声乐表演时内心情感的构建论文
“崔连准”通过精心收集，向本站投稿了11篇声乐表演时内心情感的构建论文，以下是小编整理后的声乐表演时内心情感的构建论文，希望能够帮助到大家。
篇1：声乐表演时内心情感的构建论文
声乐表演时内心情感的构建论文
声乐艺术是一门最古老的、最普遍的综合表演性的音乐种类，是人类千百年来的一项杰出创造，也是人类文明的重要组成部分，紧密的伴随着人们的社会生活。
它真实地反映了人和社会的需要，是人心灵本质的直接体现。它的艺术表现力和感染力几乎是任何艺术表现形式都无法比拟的。人们在欣赏声乐时，鉴赏能力主要在艺术创造与欣赏中形成并获得发展。人们欣赏声乐通过激发人们的审美情趣、判断自己的审美方向和形成自已的审美观这三个过程来提升人们的审美能力。当一个人能发现一件事物的趣味性，说明他能够从这件事物中发现美，声乐艺术一开始就会给人以美的享受，这就实现了第一步。成功激发了人对于美的兴趣。在享受美的过程中，对于不同类型的声乐艺术形式，每个人都会产生自己喜欢的类型，这就逐渐形成了不同的审美方向。在这个方向上，不断接受声乐艺术的熏陶，感受着艺术本身的美妙与奥秘，人们不知不觉便形成了自身的审美观，并在欣赏艺术的同时审美能力不断得到提升。审美鉴赏能力的提高，有助于让人们以美的规律和美的理想去改变社会，发展文明的、健康的、科学的生活方式。这样人们的生活就变得更加讲究情调，精神层面也会变得更加富有，每个人都表现的更加有内涵，社会因此而展现出越来越和谐的一面。
一、声乐表演的情感表现。
体会音乐作品带来的感受，对于作品所透露出来的情感和内容，表演者要好好的研读，深刻地体会音乐作品带给人们的情感，从中可以得到如何表现好作品人物特征的特点与捷径，要深挖作品的时代背景，从作品的时代背景着手研读作者当时的心性以及作者的个人生平。
在做这些工作时，要先重点挖掘歌词的含义，根据歌词所透露出来的内涵再进行理解会更加容易。正确的发音也会加深演唱者对于作品的理解，如果唱的不是字正腔圆，所理解的含义也不可能是饱含真情实感的。在这种情况下，我们要把基础知识掌握好，在拥有一定理论知识基础上再进行模仿或者是创造。在歌唱的时候，要对歌词进行逐字逐句的分析与研读，再对歌词有了身临其境的体会后，就可以在充满感情的基础上将歌曲唱好，以情动人是演唱者应该具备的'能力。其次，就是要重点把握歌曲的风格。作为观众来说，作品的成功取决于听起来是否十分成熟以及是否符合歌词的含义，所以感情在其中是十分重要的内容。
二、声乐表演时内心情感的构建。
演唱者一定要深入了解作品。作品的内涵以及表现的感情是这个作品的心脏，在表演过程中是否将内在情感表达出来是重中之重，如果只是机械地练习一个作品不会真正地体会作品的真谛，只有富有感情地表达一首歌曲才可以打动观众，和观众产生共鸣，并产生良好的舞台效果。声乐表演者在音乐作品中通过作品表现自己的真情实感也是十分必要的。将歌曲内容转化成有效的交流语言，从而让观众能够感受到自己所传达的情感，这就需要演唱者学会对歌词进行处理。较为有效的一个方法就是对作品进行有感情的朗读。将演唱歌曲理解成对音乐作品的朗诵，将有助于演唱者的情感表现。因此，演唱者一定要将歌词读懂、读透。如作曲家王洛宾的《在那遥远的地方》，这首歌的演唱难度非常大，要想完整地演唱这首作品，需要运用“以情带声”的技巧。演唱者应先将作品的内涵了解清楚，在进行歌词朗读时，要带着对歌词的理解，既有激情，又要吐字清楚，最好带有抑扬顿挫的音乐感觉，最后在演唱中加入朗诵时的感觉，这将有助于声乐作品中的情感表现。虽说外行看热闹，内行看门道，但随着时代的进步，人们欣赏水平的不断提升，外行的热闹也变得不大一样了。在表演得热闹的基础上，要做到打动人心，这样才能提升观众的兴趣。
歌唱者作为声乐表演艺术的表演者既是美的声音创造者 , 同时也是具有特殊角色的审美者，因此歌唱者只有从音乐感觉、艺术形象、歌唱声音以及情感表现等多个方面去体会并领悟歌唱艺术的独特魅力 , 将情感体验以及审美感受融入到歌唱中 , 才能将声乐作品中的情感与思想内涵充分地表达出来 , 才能吸引听众的注意 , 触动听众的心灵。
参考文献：
[1] 李义君 . 浅谈声乐审美能力的培养 [J]. 当代艺术，（03）。
[2] 黄新超 . 从音乐审美教育视角谈声乐艺术之魅力[D]. 武汉音乐学院，.
[3] 李金义 . 浅谈声乐艺术形象设计 [J]. 天津音乐学院学报：天籁，,（04）：63-64.
