果蔬菜以及鲜花和各式衬布等。近几年考试的形式基本是在静物写生与默写中交替进行。写生比较容易，可直接观察静物，找出它们之间的主次关系、素描关系、色彩关系、冷暖关系、虚实关系等。而默写就难多了，它完全脱离了具体的物象，要求考生根据平时写生的经验，将所要考的内容组织好。在考试中，首先得考虑构图完整，饱满。其次，要考虑物体的形体比例是否准确，把握层面的层次关系和疏密关系。如果规定了色调，还要注意画面的定调问题，当在，也不能一味地强调色调而忽略了物体自身的固有色、光源色和环境色以及它们的相互关系，当然，色彩的整体性也是需要注意的。

画面的构图和色调确定之后，要考虑如何进行塑造的问题。用色彩塑造形体往往会出现只有色彩关系而忽视素描关系，或只有素描关系而忽视色彩关系的现象。因为没有具体物体作参照，很容易把握不好，容易概念化。这就要求考生在作画时，须一边考虑色彩关系一边把握素描关系，根据以往的作画经验和对物体形体结构的把握和理解，抓住大的明暗关系。无论是写生还是默写，在作画过程中，还须注意物体所具有的个性因素，如色相、纯度、明度、冷暖等，把物体画得丰富而有变化。将自己对物体的感受表现出来，不要单纯去追求客观色彩的真实和相似，这样很容易被局限在固有色里，色彩也难免单调。

深入塑造具体物体时，力求用笔、用色准确，色彩层次要衔接自然，质感的表现也要充分。高光是表现物体质感的重要因素，不能过于简单和随便，以免破坏结构。衬布在画面中主要起陪衬和调剂色彩的作用，表现时可根据画面的需要进行处理，有的地方可表现得充分一些，有的地方只需一笔带过，画面中次要的'物体简单的交待出形和色就可以了，切不可面面俱到，到处都刻画得很仔细，造成主次不分、呆板、没有层次和空间感的现象，也容易破坏画面的整体效果。

在画面基本完成的时候，要注意从色彩、素描、冷暖、空间等几个方面去检查。如果画面色彩单调了，可能是色彩关系设处理好；如果画面太灰了，可能是素描关系没处理好；如果画面太火了，可能是色彩的冷暖关系没处理好；如果画面太平了，可能是虚实与空间关系没处理好。所说的这些“如果”和“可能”，都是考生在平时的训练中最容易出现和易被忽视的问题，假如这些问题解决好了，色彩考试也就有希望过关了。

篇5：美术高考教育的论文

关于美术高考教育的论文

一、报考美术专业圆大学梦其实并不容易

近些年，中国各大高校都相继开设了与美术相关的专业，尤其是设计类专业，可谓是种类繁多、五花八门。近些年艺考人数一直居高不下，就河南而言，每年大约就有六万名美术高考生，许多考生和家长都认为报考美术专业是考取大学的一条捷径。在这庞大的美术考生队伍中，有的是自愿走进美术高考培训班，有的是家长为了子女能上大学强迫孩子拿起画笔。

报考美术专业借此圆自己的大学梦，往往都是因为文化课成绩较差，考大学无望才被迫半路出家学起了美术，很多考生通常是在考前几个月才走进画室，并不是真正喜欢美术，美术专业在某种程度上成为一部分低素质学生获得文凭的“终南捷径”似乎已成为一个严重的事实，这或多或少是对美术高考热的一种讽刺，也不能不说是中国美术教育的悲哀。

为照顾专业特点，美术类考生文化课分数线定的偏低，一般是300分左右，远远低于普通类高考分数线，这也是众多家长和考生之所以把目光盯上美术高考的重要原因。

我国现行的美术高考制度是把美术专业招生工作分为两个阶段进行。首先是专业考试达标，其次是文化课考试进入规定的录取分数线，两个阶段都能通过才能有望成为一名美术专业的大学生。然而根据每年公布的数据显示，近三年各省参加美术科统考的人数不断增加。中国美院网站公布的数据显示：该校报名人数高达10万人，最后只录取了1600人。竞争最激烈的专业录取比例达到了100：1。由此可见，美术高考其实并不容易，还有一部分考生最后文化课没有通过，可谓前功尽弃。与美术高考相对照，很多省份普通高考的录取率达到70%以上，甚至更高。如此来看，当今美术高考倒实实在在地变成了独木桥。

二、教学模式程式化，考试内容的固化与单一，不利于培养高素质的艺术人才

七八十年代的美术考生数量很少，一般都是凭借自己的兴趣和爱好学习绘画报考美术院校，实现自己的艺术梦想。现在学美术的学生因为兴趣和爱好的少之又少，学生大都是因为文化课差而选择报考美术专业，这样的学生基础普遍较差，学习上不够主动。很多美术考生从接受专业美术培训到美术高考的时间半年都不到，甚至有些学生参加两三个月的强化训练就参加高考。一些高考培训班在经济利益的驱动下，不负责任地大肆鼓吹：两个月包过本科线，四个月包过重点线。使得许多家长和考生听后怦然心动。很多培训机构投机取巧，想方设法猜测考试内容，研究各校往年考试特点，迎合教师喜好、阅卷要求，违背美术教学的基本原则和规律，给学生传授专门应试的针对性套路，让学生机械地背诵与临摹，导致教学模式的程式化。美术本是充满创造性的学科，需要心灵的感悟，试问：这种模式的牢笼、功利的锁链、审美的桎梏，怎能为国家培养高素质的艺术人才？