篇2：戏剧表演内心视象的构建的论文
戏剧表演内心视象的构建的论文
本文从戏剧表演内心视象构建的范畴，阐述了内心视象的内涵，并针对戏剧表演内心视象的构建问题进行深入研究，结合笔者本次研究，提出了演员在表演时要重视构建内心视象，加强客体形象的生机与活力，注重矛盾冲突的策略。希望通过本文的分析研究，实现通过加强演员内心视象的构建，提高演员表演能力的影视教育目标。
通常内心想象都是依据生活实际并且在其自身经历的基础上，头脑中通过联想能产生出的一种形象，内心想象的基本形式为遐想、幻想以及空想等。在戏剧表演中，演员通过内心进行视象的构建，能够让演员的语言变得生动，使台词更具吸引性和感染性，从而有利于演员更好地表达戏剧中人物的思想感情，最终可以达到极佳的舞台艺术效果。
一、内心视象
在《演员自我修养》中，斯坦尼斯拉夫斯基提出，通过采用“假想”的方法，可以引发演员进行想象，并将演员引入到联想虚构的环境中，从而提高演员的活跃度。内心视象是指演员通过想象能从内心视觉上看到与剧本情境及其角色的日常生活相对应的视觉情境，并且这种方法能够产生与电影一样的内心视象，从而有利于激发起演员相应的情绪。将内心中产生的事物同剧本中的情境与角色相结合，而演员对于戏剧、电影、电视剧中的台词，均需要采用内心视象的方法分析剧本中人物的形象和进行表演，相应的演员内心视象越强烈，就会使得台词越具形象性、鲜明性[1]。
二、内心视象构建的范畴
内心视象涵盖的范围极其广阔，可以说是大到宇宙小到尘埃，这些都属于视象的范畴。对于戏剧演员而言，内心视象产生的根源在于演员自身，其主要是由演员观察事物本身、了解事物发展状况、感悟事物发展细节等形成的。并且演员无论是在演戏还是生活中，其内心思想活动是一直处于变化之中的，从而其丰富的内心思想活动为艺术创造奠定了基础。另外，内心视象的形成既是用眼睛对事物进行观察，又是用心以及身体感官进行观察与感悟。因此，其心理活动与思想活动也是从属于内心视象范畴之中的，从而就要求演员需要从内心的感受出发，根据内心所形成的视象确切地把握住事物本身特征，以促进演员情绪的激发，最终将剧本中的人物塑造得活灵活现。
三、戏剧表演构建内心视象的艺术特征
内心视象的构建具有具体性、形象性与针对性，主要表现在。
(一)具体性与形象性
演员对内心视象的构建是依据生活环境及其自身实际情况所进行的，这使得内心视象具有具体性。然而内心视象又是一种形象思维，从而其也具有形象性。由于没有具体形象的思维，就不是艺术的思维，也就不会产生真正的视象，并且不能进行表演创作。因此，演员在表演创作时，其内心所建立的视象必须是具体的、形象的。
(二)针对性
内心视象作为演员塑造人物形象的一种方式，就必须要在对人物的选择上坚持其针对性，从而做到内心视象符合角色与演员的特性，以确保其视象在舞台上发挥其作用[2]。一方面，对于内心视象的选择，要选择生动、感人、鲜明的事物;另一方面，演员不可能把角色的生活全部经历过，因此角色要求出现的某些视象，即使经过演员的再三努力，也不一定都能掌握得分毫不差。所以演员在选择时，要按照其针对性进行筛选事物，从而建立有效的内心视象。另外，对于不同的演员扮演同一个角色，演员应该针对自己的素质，根据自己的生活经历，选择那些在角色的生活中最能感受得到，最容易焕发真实情感，最能推动内心积极行动起来的事物。
四、戏剧表演内心视象的构建策略
(一)重视构建内心视象
一台戏剧出演的目的就是为了能够使演出成功，并加强与观众之间的互动，促进编导艺术理念的达成，从而形成最终的艺术成果。虽然戏剧演出成功的基础是演员的表演，但是若一味地依赖演员是不明智的。丰富的内心视象对于演员以及戏剧剧本具有重大的影响。
因此，戏剧演员应重视内心视象的构建。一方面，对于处在戏剧表演学习阶段的学生来说，应该重视自身内心视象的培养。在平时的表演练习课中，可以根据学生专业学习的实际情况，找一些适合自己的戏剧作品进行练习，通过对作品中人物刻画、环境特点、生活状况、时代背景等进行深入的了解，加强对内心视象的构建，以促进学生自身表演水平的提升。另一方面，对于已经从事戏剧表演的'人而言，内心视象不仅是演员头脑中形象思维的结果，还能够伴随着人物的全部舞台行动过程而逐渐地呈现出来，因此，在表演的过程中更应该注重内心视象的构建。然而，目前有些演员尚未认识到构建内心视象的重要性，并且在运用的过程中也没有充分体会到内心视象对表演创作价值所在。
例如：以莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》为例分析演员在戏剧表演中内心视象的构建。性情温和、热情直率的罗密欧与美丽纯洁、忠贞不屈的朱丽叶一见钟情，在不被双方家族认可的情况下，朱丽叶被迫要嫁给别人。但心念罗密欧的朱丽叶，为了能和罗密欧双宿双飞，从神父那求得一颗丹药，服下之后就可以假死，她想要通过假死逃离家族的视线，从此与罗密欧双宿双栖。于是，就在婚礼的前一天夜晚，朱丽叶按照计划服下了丹药，期待着醒来之后就能与心上人远走高飞。
这个时候，对朱丽叶与罗密欧所有的甜蜜爱情景象，都会浮现在演员的脑海中，“两人初见时的情境、在朱丽叶窗下见面的场景、在修道院两人结为夫妻的场景以及其假想的罗密欧去墓地救她、与罗密欧从此过上美好日子等情境”应全部出现在演员的脑海之中。通过这些丰富的内心视象，不仅可以使演员在熟悉剧本的基础上，加深对朱丽叶这个人物性格特征以及内心情感的了解，使得演员通过表演能够将该角色生动形象地演绎出来，从而让角色演绎得更加传神，还可以引导观众深入到虚构的想象之中，以激发他们内心的情感体验，使他们在情感上与女主人公朱丽叶同化，以至于后来美梦落空、朱丽叶与罗密欧悲剧收场时，带给观众浓浓的悲伤之情。(二)加强客体形象的生机与活力
对于戏剧表演内心视象的构建，必须加强构建剧本中客体形象的生机与活力，才能充分发挥内心视象对情感激发的作用。然而这个客体形象不是孤立的、静止的、片面的，而是运动的、联系的、对立统一的事物，这些事物的场景形态多样、变化多端，并且是将这些生动的事物有机地结合，能充分发挥其相互促进、相互协调发展的作用，可以有效吸引观众的注意力。另外，其还具有连贯性，从而使得内心视觉就如一组组连贯的镜头，能够形成一个流畅的画面。所以说，在内心视象构建中加强客体形象生机与活力，不仅可以使其视象具有生命力，还可以促使演员的情感激发。
(三)人物形象细节的情感体验
演员在塑造人物形象的时候，要注意调动自己过去体验过的感情和激情的记忆，唤起人物相应的情绪和情感。用情绪记忆加以补充，可以使体验更具魅力和感染力，也使创作更加丰富和完整。细节可以帮演员完善每一个角色，因此，演员在日常生活中应该关注细节，细心把握生活中的每一个状态，每一个人物形象。另外，剧本的创作源于生活，所以剧本里的人物也脱离不了社会，好的演员应该关注生活。从而在面对舞台的时候，可以按生活的逻辑顺序，真实有机地生活在规定情境中，通过直接或间接生活的回忆或想象，建立一系列与角色生活相近的视像。
例如：曹禺的《日出》中陈白露这个人物形象的塑造，陈白露一生命运多舛，经历丰富，从而使得这个人物形象是细腻的、复杂的、令人难以揣摩的。一方面，陈白露是脆弱的，因此她为能够不断地自我保护而筑起层层壁垒，且封闭自己内心的真实情感，不向任何人流露;另一方面，陈白露又是倔强的，不愿意最后的妥协，也不愿意再继续地麻木下去，所以她选择自杀。因此，在表演中对于陈白露这一人物形象的塑造，演员可以先构建内心视象，加强对该人物内心思想情感的了解，想象她所处的生活背景以及所经历的种种事情，最终演员可从神态上表现出她复杂的内心或从举手投足中全面的诠释这个人物个性特点。
(四)注重矛盾与冲突
戏剧表演中的内心视象虽然也是属于思维的一种，但其具有艺术性，因此使得内心视象与生活中的形象思维有所差异，其差异主要表现在：生活中的形象思维比较自由，不受条件、范围、地点、时间等的影响制约。而演员的内心视象，往往会受到多方面因素的影响和制约，如舞台条件、剧本情境、表演时间等，从而使戏剧表演对演员作出了更高的要求，要求演员在最短的时间内将情感积累起来，然后通过表演再进一步激发出全部的情感，从而促进表演能够达到较好的效果，以提高表演的价值。
例如：在《梁山伯与祝英台》中，当祝英台听到梁山伯的死讯后，祝英台悲痛地流下了眼泪，与此同时，演员脑中应该构成这样的视象，与梁山伯相识、在书院生活的种种，与她目前的要出嫁的景象等，将这些美好的过去与不幸的现在之间进行对比，从而更能体现出戏剧中的矛盾与冲突，往往这种对比有利于激发观众情感的变化，使得戏剧表演的价值得到了提升。
五、结束语
综上所述，内心视象的构建对于戏剧表演有着重大的促进作用。一方面，内心视象的构建可以促进演员对剧本中人物生活环境、性格特点的了解，有利于演员更好地表达戏剧中人物的思想感情，从而可以通过演员的表演将人物性格演绎的生动形象;另一方面，内心视象的构建中还需要有一定的矛盾和冲突，从而激发出演员与观众的情感，以达到更好的舞台艺术效果。
篇3：浅谈声乐情感教学论文
浅谈声乐情感教学论文
音乐的发展史上，声和情两者是缺一不可的。没有声就没有情，反之，没有情就更没有声。声乐是人声的艺术,是歌唱的艺术，是最贴近人类自然的表达,也是促进学生建立良好情感的最佳手段。声乐艺术是通过歌唱来传达思想感情的，就是带着音乐的语言，以其独特的表现形式和技艺来激发人的情感，通过歌声来传达人间的“喜、怒、哀、乐”。它必须在人们自身声音的生理基础上．并以音乐为中心的教学方法，通过正规、系统的训练（即通过有内涵的发声练习，以情带声的歌唱训练，甚至达到一定高难度的训练水平，才能完整地抒发其情感），来培养学生的音乐感知与情感体验，从而达到歌唱中声音与情感并重。在演唱歌曲时必须以情感人，有情才有感染力，有情的歌，唱出来才会打动人心，只有巧妙地把“声”与“情”融合在一起，才能唱出美丽的曲子。情感是对客观世界的内心感受,是人与人之间关系的反映,也是人对客观事物是否符合自身需要而产生的一种内心体验。声乐是善于表现情感的艺术，声乐教学的本质是情感教育。“情”是声乐表演艺术的灵魂，是歌唱能够感染人、鼓舞人、教育人的根源所在。声乐课是音乐教学的重要组成部分，是音乐专业学生必须学习的专业课，也是重点课，在教学中占有重要地位。
通过声乐表演将内心体验呈现并供观众感受欣赏,将这种内心体验转化为听得到看得见的艺术形式,是以自身为基本前提的。在声乐教学中,实施良好的情感培养,对于优化声乐课教学,提高学生学习的兴趣,调动学生的歌唱情绪有着重要的作用。在教学中，声乐教师要注意技术训练、艺术处理与情感表达能力三者的有机结合。还应该认识到心理活动在声乐教学中的重要性，适时地应用各种调整情绪的手段，激发学生对声乐艺术的兴趣，使学生自觉地保持高涨的情绪来学习声乐知识，从而达到理想的教学效果。声乐作为一门表演艺术，其赖以生存和发展的原动力就是要抒发情感、激发情感、交流情感，通过情感的纽带把审美对象和审美主体的心紧紧地联系在一起，让声乐艺术产生“潜移默化”的审美效应。因此声乐教学是美育的一部分,通过审美教育来实现。根据声乐教学的规律,把审美教育贯穿于声乐教学的全过程,让学生在学习声乐专业知识的同时,提高审美个性和能力,获得高尚的审美情操;使美育在潜移默化中渗透。对于声乐的初学者来说，我们教师比较注重的是学生技能方面的培养，如呼吸、吐字、共鸣等，但以技术为重的同时还要兼顾情感。而对于以歌唱为专业的演唱者来说，情感和技术是缺一不可的。没有一定的声乐基础就不可能很好的把握和处理歌曲，没有情感就不可能真正表达出歌曲的真正内涵。音乐感觉并不是一个孤立的东西，歌唱者和教师都要善于利用其他的感觉能力为音乐服务。
很多人形容一个人唱歌都用“用心在唱”来形容，一个对音乐没有心理感受的人，是无法表达出作品中蕴含的情感和音乐的内在美的，这样又如何能唤起观众的审美感受，所以艺术修养的培养是一个歌唱者成功的关键。声乐教学内容是歌唱基础知识、呼吸、发声与基本技能训练和不同的歌唱演唱方法及技巧，而歌唱的技巧训练过程又是一个艰苦的过程，要对音色、音质、音准等音乐基础和音乐思维进行训练。但其核心的本质内容和最基本的教学目标无疑是通过声乐作品的'演唱来表达作品的情感。因为歌唱者在生活和学习的过程中不断的受到外界文化、环境的熏陶，所以在艺术的实践中才能逐渐形成敏锐的审美感知能力和艺术修养，才能使歌唱者能够用自己的歌声把歌曲的情感内容淋漓尽致的表现出来，从而逐步掌握声乐的演唱技能。声乐的整体教学针对的不仅仅是音乐的发声技巧，还包括歌唱的整体结构、艺术形象、情感表达等方面的把握，通过运用整体教学方法，可以提高歌唱者对气息的控制、共鸣的控制、音色的锤炼、字正腔圆的把握以及艺术的表现能力等。同时通过课堂教学的艺术实践、训练和强化歌唱者对歌唱艺术的感知、想象和理解等心理能力，这也使得歌唱者以自己的艺术审美观为尺度，对声音的表现进行选择，通过与作品所提供的情绪交融，才能以最好的状态表现作品。声乐艺术随着时代的发展也在不断地发展、更新其内容，现代的声乐艺术范围比较广泛，包括了语言、旋律、声腔、器乐、动作等与之相联系的概念，当然与之相呼应的声乐教学也是一个对歌唱者声乐技巧、艺术修养、心理素质等综合能力进行培养的过程。