多年以来，美术高考专业加试基本上形成一个定势：素描、色彩、速写。考试内容大致围绕如下几种：素描考试以人物头像写生或默写，石膏头像写生或根据人像照片写生；色彩考试以警务色彩写生，人物色彩写生或根据黑白静物照片转换为色彩写生画面为主；速写考试内容一般为人物动态速写、人物动态默写、人物动态速写组合，或根据提供的人物照片进行速写。在这种情况下，培训教师就指导学生用记忆的方式去画，即将一幅画背下来以应付考试。如此机械、教条的专业考试程序及教学大大磨损了考生的艺术创造能力，学生在大量充斥于市场的美术高考的辅导书籍中临摹复制，没有了独特的想法，即便通过了考试也很难成为合格的艺术家，这种程式化的考试内容与模式化的美术教学，不利于优秀人才的选拔。

三、疯狂扩招造成生源质量下降与就业困难

美术高考热导致艺术类招生规模越来越大，学校、辅导老师、美术材料商家及商店都获取了很大的经济利益。那些被名利冲昏头脑的各种高等学校纷纷开设与美术相关的专业学科，自然而然就有更多的艺术类学生可以上大学。但上了大学就真的能接受良好的艺术教育吗？许多高校根本不顾及学校是否具有相关师资、教学设备与经验等条件，较为盲目地开设了大量美术相关专业，再加上许多考生是通过短时间的专业冲刺训练进入艺术院校。这类学生文化素养普遍薄弱，对专业理论知识认知模糊，缺乏创新意识，这些问题严重阻碍艺术教育良性健康的发展，在思维和观念上与现代艺术教育理论背道而驰，是造成生源素质急剧滑坡的重要因素。高校大规模扩招导致生源质量的下降，生源质量制约学校的教学质量，从而影响毕业生的质量，最终影响就业率。

从社会角度看，社会对美术人才的.需求超出社会的实际需要，由从前的稀缺人才变成大众化人才。这不得不说，高校美术专业蓬勃发展的背后，具有严重的负面影响，导致真正美术人才的缺失和平庸美术人才的过剩。

伴随近期出现的全球经济危机，巨大的就业压力已成为现实，对于就业压力日益严峻的中国人才市场，再加上作为一个特殊的群体，大学生就业困难的现状已在所难免。根据对美术毕业生市场调查统计，本科美术毕业生的月薪平均水平在1500-3000，这与他们大学以前和大学四年里为了学习专业付出的大量时间和钱财几乎不能平衡。社会有限的岗位迫使一部分美术生选择了转行，剩下的很多人也只能在夹缝中求生存，有些毕业之后直接不找工作，办个画室培训班，招来学生考上大学，等毕业之后他们一部分又来办画室，如此循环意义何在？希望学校和社会都能从对社会负责任的角度，正确看本文由论文联盟www.LWlM.COm收集整理待和引导美术高考热潮现象，同时奉劝家长和考生认清美术高考现状，克服盲目性，不跟风，从自身实际情况出发，在报考美术专业之前，请问问自己是否真的喜欢或有这方面的兴趣爱好，以减少不必要的损失。

四、结语

在物质文明发展的今天，精神文明绝不能滞后。当前的美术教育不得不说出现了一些问题，我们必须冷静反思，盲目扩招导致生源质量下降，高昂的学费造成家庭经济负担和学生心理失衡，就业压力加大导致美术专业前景黯淡。从这几方面我们不难看出，美术专业教育不适合“遍地开花”。任何事物都不能走向极端化，我们应尊重事物的发展规律，尊重教育，尊重市场，克服盲目性，为社会培养真正高素质的艺术人才。

篇6：高中美术生考什么内容美术高考怎么考

高中美术生高考怎么考：

1、专业考试：美术高考包括专业考试和文化课考试。只有专业考试和文化课考试均通过一定的分数线，才能被有关高校录取。专业考试的公共科目为素描、速写、色彩，如报考设计类专业，有的地方会增加“构成”。

1）美术联考：美术联考（又称美术统考）是以省、市为单位组织的美术专业统一考试，美术联考成绩省内的`二本院校以及所有地区的三本，专科以及极少部分二本院校承认。联考成绩对考生来说很重要，考生通过省联考之后才可以继续报考其他学校在本省组织的单招考试。（单招考试及学校自己在个别省内设立考点进行专业考试。）因而美术联考很重要，他相当于一个通行证。

联考时间：联考时间根据省份不同时间也有所不同，但是各省基本在12月份之后进行。

2）美术校考：美术校考一般是针对艺体生而言的，是指高考生在参加正式高考考试之前，所参加的由各具有招艺体生资格的院校所组织的专业水平考试所取得的成绩，成绩合格后，学校会为考生颁发专业合格证书。一般来说，只有取得该院校合格证书的同学才有报考该院校对应专业的资格，院校会在所报考考生中择优录取。按照规定，独立设置本科艺术院校可跨省设点组织校考；

其余本科院校原则上只在本校所在地设点组织校考，如有特殊要求确需跨省设点组织校考的，须经拟设考点所在地省级招办同意并报本校主管部门备案。

民办高校、独立学院及高职(专科)院校只能在本校所在地组织省级统考未涉及到的专业校考;

招生学校下设的二级学院(系)不得自行设点组织校考。

2、文化课考试：专业考试完成后，考生返回学校继续文化课学习，并参加6月份的统一高考，取得文化成绩，最后按当年划定的分数线从高到低录取。文化课考试与普通高考一样，分文理科。

篇7：美术论文参考

浅析壁画中的迹与象【1】

一、何谓“迹”，何谓“象”

简单地说，“迹”是指艺术家手工或者半手工机械的操作痕迹，即以工具作用于材料留下的痕迹;“象”指艺术作品的色彩和形象。

创作，就是艺术家逻辑留痕的过程，正如钟儒乾所说：“落笔成迹，因迹生象，通过迹象而有所表达，这不是绘画活动的一个简单事实吗?”