声乐是一门综合的、抒发感情的艺术，是无止境的艺术，是通过人的思想感情，利用声乐上的技能、技巧而获得的，因此声乐教学和演唱中必须要重视情感的表达，做到以情带声、以声表情、声与情互相依存，互相作用，要做到“声情并茂”，这也是演唱的灵魂，只有饱含情感的演唱，才能够真正打动观众、打动人心。情感教学的实施是音乐教育的有效途径，我们要善于利用教学的情感和音乐作品的情感做诱导，唤起歌唱者的情感经历和体验，从而让欣赏者都能因为音乐而打开心灵的大门，用情感与情感的沟通做纽带，正确引导，合理施教，让大多数人们都能听懂音乐、爱上音乐、表现音乐、创造音乐。
篇4：情感声乐教学论文
情感声乐教学论文精选
一、情感：歌曲的艺术生命，是声乐教学的灵魂
艺术大多都是有着生动形象的，能够让听众得到情感上的满足，以情感人是文艺形象和艺术作品的明显特征，艺术欣赏的过程和单纯知识的获取、道德说教的接受是不同的，在情感得到愉悦的过程中，加深作品的教育意义和思想内涵，使得精神获得升华。声乐的优美之处就是它可以通过演唱者的歌喉将刻板的曲谱变成生动优美的演唱，通过这样激起听众情感上的共鸣，也把歌曲中的情感很好地抒发出来，通过旋律与歌词的完美结合表达情感和内在涵义，审美感受更加强烈，这样利于形成心理上的互动，体现和实现了传情表意的审美价值。传统的声乐教学中，训练学生一般通过歌唱的姿势、呼吸、发声、咬字、吐字等多方面来进行，这几个技能主要是从声乐技巧的角度来解决问题，人们经常以声情并茂来评价一首歌曲的好坏，并以此为标准，所以在声乐教学中也是以此作为教、学的评价和评估。情感作为歌曲的艺术生命，情感的表达和体验就是在歌唱过程中必须要注意到的，这样情感就可以作为中心，贯穿始终。但是“情”不同于“声”，它是歌唱艺术的基本特征，是表达声乐美感的中心，所以说在演唱过程中，要有“声”、“情”的充分融合并且完全体现在歌曲中，歌唱技术就可以转化为歌唱艺术，回归到声乐教学的主题。就像读一篇文学作品一样，断句标准、发音准确是必要的，但是若缺少了情感，就不能让人融入文章的情感和意境。所以，在声乐的教学过程中，只有节奏和音准的正确是不行的。声情并茂的演唱，能够充分表达歌曲情感，增加艺术感染力。要分析和理解不同风格的音乐作品，通过对不同情感的充分表达，诱发声乐表演的内在体验，深刻体会创作者的情感表达，这样就可以更加完美地表达作品的情感。作为表演者，把握作品情感的准确性是十分重要的，每个音乐创造者都在自己的作品中埋藏了深刻的情感，好的音乐作品常常是“乐随情起，情由心生”的外化，情感表达的不充分就无法体现作品的优美。表演者在表现音乐时，要正确理解对于感情流露具有记录作用的旋律中蕴含的情感及其变化，将自我的情感融入作品中并完美地进行表达，这样就能丰富乐曲的形象，打动并感染听众，促进审美的愉悦。如《吐鲁番的葡萄熟了》这首瞿琮作词、施光南作曲关牧村首度演唱的歌曲，它风靡一时的最主要原因就与关牧村的演唱有关，在演唱时，关牧村把歌曲里面的情感表达得淋漓尽致，当然了除此之外她充分运用强与弱、快与慢、舒展与细腻还有质朴、厚重、豁达的演唱风格等表现手法，使听中国梦能够引起共鸣，让大家都喜欢它，也是因为这样，表演者与创作者产生情感共鸣的时候作品的情感就会被升华并且完美体现，以美好的形态展现给观众，音乐也就有了丰富的内涵和绚丽的色彩。即情感是歌曲的艺术生命，是声乐教学的灵魂。
二、情感教育：声乐教学的本质
不同的歌曲演唱方法、技巧练习、歌唱基础、知识讲授、呼吸及发声等基本技能训练都是声乐教学中的重要内容。声乐演唱中，学生们能通过自己的歌唱将情感完美的表达，使之生动准确，然后熟练掌握声乐演唱的技巧和方法。这也就能看出声乐教学以情感为基础，本质上也是情感教育的一个过程。以师生、表演者、欣赏者通过歌曲带动心理互动、情感交流的审美享受为主要方式的.声乐教学过程，在这个过程中，学生可以学会更多唱歌的技能和本事，审美愉悦和情感享受的丰富，最终能够陶冶情操、净化心灵，表现出审美教育中的本质力量。审美是声乐教学指导思想的核心。声乐教学中的主要内容就是教师应该如何激活歌唱学习过程的情感心理。学生尊敬老师，并且积极向上、充满热情地投入到声乐的学习中；相应的老师也要关心学生，引导他们正确地进行声乐的学习。教师作为教导声乐学习的主体，在注意歌曲思想品位、学生个性化特征、技能训练要求等的时候，还要精通声乐知识，选择不同题材和内容的经典作品作为教材进行学习。那些流传许久的作品都有十分广阔的表现空间和审美开发价值，蕴含着人类经典的实现以及感情精华，作品的优劣也影响着演唱的效果。对于作品的深刻分析和认真解读是非常必要的，从曲调到歌词，从理性到全面的认识和理解作品的风格和时代背景，准确领悟作品的情感内涵。
篇5：声乐表演过程中心理因素分析论文
声乐表演过程中心理因素分析论文
音乐表演是对音乐作品的传达和再现，更是创造性很强的艺术性活动，其音乐表演水平直接影响着音乐的整体表现。但音乐表演过程受到诸多因素的影响，如表演者个人能力、表演环境、心理因素等。其中，心理因素是一项重要的影响因素。由此可见，声乐表演也是一门心理艺术，表演者在声乐技巧、感情分配、舞台表现等领域都离不开表演者缜密的心理活动。在声乐演唱者在学习和演唱中，个人的生理及经历都会体现出不同的声乐表演心理，而这些心理都会对声乐表演产生不同程度的影响。因此，声乐艺术表演质量的高低，不仅取决于歌唱者生理，而且也取决于歌唱者的心理，后者如果在教学练习和表演过程中得不到有效地提高和训练，势必会影响整体效果。如何培训和提高声乐表演中心理承受能力和心理水平，是一个重要的研究课题。
1、声乐表演心理产生的基础及其过程
声乐作为一门表演艺术，是演唱者内心的情感、认识和需求，用歌曲为载体的一种表达、抒解和信息的输出，使声乐表演者取得一定程度的精神满足，心理压力得以缓解，心理平衡得以恢复。声乐表演活动是在表演者心理的支配下活动的，良好的心理因素直接与表演者的实践水平相关联。声乐表演的心理的产生必须有一定的产生基础和产生过程。首先，感觉、知觉、感情和想象都是可以影响声乐表演效果的心理基础。感觉包括了听觉、视觉、触觉等，这对于音乐理解和再次表演的心理基础；知觉反映在声乐表演中就是演唱者的生活经历中的个人时空和动力经验，是音乐本身结构性；感情就是情感或情绪，乐曲中的忧伤、悲痛、快乐、喜悦等在表演中被升华为感情传达给听众；而想象则是通过创造性达到对作品更深刻的领会和体验，是和感情的体验紧密联系在一起的。因此，全面而正确地认识这些因素，对声乐表演是很有帮助的。其次，心理的产生包括三个过程。第一，演唱过程中心理因素；第二，创造过程中心理因素；第三，审美过程中的心理因素。这三个过程正是声乐表演中表演者心理产生的基本过程。除此之外，声乐表演心理还涉及心理动机、音乐兴趣、注意、爱好、情感、需要、能力以及意志品质和性格等要素。
2、心理因素对声乐表演的影响