从迹象论出发，把绘画的基本元素归结为迹象，当迹与象被分开使用时，说某画的“迹”如何，就是指画中某“象”的质地，它包含大家所熟悉的笔墨、肌理、笔触、质感、色彩之类，当然也包括绘画材料(如纸或布)在内的迹理因素;说某画的“象”如何，就是指画面的间架结构和画中表现对象的形式与态势，它包含我们常说的轮廓、形象、造型、构成等等，连同绘画材料的边沿和角线在内。

下面，我们就用迹象论来浅析一下壁画中的“迹”与“象”，迹化的过程、迹化的结果需要我们深究。

二、关于“迹”与“象”在壁画中的表现

人类最古老、最早的绘画是壁画。

人类最早的壁画是手绘的壁画。

那么何谓壁画?

如从字义上来看，是“各类壁画的装饰泛称”，可理解为墙壁上的画。

传统的绘制壁画，专指画家们运用画具和各种媒介调配色彩在墙上绘画，即造“迹”到形成一个完整的“象”。

传统壁画概念显然不能完全概括现代壁画的含义，而且这样也是不够科学严谨的。

现代壁画在传统表现方式上扩展为两种形式：一是与环境紧密相结合，在建筑功能和空间环境的意义上进行延展;二是材料和手法的多样性产生的丰富的变化，例如镶嵌壁画，也许“马赛克”这词对于大家更为熟悉和形象一些。

壁画是人类追求美的理想，通过“迹”来表现“象”的独特艺术。

它的题材相对于其他绘画形式较为广泛，可以是具体写实的，亦可以是抽象或意向的;可以是象征的，亦可以是浪漫的。

其丰富的内容与表现手法形成有机的和谐统一并与建筑物相结合，给人的感受是不可替代的。

(一)识“迹”知“象”

在绘画中，迹呈现出什么样的象?象带着什么样的迹?象内的填充会呈现出五花八门的迹理,慢慢发展，轮廓瓦解，象迹混同。

在壁画中，这一点也是至关重要的。

壁画艺术作为建筑整体的重要构成因素，并非适用于任何建筑。

若有建筑强用附上壁画就可能引起反向作用，甚至破坏建筑的功能性，也破坏了壁画的装饰性。

壁画对于建筑的功能上的完善是不可或缺的因素。

那么，用怎样的“迹”来表现“象”，以给人在心理上形成特定功能的印象呢?例如，医院作为医疗单位有着特定功能的需要，因为，其重点空间中的壁画在内容和形式上应是轻松愉悦的;反之，儿童乐园则要体现活跃、欢快的视觉效果。

倘若我们将两个不同功能中的壁画相互交换位置，那么将完全违背建筑存在的特定功能：在医院中等待看病的人在视觉和心理上受到了不应有的刺激，而儿童乐园中的壁画单纯宁静的气氛也与活跃的空间气氛相悖。

在国内外，既有很多成功优秀的壁画作品，也有不少不理想甚至失败的壁画作品，归结起来主要原因是壁画与建筑形式的关系失衡，即没有很清楚地认识到象的迹因素，没找到合适的迹来填充“象”;壁画画面相互对比过强，过分强调自身，没有把握住迹的象元素，忽略了迹的组合性和统一性，破坏了“象”。

例如，对于两类不同的材质有其不同的特性，尤其是要理解在室内室外空间环境中不同材质的性质。

追溯到壁画的源流，由原始时代的壁画，到古埃及壁画，到中国古代的壁画，到希腊罗马的壁画，到欧洲中世纪的壁画，到文艺复兴的壁画，到欧洲现代绘画中的壁画，到中国当代壁画中的丙烯画，再到现代壁画。