声乐表演与心理因素二者之间是相互影响，相互作用的关系。人是独立的个体，有着各自不同的情感，其情感体现、个性特征和情绪点等都具有差异性，都会在不同程度上影响到声乐表演的效果。因此，心理因素在声乐表演中占有很重要的位置，也有着重要的影响。这主要表现两方面：第一，积极影响。好的心理能能激发演唱者深层的潜力，达到更好的表演效果。如帕瓦罗蒂在声乐领域中留下的艺术经典，他在舞台上演唱时总能让观众感到他唱得那么轻松、舒畅、自如，带给了观众艺术享受。第二，消极的影响。在表演中如果准备不充分，心理素质不过硬，就会引起表演者过度激动、胆怯、紧张等消极的心理反应，进而影响到演唱者怯场或缺乏自信，严重阻碍演唱者技巧的提高。因此，优美的歌声是心理活动灵敏指挥声乐表演发声器官在生理上做出反应的效果。声乐表演者心理活动必须处于积极、稳定的正常状态之中，才能避免声乐表演效果的消极影响和心理障碍。
3、加强声乐表演中心理因素的培养
3.1 加强声乐表演中心理要素重要性的认识
如前所述。心理因素在声乐表演中占据重要的地位，起着不可忽视的重要作用。声乐教师和学生在教学过程中，必须在此环节和领域下功夫，既要加强对表演中涉及的心理要素进行全面分析，也要找到每一个心理要素的培养方法，对不同的学生不同的情况采取具有针对性的教学方法、教学手段和教学策略。而作为学生而言，在平时的练习和课堂上，加强这方面的认知，课前、课中、课后三管齐下。广大师生只有思想上重视了才能在实践中给于重视。
3.2 加强声乐表演心理能力的培养
心理活动是直接关系到人的实践能力，当将声乐技巧和心理素质结合起来，才能提高表演水平，完成声乐的艺术创造。首先，重视声乐表演心理状态的培养。心理状态某种程度上也是一种审美状态，具体包括真、善、美等。审美的心理能够把作品和演唱者的心理结合起来，体现了演唱者的审美情趣，也是表演者追求和音乐再现的追高境界。心理状态是一种充分利用心理因素从整体上养成正确技能习惯的有效办法，它与内心声乐表演能力与掌握声乐表演技能相关联。因此，师生应重视声乐表演中心理状态的培养。其次，加强演唱者心理调控。心理调控是一种能力，教师在教学中既要懂心理知识，也要懂调控办法。要想使演唱过程都能达到声乐表演者的预期效果，除了生理因素的制约之外，心理调控对声乐表演者的演唱状态同样起着关键性作用。声乐表演技巧的掌握，依赖于声乐表演者通过感觉和抽象的理解去控制发声机能。由此可见，心理能力的培养必须从这方面入手，才能达到最终的'教学效果。
3.3 加强声乐师资队伍水平提高
声乐教育是有关声乐的知识、技巧、修养与审美趣味的传承过程，涉及到相关的科学知识、发声技术、表演艺术与艺术欣赏。这对广大声乐教师提出了更高的要求。因此，作者教学主导地位的教师，必须加强自身素质和综合能力的提高，既要懂得专业知识，也要懂得与之相关的学科知识，才能任重而道远。作为学校，要广开渠道，一方面加强在职教师的学历提升，另一方面引进人才要严格把关，把真正有能力业务水平高的师资引进到工作岗位上。
3.4加强声乐表演基本功的训练
学生个人专业素质、专业能力水平的高低取决于学生自身的努力程度和知识的掌握程度以及个人的业务能力。在平常的学习和练习中，只有多下功夫、多花时间，才能在表演时驾驭现场，才能提高演唱的技艺。学生基本功提高了，自信心自然就有了，个人的心理紧张、恐惧则相对会减小一些。而在现实中，紧张恐惧的关键性问题就是信心问题，而信心则在很大程度上来源于自己的实力，即演唱水平的高低。作为一名優秀的歌唱者，只有熟练地掌握了各种技巧和技术，才淋漓尽致、声情并茂地发挥个人的水平，才能从容地面对广大观众。与此同时，成功的表演来源于平时扎实的训练和心理素质的培养，表演者一定要具有正确的心理状态。同时也要注意正确的方法。如在训练或演唱时，全身放松要不松懈，注意力高度集中，积极、热情、主动地训练及唱歌。由此可见，具备了正确的心理状态，就是打好了心理素质培养和训练的前提和基础。
3.5加强学生表演心理综合性训练
心理训练不能只靠课堂，必须有实践，有现场锻炼的机会，结合多个领域加强对学生表演心理的训练。第一，声乐教师首先在课堂上要帮助学生掌握正确的呼吸方法。教学过程中， 应帮助学生掌握正确的呼吸方法， 如演唱时的深呼吸， 较长乐句时换气的方法， 呼吸节奏力求旋律一致等， 使学生在表演时气息平稳、顺畅， 心情安静平和， 最终消除或改善表演时的紧张心理。第二，因材施教，声乐教师也要根据学生的气质特点和类型来对学生实施教学。 在教学中， 根据每个学生气质的主要特点 ， 因材施教， 对于提高学生的心理训练大有好处，如对性情急躁急于求成的学生，可控制其急躁、任性的情绪， 培养其坚韧顽强的能力， 养成专心致志， 持之以恒的精神。对于怯弱、迟疑、反应慢的学生要帮助其克服孤僻、忧虑和自卑的心理， 培养其顽强自信的精神等。第三，在遇到紧张、拘谨、无法打开局面的学习情况下，教师要多采用转移法，注意学生注意力的转移。 这是应用心理学中有效转移注意力的一个重要方法， 运用于表演心理的培养和训练中， 可以收到事半功倍的效果， 针对一些学生因表演失常而怨天尤人或一厥不振的现象， 首先要因势利导，启发学生正确回忆表演中失败和训练中成功的各种表象。 通过失败与成功的比较， 找出异同， 着重让表演者重温课堂训练中成功的经历， 反复体验那些有助于获得成功的精神情绪及感觉， 从而增强表演者的自信心。除此之外，对表演者进行意志的锻炼和培养。关于意志品质的训练，在日常教学活动中可以结合其他学科来进行，教师不能就音乐而音乐，避免学生感觉枯燥乏味。 教师应有意识地引导学生进行系统的意志锻炼，培养学生自觉地锻炼和发展坚韧顽强的意志品质。如加强体育、生活中意志的锻炼，再如结合思政课程，培养学生对事业的高度责任感、荣誉感等， 以抵消因个人名利得失而产生的消极情绪，促进学生健全的人格和良好的心理健康。
4、结语
声乐表演是歌唱艺术的一个重要组成部分，包括了除音乐学科以外的多种学科相结合而形成的学科，如生理学、教育学、多媒体、物理学和心理学等。其中心理学在声乐表演过程中扮演着绝对的位置，起着关键性的作用。歌唱者演唱质量的高低直接取决于自身生理、心理等方面获得的良好训练，以及各个学科知识和影响要素之间的协调配合。因此，无论在声乐艺术演唱技巧的表现上，还是声乐艺术的表演上， 声乐表演都自始至终贯穿着复杂的心理活动。广大声乐教育工作者只有在声乐训练或声乐表演过程中重视心理教育、开发多样化的教学方法，才能有效地提高学生在表演过程中呈现除良好的心理状态和心理调节能力。这既是本文研究的重点，也是未来声乐表演教学领域中一件十分艰苦的工作。
参考文献
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[5] 姜淑香. 聲乐表演艺术中的心理作用[J]. 兵团教育学院学报，2005，4.
篇6：浅论声乐表演的心理调控论文
●刘晶
一、声乐表演过程中心理调控
人们感知音乐主要靠听觉，那起伏的旋律和多彩的音色，只有作用于听觉才会被人感知，否则音乐美便会失去作用。要使声音表达得完美，首先要使声音放松。其实，它说来容易做到难。而能否鉴别什么样的声音是放松的，则是自己能否放松的前提。我觉得放松是相互的，而不是绝对的，再说也耍分哪放松。其实我觉得唱歌是外松内紧的感觉。放松的声音必须是观众听起来感到轻松的，包括高音。这就提到不光是声音，还有大家听到声音时的感觉。如果歌唱家在台上放松地演唱，声音很美妙，台下的听众听起来，也会很舒服。还有就是演唱者怎样表达歌曲的内容，如果歌唱家面对一首很缓很柔和的歌曲，却表达不出歌里的情绪，那听众就会有紧张的心理。如果歌唱家将每首歌的内容都表现得淋漓尽致，那听众就会听得很自然、很放松。初次登台的声乐歌者，出现心跳加速、手脚紧张等问题，是由于过于紧张而引起的生理现象。有过歌唱表演经历的人都知道，很少人能够傲到心情平静信心十足地登上舞台。心理学研究表明：人们在日常生活中，经常会遇到各种各样的困难和障碍，为了实现自己的目标，就必须克服困难。然而困难的出现和克服，往往会引起人们内心的不安和紧张，严重时就会给人带来恐惧，形成焦虑。人们的一切行为不论正确与否，都是在自身心理活动的支配下进行的，任何心理活动都有发生、发展和完成的过程。歌唱者的“怯场”现象在发生阶段表现为：候场前的心跳加速、呼吸急促，发展阶段表现为：歌唱时手脚发抖、全身冷汗、忘词跑调、高音唱破等，完成阶段表现为：唱完后大脑空白、失去信心、形成恐惧等。这种心理活动，一旦变成心理障碍，就会使歌唱者对自己失去信心，失去歌唱欲望和表演热情。
二、对声乐表演技能的理解与调控
声乐作为一门表演艺术，是演唱者内心的情感、认识和需求，用歌曲为载体的一种表达、抒解和信息的输出。通过表达、抒解和信息的输出，使歌唱者取得一定程度的精神满足，心理压力得以缓解，心理平衡得以恢复。要想使演唱过程都能达到歌唱者的预期效果，除了生理因素的制约之外，心理调控对歌唱者的演唱状态同样起着关键性作用。歌唱技巧的掌握，依赖于歌唱者通过感觉和抽象的理解去控制发声机能。
因为在声乐学习中，人们无法利用视觉器官的功能，只能凭借直感(悟性)调节自身有关机能的活动。培养调控心理应该多加强舞台的`实践活动，多上台多表演多实践，尽可能体会舞台感觉和驾驭自己的能力。歌唱者通常在上台前，需稳定自己的心情，要体会自己在练声、练唱时的感觉，并在心里默唱一下将要演唱的歌曲，这样的松弛不仅有利于表演，更有利于发音器官和生理机能的协调，也能避免因心理紧张、僵化、呆滞而造成破坏声音自然流畅的现象。歌唱者在舞台上演唱时，要把注意力和兴趣投放到表演的过程中去，不要把听众当成前来挑毛病的检查者，否则只会增加自己的心理负担：歌唱时应该把听众当成朋友，用歌声向他们真心倾诉情感、传达艺术，这样的心情就会放松，演唱就能处于可控状态;歌唱者在舞台上还要有落落大方的台风，上下台的步态以及演唱中遇较长的过门间隙时，表情感觉都能与乐曲内容吻合。
从一些优秀的歌唱家身上我们看到，歌唱艺术并非仅是词曲作品和声音乐器的简单组合，而是歌唱家经过二度创作后的声乐作品表演艺术。在观看著名歌唱家舞台演出时，歌唱家在台上演唱什么，观众的眼睛仿佛就能看见什么、身体好像就能感受到什么。贝多芬说过：“当我作曲的时候，在我的脑海中间始终有一幅画，我会按照这幅画去工作。”因此，我们在歌唱的时候，必须时刻想象歌词内容的现实情景，用声音表现音乐的情节，用歌唱表达人物的感情，这样的歌唱才能富有激情、带有感染力。
三、艺术表现
世界上一切的优秀歌唱家之所以能使广大听众为之倾倒，受到公众的热烈欢迎和喜爱，除了具有良好的嗓音和高超的技巧外，最重要的是他们的歌声准确生动地表达歌曲的内容和真实的情感，引起观众内心的共鸣，给予听众美的享受和情感的感染。如果他们没有深入理解歌曲的内涵，没有领会歌曲的意境和音乐的美，即使有再好的条件，也难以做到自然地歌唱。
四、结论
实践证明，歌唱者在表演过程中充分发挥个人的歌唱艺术魅力，并能获得成功，是优良的技能技巧和艺术修养及心理素质的稳定性三者综合作用的结果。总之，培养良好心理素质与声乐演唱技巧的训练同样重妻，二者缺一不可。要自信，形成良好的自我感觉，这样就能在生理和心理上、技能技巧和艺术表演上获得协调、统一，达到声情并茂、唱表合一。一首好的声乐作品只有经过演唱者的演唱.传播给听众，欣赏者才能听到它真正的具有生命的音响，以艺术创造的高感性与高理性的完美结合，是使音乐表演达到至善至美境界的切实保证。
篇7：声乐表演成功的有效途径论文
声乐表演成功的有效途径论文
摘要：在声乐表演中，合理的曲目不仅能够完美地呈现出演唱者的水平，还能够营造出良好的音乐环境，将听众更好地带入音乐情境中，进而促成一场成功的声音表演。由此可见，曲目的合理选择对于声乐的表演非常重要。同时，声乐表演的学生在选择曲目的过程中，融入了自己的主观感受、情感和理解，并且具有一定的广泛性和多样性。因此，如何根据演唱者自身条件和水平，引导其选择最为合适的演唱曲目，已经成为声乐表演教师应重视的问题，也是帮助学生更好地进行声乐表演的关键。本文将基于声乐表演中曲目选择的意义和特点的阐述，对具体如何引导学生选择曲目进行探究。