不同时期的“迹”，有不同“象”。

迹象相互关联，相互依存，也就形成了不同时期的壁画特征。

而在现代壁画中，艺术家借助各种特性的材料为媒介，回避传统壁画单纯的描绘手法，即选取特别的“迹”，来表现现代人的理想、情感、审美意识和观念意识的创作形式。

在现代社会中，对于审美价值的表达已从对客观世界的表现转向表现当代人在社会中的内心世界，象征、隐喻、联想、意象化的表现意识成为材料追求的新理念。

(二)“心”的迹象表达

此处的“心”是指壁画的创作观念与意识，它不同于其他的绘画，对其迹象的表达，我们应该着重探究，关注相关的问题。

1、对于传统

这个问题对于有作为的艺术家来说是不可回避的。

中国传统壁画艺术的丰厚，对于我们既是得天独厚的，又是精神上不可或缺的。

对于传统的态度要在现实的创作中作出取舍，仍是一个难题。

如果我们在继承传统上只用传统优秀的文化精髓，如秦汉的雄浑、隋唐的大度、宋的严谨、元的豪放、明的典雅、清代的细致来直接演绎今天的生活，无疑是文不对题。

今天我们面对观念的冲击，继承传统不是简单地去寻找一种模式，而是以参照的观念来认识传统，发扬传统，真正的融合传统，继承传统。

2、对于借鉴

西方的现代壁画艺术的形式和种类繁多，这主要因为社会物质文明的高度发达。

很多壁画带有强烈的个人发泄的情绪，对人的心理、精神产生负面的影响。

借鉴西方应建立在分析的基础上，分析是首要的，这样才能以更好的迹象来表达那“X”(在钟儒乾的迹象论理论中，迹+象+X= 画，其中X，就是观念、境界、情感、美，以及一切你想或者让别人以为你想表达的内涵。)

3、对于观念

所谓的观念就是人的思想意识，是人对客观事物概括后在脑中形成的概念。

壁画在当今社会和艺术观念的变化中与以前相比有着质的差异。

传统上单纯追求审美价值的壁画，在今天已经向艺术价值的多样化延展。

从形态上，艺术与传统的具象形态有着显著的差异，有了意象和抽象形态，与建筑空间的结合不仅是以一个二维的画面出现，也许是地面，也许是天花壁画。

迹的风格形式在不断的创新。

(三)其象之“迹”，变化万千

壁画的形式语言具有多样性，多样而强烈的视觉语言使得壁画艺术独具感人的艺术魅力。

这种特殊的艺术魅力通过整体环境包围着人们，感染着人们，这便是壁画独特的象之“迹”。

通过对壁画的“象”的归纳，可分为三类不同的“迹”表现:

1、具“象”类

具象不能简单地规范为写实，因为写实指的是对客观忠实再现的一种概念，而具象则超越了单纯的再现客观形象，是在表现现实形象中侧重于借用形象，追求一定形式法则与样式的一种作“迹”方式，属于现实具象主义。

在壁画艺术创作中，今天的壁画艺术所运用的具象手法，目的是追求一定特殊形式的语言，这一类的形式样式，使人们在感受具体样式的同时，传达了客观存在的形态，然而表现客观形态并不是主要目的，只是视觉语言样式的媒介。

2、意“象”类

意象给我们的感受是变形以及表现的概括和条理性。

意象不是表象，而是加入艺术家的主观意识，无疑在意象形态的表现与传达中最能够体现出艺术家情感与审美状态的追求。

同时，也较容易产生视觉语言与样式，即“迹”的独特使用。

这种迹象的呈现还体现了客观的联系性，使人们感到亲切而新奇，具有吸引力和感染力。

3、抽“象”类

所谓的抽象也是一种视觉形式，即“抽”掉形象的具体形态及其特定内容并以此对人的视觉与心理产生作用，这种迹象仅仅满足人们的视觉与心理。

但现实中的人们的视觉往往习惯于以形象的概念和含义来感受客观，容易在抽象的状态中再去寻求一定的形象概念，这是不恰当的，抽象的概念有着独特的存在价值。

抽“象”形式的表现通过条理的秩序和肌理图等形式很鲜明地形成“迹”，这是抽象类形式较容易实现其语言迹象的优势，也是受客观形态制约性较小的原因;但在另一方面个性的“迹”，体现在抽象形态中变得尤为重要，个性化的“迹”是抽“象”类形式的关键。

(四)“象”的新鲜感

壁画艺术由于多采用各种材质与工艺来实现，材料的美感独具视觉与审美魅力。

不同的材料有些不同的质地和工艺特点，不同艺术表现手段有其不同的质地与工艺特点，不同的艺术表现手段有其不同的个性和形式，但是各自又有着不同的局限性。

这就使“象”具有了新鲜感。

谈到壁画的材质和工艺，首先要涉及两个范畴：在质地上，可分为软质类、硬质类、绘制类;从形式上可分为平面和浮雕起伏状式。

软质类:例如以各种工艺手法编制，组合成的纤维纺织作品。

硬质类：相对较多，例如各种石材、铜、不锈钢、铸铁、人造石材、陶板、木和玻璃钢等。

绘制类：例如以丙烯、传统天然矿物质颜料、油彩和油漆等表现材质绘成的壁画。

新材质的应用自然带来了新形式，新的语言的产生，并且在不断的实践中积累运用材料的经验，形成很多具有新鲜感的“象”，带来了更多的艺术趣味。

总之，对于迹象论的研究范围，不应仅仅局限在绘画领域，而相比而言，壁画做迹造象的专业特征更为明显，更为直接。

迹因素与象因素的谋划与探究，贯穿于壁画创作的全过程，由于迹象效果越来越多样化，在材料的选择和运用上更见心机，更值得我们去研究去创新。

论陶瓷审美文化的当代追求【2】

当代陶瓷美术研究正面临着体系的转型与重建，这是当代陶瓷文化发展的一种必然要求。

陶瓷美学的背景是人类整体的文化精神，人的陶瓷审美活动作为文化创造系统中最有魅力的不忍，它应该以自己的特殊形式来表达现代陶瓷发展的时代精神，表达人类文化创造的超级本性。