关键词：声乐表演；曲目选择；曲目选择引导
0引言
一场声乐表演的成功是由多方面的因素共同完成的，而表演曲目的选择则是其中最为关键的因素之一。演唱者在选择歌曲时，不仅要考虑自身的演唱水平，还要保证自己的音质、音域、声音的特色和歌曲能够达到统一。[1]由于曲目选择具有广泛性和多样性，并且在很大程度上受到演唱者的主观选择和对歌曲理解的影响。因此，要选择合理的演唱曲目，并不是那么的简单。由于对曲目缺乏合理的选择，导致声乐表演的不成功案例也是屡见不鲜，可尽管曲目合理选择如此重要，但也并没有得到业界和学界的过多关注。
1曲目合理选择的意义
在一场声乐音乐会中，所展示的不仅仅是演唱者的歌唱水平，还展示了器乐表演与声乐表演的融合度。只有当乐器表演与声乐表演达到一个高度的融合，才能形成良好的音乐氛围，更好地展示出演唱者的演唱技巧、水平和情感，才能更好地打动听众。曲目的合理选择，促进了乐器表演与声乐表演的`融合，有利于提升演唱者心理素质的整合，让演唱者能够更好地进行自我创作。曲目作为一场声乐表演的基础与核心，是构建声乐表演主题，选择演唱方式和技巧的重要基础。可以说，曲目合理的选择对于声乐表演及乐器的演奏都有着决策性的意义。谢飞指出，一位成功的声乐教师表现在能仔细选择成功和进步的曲目，给学生带去挑战的同时，不会对其造成打击，让其锻炼出扎实的演唱技巧和习惯。[2]由此可见，演唱曲目的合理选择是保证演唱事业长久成功的关键因素。
合理地选择曲目，不仅能帮助学生巩固现有的声乐技巧和基础，还能提升其对于声音的应用能力，培养对发声技巧和音乐素材的情感，使其在演唱过程中能够更好地代入自己的感情，展现自己的想法。通过对曲目的合理选择，能够让学生由易到难、从简到繁系统地进行声乐训练，并且让其所接受的音乐理论、音乐史和声乐发展史等方面的知识变得更加系统化、全面化和立体化。[3]教师应该注重曲目的合理选择，了解曲目合理选择的意义所在。然后，再根据学生的声音特点进行有针对性且科学的训练，让曲目发挥其应有的基础作用和核心作用，帮助学生完成一场成功的声乐表演。
2声乐表演曲目选择的特点
2.1广泛性
相传，人类在学会说话时就开始学会唱歌。唱歌成为人们表达情感、愿望的重要方式之一。随着唱歌开始系统化、学术化，声乐体系逐渐形成。声乐的演唱曲目和演唱方式也更加丰富与多样化。声乐表演曲目的广泛性主要是指其所跨越的时间和空间范围的广泛。在选择表演曲目时，演唱者既能够选择当下的流行音乐，也可以选择传统的民族音乐，甚至能够对传统的音乐进行改编，使之呈现出不同的音乐风格。同时，演唱者也能够跨越地域的限制，选择其他国家的歌曲进行演唱。
2.2多样性
声乐曲目的多样性主要体现在声乐的题材上。纵观整个声乐的发展历史，可以了解到，声乐的题材可以分为民歌类型、歌曲类型、歌剧类型和其他类型。[4]民歌主要为信天游、山歌等有地方特色的民族歌曲。而俄罗斯的《伏尔加船夫曲》、意大利的《桑塔・露琪亚》等也属于民歌。歌曲类型的种类比较多，包括艺术歌曲、抒情类歌曲、叙事类歌圩、诙谐歌曲、讽刺歌曲、舞蹈歌曲、古典歌曲等。歌剧唱段类型可以划分为咏叹调、咏叙调、宣叙调和谣唱曲等。而其他类型的歌曲的内容更加多元化，有宗教歌剧、康塔塔弥撒曲、安魂曲、无言歌曲、创作歌曲等。
2.3自由性
由于每位演唱者的美标准和演唱风格不一样，因此在选择演唱曲目时也会相对的自由。在演唱曲目选择时并没有设立硬性的要求，让每位演唱者都能够根据自己的需求自由地选择。但也正是曲目选择的自由性，才会导致一些演唱者无法合理地选择演唱曲目，选择更易于展现自己演唱水平的歌曲。
2.4主观性
在选择演唱曲目时，很大程度受到演唱者的主观影响。由于每位演唱者的兴趣爱好、文化素养以及对声乐表演的理解和体会均不一样，因此在选择演唱曲目时总是会凭借自己的喜好，忽略自己的实际演唱水平，选择表演难度更高的曲目，进而造成发声器官疲劳、受损，甚至影响正常演唱水平的表现。
3曲目合理选择的有效方式
3.1注重结合学生的声部特点
每个人的嗓音都不一样，所具有的音质、音色也往往独一无二、与众不同。在声乐中，更具人声的特点将男女声音大致分为三种类型，即男/女高音、男/女中音、男/女低音。在同一个声部根据演唱者的音色特点还可以细分为花腔女高音、戏剧女高音、抒情男高音等。所以，在选择表演曲目时一定要注重结合演唱者的声部特点，选择合适的曲目，并进行有针对性的、科学的、系统的联系，以达到良好的演唱效果。在选择演唱曲目时，需要注意的是，即便是同一个音部，对于同一首歌曲的演唱效果也不一样。所以，还要重视演唱者的基本演唱功底和技巧。教师要详细了解每位学生的声部特点，帮助其合理地选择演唱曲目，以更好展示学生的声部特点和优势。
3.2所选曲目应符合学生的嗓音音域