从这一角度来展望当代人类陶瓷审美文化的未来走向，笔者认为，陶瓷美学应该自觉把发展和深化的指向，同人的文化意识自觉的结合起来，从密切关注现实人类文化实践中获得自身发展的生机。

当代陶瓷审美文化建设应该积极地致力于一般的大众文化、感情文化向陶瓷审美文化的转化，并按照符合时代精神的陶瓷审美理想去完善和构建文化。

陶瓷审美文化实践应该努力致力于当代人类所希望、所追求的生活秩序，使人们以陶瓷审美的态度从事现实文化实践，并把现代陶瓷审美意识辐射到所有人类文化的广阔领域，从根本上改变和提高社会文化的质量。

当代陶瓷审美文化实践也应通过上述努力，最终达成全社会与全民族的陶瓷审美水平和文化素质的提高。

着眼于陶瓷美学的这种价值定向，笔者认为未来陶瓷审美文化建设应该着力从陶瓷品位及审美旨准等多个方面做出努力，现仅述两点：

第一，着力于人的现代陶瓷审美意识的培养

陶瓷审美意识作为人所特有的一种精神现象，他是人类在欣赏美、创造美的生活实践中形成的。

作为陶瓷审美文化的综合表征，陶瓷生没意识包括人类的陶瓷审美感受、陶瓷审美体验、陶瓷审美情趣、陶瓷审美态度、陶瓷审美理想等诸环节。

篇8：美术论文

激发学生美术学习兴趣探究

摘要：新课程要追求的理念之一就是如何激发学生学习美术的兴趣。

在美术教学中，只有学生创造并且发现到其中的美，才能对学习产生浓厚兴趣并积极参与，最终获得良好的学习效果。

因此，作为一线教师，可以通过创造艺术氛围、开放课堂、利用必要的激励方式、运用恰当的教具演示、组内合作与组外竞赛、在游戏中渗透教学内容等方式方法来激发学生学习美术的兴趣;

这样，在美术课堂中把趣味性与知识性、科学性结合起来，并能恰当运用多种教学手段，美术课必然会活起来，学生学习美术的兴趣会更浓。

关键词：激发兴趣;学习方法引导;注重教法

美术是美育重要组成部分，美术课的目的正是为培养学生以一种独特的审美的艺术眼光来观察美、感受美、发现美和创造美。

那么，如何通过美术课培养学生的审美观，使之具有感受美、创造美的能力呢?

一、激发学生学习美术的兴趣，使其发现美、创造美

“兴趣是最好的老师。

”学生有了兴趣，就会乐在其中。

美术课首先应注重培养对美术的兴趣，这是至关重要的。

因为学生的学习态度大都受兴趣的支配，是学习的主要动力。

通过多年的实践证明，激发学生的兴趣，使课堂成为轻松、愉快的乐园，是达到这一目标的前提。

爱因斯坦曾说过：“兴趣是最好的老师。”

因此，我们要培养学生的兴趣，并且还要关注学生综合素质的培养。

重视学生创新精神的开发和学生实践能力的培养。

孔子说：“知之者不如好之者，好之者不如乐之者。”

兴趣是学生接触、认识、掌握某种事物和参与某种活动的心理倾向。

对于活泼好动的学生来说，趣味教学尤为重要。

有了学习美术的兴趣，学生才能主动地、积极地去学习美术。

趣味犹如磁石，紧紧吸附着学生们的心，整个学习过程就会显得轻松、活泼、兴趣盎然。

美术课上除了教师讲授知识外，课后举办一些作业展示，以一个组为展区，每次同时将两个组的学生作业展示出来，相互比较，以“重在参与”作为美术作业展示的宗旨，创设愉快轻松的美术环境。

学生的作品虽还不完美，却大大调动了学生学习美术的兴趣。

二、在自由自在的作画中，培养创造美的能力

学校中的一切教育目的无非是为培养富有创造精神的全面发展的人而打下牢靠的基础。

而运用情趣的培养、审美能力的提高，最终也是为这一目的服务。

只有这样，才能开发其创造力，使教学收到事半功倍的效果。

要想让学生对客观事物产生新奇的注意，以新颖的眼光，用与众不同的方式去认识和处理事物，充分发挥其个性的创造力，

就不能太偏重于技法训练，过高要求“画得像”的作法，只会束缚学生的手脚，降低他们的趣味性。

因此，让学生自由自在作画，用画画表现自己的情感，并随时表扬作业中发挥得好进步显著的学生，以作业讲评和举办小小优秀作品展来增强他们的信心。

另一方面使知识和技法慢慢地渗透给学生，培养了其观察能力，使其养成良好的习惯，并能由浅入深地进行训练。

生活赋予我们许多灵感。

学生们作品与其创造时时启发着我进一步的升华。

我上“布贴画”这一课是因为上了“树叶拼贴画”之后，发现学生在作业中充分发挥出自己的聪明才华，趣味性强，创作余地大，学生的兴趣仍有得以延伸的需要。

于是我就先让学生看到自己作品的成功，进而享受到成功的快感，激起学生学习，再学习的愿望。

这样有的学生拼贴人物，有的贴风景，或是静物等，无一雷同，尽管有的是离奇的，但充满幻想，有自己的个性，不失天真之美，具有一种成年人望尘莫及的魅力。

三、加强学习方法指导

在教学过程中，教师不但应注重教法，更应加强学生学法的指导，帮助学生树立必胜的信心，克服厌学情绪，培养学习兴趣。

如上中学美术欣赏课时，应向学生讲明欣赏课的学习重点是：学会观察，着重分析，多看，多想。

面对一幅美术作品，要求学生首先对所获得的信息进行阅读并研究，分析作品的形式特征、作画背景等，从而深入思考教师所提出的问题，最后教师做出归纳总结。

这样，既能让学生主动参与到课堂学习中，并且能在教师的引导下对教材进行分析解读，从中学会怎样欣赏一幅美术作品。

如此反复，在课堂上采用多种教学辅导手法，例如以语言传递信息为主的方法，包括讲授法、谈话法、讨论法;以直接感知为主的方法，

包括演示法、参观法;以实际训练为主的方法，包括练习法、实验法;以欣赏活动为主的教学方法进行加强指导。

又如在欣赏课教学中，总会有学生提问要怎样欣赏这类或那类的美术作品，教师可借鉴有法而不言法的艺术处理方法，

通过独特的方法引导、启发学生自寻欣赏方法，这样不仅培养了学生的能力、情感，同时也增添了教学魅力。

例如在国画欣赏课中，教师设疑：“如何认识一个人?”学生答：“内在品质及外表。

”教师引导：“观画如观人。

”学生在赏析过几幅作品后总结出国画内在神韵与外在笔墨的欣赏品评标准。

这样，通过教师引导，启发学生创新思维，巧妙地留出教学中的“空白”，培养了学生的想象力、创造力，同时达到了不教之教之目的。

四、鼓励异想天开，给予学生艺术表现的空间

苏霍姆林斯基说：“在人的心灵深处，都有一种根深蒂固的需要，说是希望自己是个发现者、研究者、探索者，在儿童的精神世界里这种需要特别强烈。

”在美术课程教学中，学生对新的知识往往从片面的、肤浅的认识到全面、理性的认识。

教师要从学生现有的知识基础入手，引导他们发现新知，鼓励他们有自己的看法，即使这些看法并不完全正确，也要肯定其合理、正确的一面，以激起学生的学习热情，激发他们更多的创新灵感，从而认真地学习。

让学生插上想象的翅膀，并且给予学生艺术表现的空间。

作为美术教师要允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，要留给学生足够的空间和时间来消化和掌握知识。

没有一门学科能像美术这样直接有效地作用于学生的创造力和潜能的激发。

综上所述，“激发学生兴趣，让学生发现美、创造美”是教学中的一个有机的、不可分割的整体。

把教与学融于一体，只有采取创新意识的教学内容和教学方法，才能培养出未来的创造性人才。

参考文献：

[1]张桂木.美术课程标准教师读本[M].武汉：华中师范大学出版社，.

[2]杨春生，辜敏.美术教学实施指南[M].武汉：华中师范大学出版社，.

[3]康军平.创设良好情境激发学习兴趣———对初中美术课堂教学的几点认识[J].青年时代，(22)：209.

[4]孙冰艳.初中美术课堂教学情境创设艺术[J].陕西教育(教育)，2016(11)：64.

篇9：美术论文

乌克兰国立美术学院素描教学解析

摘要：乌克兰国立美术学院全名为乌克兰国立艺术与建筑学院，前身为基辅美术学院。

乌克兰国立美术学院的素描教学秉承了苏联美术建立的素描造型法则，又融入了现实主义传统。

但随着20世纪90年代苏联的解体和乌克兰的独立，乌克兰国立美术学院在继承“苏派”素描传统的基础上推陈出新，渐渐形成了自己的教学特点和独具特色的素描教学。

关键词：素描教学课程设置结构形式材料

一、素描教学体系

乌克兰与俄罗斯在造型艺术上属于一个体系，在素描教学上也同属于一个体系。

李天祥曾经在《乌克兰国立美术学院素描》一书的前言中指出：“这一体系源于欧洲文艺复兴，成熟于十九世纪，苏联时代集其大成，形成了今日与欧美有所区别的俄、苏体系。

篇10：美术论文

众所周知，美术作品在表现上往往是静态的呈示，然而我们关注到它所表现的内容又往往是动态的。由动态向静态的转变自身就是一种创造，画疾驰的汽车、飞翔的小鸟、流动的溪水等。用静态作品来表现动态美也是美术的一种表现手段，重在创造的美术创作学习活动，要求教师尤为关注在提供素材、指导观察素材的过程中展示素材的情境空间创设，这是呼唤学生与素材产生共鸣的主要手段。

河南大学美术教育专业自考本科毕业论文

美术欣赏课在素质教育中的作用

作者 : 逯瑜

专业 : 美术教育(本)

准考证号 :

成绩 :

联系电话 :

工作单位 :XX美术学院

完成时间:

摘要:随着素质教育的全面深入,我国艺术教育近几年取得了很大的进步,美术欣赏课在学校整体的教育环境中,以其特殊的内容承担着人才培育中的特殊任务,不仅有助于提高学生的审美能力和艺术修养,而且有助于发展学生的创造力和想象力,有助于培养学生高尚的情操和形成健康的审美观｡

当教育步入素质教育时代,美术欣赏课在其中扮演着十分重要的角色,是加强素质教育的一项重要措施｡

关键词:美术欣赏课、创造、审美、广博知识、人格境界

素质教育是指一种以提高受教育者诸方面素质为目标的教育模式,它重视人的思想道德素质､能力培养､个性发展､身体健康和心理健康教育｡

美术教育尤其是其中的美术欣赏教学在整个素质教育中有着其它学科无法取代的智育､德育､美育等多方面育人功能日益受到重视｡

虽然在九年义务教育阶段,美术欣赏课题只占百分之十到百分之十五随着多媒体使用信息量增大,学科课题综合化都必将大大拓展美术欣赏的容量｡

高中开设的美术欣赏课程以列为必修课程,以及大学美术选修课等构成全民的艺术素质教育,突现了美术教育在现代人才培养中的作用｡

美术教育要在素质教育中找准位置就必须突出普及和审美二个方面,才能在新一轮教学改革中取得主动｡

不能认为开了美术课就是素质教育了,观念不转变美术照样搞应试教育(如重技巧､轻欣赏,重课外､轻课堂,重特长生､轻多数学生等)｡

美术教育要跳出低层次,实现其阶值就必须改变以掌握专业技法为主的教学模式,加强美术欣赏(既使是技能技巧教学也必须更多融入欣赏内容,对于特长生更应当重视美术欣赏及文化素养),纠正作为艺术教育的美术教学中普遍存在的两大顽症:艺术教育不艺术(套用其它学科教学模式无新意)､普通教育不普通(“重技轻理”过于强调专业技能)｡

使学生在学习赏评作品过程中建立完善的审美知识结构,提高艺术素养,形成健康､高尚的审美直觉和情趣,努力构建起新的适合素质教育的基础美术教育｡

美术欣赏教学是美术教学中的重要组成部分,它有助于提高学生的整体美术素养,培养审美能力和理解力,有助于发展学生的创造力和想象力,符合素质教育的根本要求｡

一､高中美术欣赏课教学的现状

我国美术欣赏起步晚,很多搞美术的人都以绘画实用美术为主,去搞美术理论的相对很少也属于冷门,从而致使美术欣赏很滞后｡

眼下我国经济飞速发展,全球经济一体化推动文化艺术不断与国外交流沟通及碰撞,美术欣赏被提上发展的日程,目前美术欣赏课正处于在普及中提高这样一个层面上｡

美术欣赏从2003年起就成为全日制普通高中(必修)课,从体制上看美术欣赏课的地位有很大的改观｡

但在现实教学中,美术欣赏课题依然没有改变,从根本上几乎很难改变学生对美术欣赏课的认识｡

几乎每个学生都知道美术欣赏课的重要作用,但是学生说的和做的却大相径庭,在他们眼里这是一门副的不能再副的课,既不统考又不高考(美术专业除外),还是多学点考试用的吧,这样更实惠些｡

不仅学生不重视,社会､学校和家长对美术欣赏课的关注也不够｡

二､高中美术欣赏课教学的几点尝试

美术欣赏从学生感兴趣的话题开始——新的教学观认为:教材中的学习内容,不一定必须是成定论的知识,也允许学生发表自己的观点,接触一些尚在争论的内容｡

因此,新课程为寻找现实中学生感兴趣的话题提供了相对广泛的空间｡

现实生活中的话题往往具有亲近感｡

如在“什么是美术作品”的教学中,笔者出示了现在明星穿着的“破”牛仔裤和学生平时穿的校服问:“这些是美术作品吗?你平时会喜欢穿哪样的服装?”从而引出美的多样性､美的时代性以及美术作品产生的条件,将美的观念与相应的形式法则运用到生活的实际中,使学生感觉到美就在身边,并且与日常生活息息相关｡

1､充分发挥学生的自主性｡

自主学习的理论认为:学生是学习的主人｡

学生的学习活动不是一个被动接受的过程,而是一个主动参与的过程｡

只有在主动参与的学习活动中,学生才能充分发挥自身的主观能动性,调动自身的创造潜能｡

课前给学生充分的时间预习,引导学生利用图书馆､网络等收集与欣赏内容有关的资料,让学生有备而“赏”,从而缩短与欣赏内容的距离,产生欣赏的兴趣｡

上课时,教师出示欣赏作品后,教师不要立即讲解,可以让学生读画几分钟,也可以以讨论的形式,再请他们说说自己对作品的第一印象｡

然后出一些思考题,引导学生观察画面｡

如画面是以什么颜色为主?画了些什么?颜色是暖色调,还是冷色调?整幅画感觉是欢快的,还是伤感的?这都有利于激发学生的主观感觉,胜于教师的讲解｡

这样也改变了那种以教师唱独角戏为师生共同参与,充分发挥学生的自主性,鼓励他们发表自己的观点｡

2､欣赏与绘画､工艺结合,从中领悟作品内涵｡

美术欣赏课不应是一味地欣赏,有的时候让学生进行临摹作品,从中体味作品的内涵,这样就打破了欣赏课纸上谈兵､光说不练的局面,更有助于学生理解作品｡

例如,在教学民间绘画和工艺品欣赏时,学生往往表现出很大的兴趣,想动手做一做,这时不妨让学生照着作品的风格､形象临摹一下｡

3､创设情景,从中品味艺术魅力｡

优秀的艺术作品,在总体形式结构背后都蕴含着丰富的感情,或思想,或意念,或某种意味等精神内涵,即意蕴美｡

假如在美术欣赏课中有机地把音乐和美术结合起来,将能达到图音并茂,声色俱全地表现深刻主题的教学目的,并能充分培养学生的审美理解力､创造力｡

教师若能充分利用电化教育法､语言描述法､情景设置法等办法,往往事半功倍｡

4､美术欣赏应从文本欣赏走向研究性学习

在高中美术欣赏课教学中适当地开展研究性学习活动,是素质教育改革的需要,也是新世纪人才培养的需要,是连通美术与社会文化､时代之间的桥梁,通过这样的活动赋予美术欣赏教育以丰富的意义,无疑给美术鉴赏教学带来新鲜的空气｡

美术欣赏课研究性学习中,教师是学生学习的指导者｡

这种指导与传统教学指导不同,课题研究的答案没有所谓的标准,甚至课题的提出也是在教师的引导下由学生自己列出｡

通过网络资源､图书查询､民间调查等手段广泛收集资料,并且对与课题有关的文字､图片､视频资料进行整合､汇总,围绕自己的课题进行合作探究,完成研究报告｡

它有助于扩大学生美术文化的视野,促进学生对美术文化的体验与感受｡

新课程理念要求,美术欣赏教学应该看重其学习的过程,不要过于追求结果,不要过于追求统一,这样才有利于学生进行积极思维,使学生学会如何研究问题,从而锻炼创造性思维,增强美术鉴赏的兴趣,提高学习效率｡

三､美术欣赏课在素质教育中的作用

1､审美能力的教育

审美能力就是人对自然美､社会美和艺术美的欣赏能力和审美观点,我们生活在一个五彩斑斓的世界里,到处存在着美与丑､对与错的对比｡

中学生正处在豆蔻年华,感情自然而纯真,对世界的美丽与美好的事物有着发自内心的渴求｡

但对社会一些对立变化认识还是很肤浅,所以中学美术欣赏课的审美教育尤其重要｡

“美到处都有,只是我们缺少发现的眼睛”,美术是视觉形象艺术,美术教育就重视视觉形象的运用｡

优秀的美术作品,往往能引起人们心灵情感的共鸣,思想冲击,陶冶情操,塑造美的灵魂｡

利用艺术的感染力,感召力,观尽大千世界中的艺术精华｡

培养学生对美的感受,去发现生活中美的本质,美的真谛｡

从重视视觉形象教学原理入手激发学生兴趣,可以满足学生的求知欲,提高获取知识的质量,引导学生直接观察对象,认识对象｡

运用直观教具､模型､范画､录像､幻灯､电脑设计等,帮助学生感知美,提高审美能力｡

艺术家创造的美术作品,都是靠视觉形象来感染人,打动人的｡

因而欣赏教学必须紧紧围绕形象展开活动｡

光凭教者一支粉笔､一张嘴,是无法组织教学的｡

在美术欣赏课中,欣赏者与美术作品发生着一种审美关系｡

通过感知与体验对美术作品作出评价｡

美术欣赏教学要达到欣赏者与艺术家创造的带有普遍性的审美经验的交融,方能产生情感共鸣｡

任何成功的美术作品都有从个别到一般的象征意义,如达·芬奇的《蒙娜丽莎》,我们不仅从蒙娜丽莎的脸上看到,透过那微抿的嘴唇､微挑的眼角和微凝的双目,悄然地流露着一种恬静､淡雅而又神秘的微笑,同时,我们还能感觉到一种朴素､自然､纯真的人性情感透溢出来,表现出一种彻底挣脱宗教禁锢而苏醒了的人性与复活了的灵魂,体现出充满血肉情感的人本价值,从而高扬了人文主义精神｡

许多美术作品创造的艺术形象的感人效果,是言语､文字所无法描绘的,只能用心去体验､去触摸｡

如法国画家米勒的《拾穗者》的魅力在于通过刻画劳动的美,表现出一种自然淳朴的情感,坚实而凝练的笔调描绘出法国农妇朴实､勤劳､诚挚的品格,优美的自然风光,饱含着一种宁静的生活意趣｡

欣赏教学的重点必须放在研究分析作品美的物化表现,研究分析作品美的魅力所在,艺术形象是通过审美体验而获得认知的,欣赏教学就是通过对美术作品的赏析逐渐提高审美感悟能力的一种教学活动｡

另外美好的学习环境,会使心情愉悦,激发学习兴趣;恶劣的学习环境,会使学生心情郁闷,影响学习效果｡

因此,通过美化育人环境,向学生进行审美教育,也是十分必要的｡

2､创造性思维培养

中国的传统教育,包括解放后几十年计划经济体制下的教育,的确不重视对青少年创造性思维的培养｡

造成这种情况的原因是多方面的,但一个根本的原因是:几千年封建专制政策传统的和“靠天吃饭”的小农经济及近几十年经济的计划管理模式以及过多的政治运动影响对人的创造性思维的重视,这种社会结构偏爱有知识､有技能但因循守旧､被动驯服,因而忽视乃至压抑了创造性思维的培养｡

在美术欣赏教学中,不以培养学生鉴赏能力为最终目的,更重要的是培养学生创造性思维能力｡

人类最可贵的品质就是创造,“创造”是一个民族生存与发展的灵魂,“学习”这种人云亦云的能力每个人(包括动物)都有,但遗憾的是,创造性思维能力只掌握在少数人手中,当人类步入知识经济､信息时代,创造性思维是人类物质文明与精神文明的结晶,是一种文明的象征｡

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