正如每个人的嗓音都具有各自的特点，所以每个声音的音域也是不同的。学生在日常训练中要重视自己的音色，同时也要发现其中最漂亮的音色所在的音域音区位置。如此，既能够不断增强其唱歌的功底，也能够逐步掌握不同风格的音乐作品，以提升自己在演唱时的音乐表现能力。例如，一些演唱者在换声点常常会出现发音不畅的情况，其原因是，演唱者在从低声区转向中声区或从中声区转向高声区时，由于演唱时声带过于紧张出现破音的情况。要想改变这一情况，应有针对性地进行放松练习，拓展演唱者的音域，逐渐消掉其换声的痕迹。但在实际联系中，由于种种原因，一些演唱者偏向选择一些音域比较宽的大作品。当演唱或训练时，演唱者很容易因为音域不够宽广而出现破音或音色不统一的情况，根本无法准确地表达歌曲的真正含义。并且，长此以往，将会对演唱者的发声器官造成极大的损伤，情况严重的，甚至会对声带造成永久性的伤害，不能再唱歌。在声乐训练中，教师不仅要了解学生音色、音域的不同，还应该对真假混声有正确的认识，引导学生使用高位置的混声，掌握正确的换声方式，避免在联系时对声部造成损伤。
3.3应符合学生的声乐表演水平
学生的声乐表演水平虽然是一种表现手段，但也是演唱者通过自己对曲目的理解而进行的一种再创作的能力。[5]声乐的表演能力是演唱者在表达曲目时最基本的一种能力，也是最重要的一种能力，演唱者如果没有接受过系统的、科学的训练和实践，在短时间内无法具备高水平的声乐表演能力。声乐表演能力就像节奏对于音乐是一样重要的。演唱者只有掌握歌曲的节奏并且拿捏准确，才能展现出曲目中的感情。教师在选择演唱曲目时，应该结合学生掌控歌曲的能力。例如，学生对于节奏的把控能力较差，没有办法做到对较快的曲目进行连贯的把控，这就要靠平时课下的训练，循序渐进地选择演唱曲目，由易到难逐步提高学生的综合演唱能力。而有些学生则将精力放在完成演出上，为了表演而表演，忽视了情感表达这一主要目的，这时就需要教师注重引导学生对声乐表达能力形成正确的认知，并以此为基础逐步提升学生的声乐演唱水平。
3.4注重学生对曲目的理解及音乐的表现能力
音乐是人们表达自我情感的一种重要方式，也是体现人们展现音乐审美和自我感受的重要方式。[6]因此，在声乐表演中，学生常常会运用面部表情、肢体语言和其他媒介来抒发自己对音乐的情感。在这一过程中，演唱者对音乐曲目的理解就显得非常重要。音乐的表现能力不仅仅是指演唱者所具备的专业技术能力，也包括了演唱者对音乐曲目的理解，如曲目创作背景、创作者的思想表达、文学、音乐、历史方面知识等。只有将两者融会贯通，才能完美地呈现出一部音乐作品的内涵和感情。教师在训练学生的音乐表现能力时，不仅要重视学生对于表达技巧的掌握，还要加深学生对曲目本身的理解。同时，学生自己也要注重全面培养自身的音乐修养与兴趣爱好，丰富自己的情感体验和个性发展，以便更好地理解体会音乐作品。
4结语
曲目的合理选择不仅对于声乐表演有关I的影响，对于学生日常的发声技巧训练和声乐表演能力的提升也是非常重要的。教师要重视曲目的合理选择，注重结合学生的声部特点、音域范围、声乐表演能力、理解力和表现力，用科学的发声方法有针对性的、有计划的、有目的的、循序渐进地训练学生的声乐表演能力。同时，教师也要注重培养学生合理选择曲目的能力，帮助学生充分了解自己的声音特点，从而更好地进行自我训练和提升。
参考文献：
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[6]雷晓兰.探究式学习在声乐演唱教学中的应用[J].大舞台，2012（09）：203-204.
篇8：初探声乐表演专业的教学特点论文
初探声乐表演专业的教学特点论文
内容摘要：21世纪艺术人才的需求是多能复合型的人才，单在教室里是培养不出歌唱家和表演艺术家的。要使声乐表演专业的学生不成为“琴房歌唱家”，必须突破声乐表演教学模式，培养具有实用性、灵活性的市场竞争主体。
关 键 词：声乐艺术 表演 舞台行动 艺术实践
声乐艺术是一门实践性很强的表演艺术，而表演艺术是一门动力定型的技巧，是舞台表演行动的艺术，是声乐艺术的灵魂和生命。如果没有表演，声乐作品只能作为乐谱的符号形式存在，而不会真正成为艺术。
声乐表演教学在我国还是一门新的发展学科，我国高等院校和艺术学院开设这门专业只有短短的几十年，由于种种原因其发展相对还不够均衡。随着时代的进步，声乐表演教学也应有所发展与创新。目前，我国高等音乐院校与艺术学院音乐表演专业的表演课，本科设置为二年（一年为舞台表演基础课，一年为歌剧表演课）,专科设置为一年。声乐表演教学在于教理论、传方法、重实践。其目的就是开发学生的表演潜力与解放他们的创作天性,教会学生如何唤发起自己的创作天性与创作灵感。表演之难不是有正确的观念、明确表演道理就能有精彩的表演出现，而需要有反复磨砺的技巧与感觉领悟的过程。
一、根据声乐专业目标确定表演训练的重点
表演专业作为一门学科，经历了几个世纪的实践积累与演进,凝结成古今中外无数艺术家的心血, 形成系统的、科学的体系和方法。传统的表演模式是专门为表演专业设计的,是以培养戏剧表演专业人才为目的, 这与声乐表演教学目标有所不同。而声乐表演专业是培养歌唱演员、歌剧演员及音乐剧演员，而非培养专业的戏剧表演专业演员。因此，在确定训练重点的时候，应做到以下几点。
首先，需要学生从理论上了解掌握何为表演，何为舞台表演，表演在歌唱中的作用。同时，还要他们了解现今被世界公认的三大表演体系（即俄国的斯坦尼斯拉夫斯基表演体系、德国的布莱希特表演体系、中国的梅兰芳表演体系）及其美学原则。其次，需要学生了解掌握声乐表演是集音乐、诗、词、肢体、语言、行动与情感的综合体，是区别于话剧（影视）的表演。话剧（影视）是表演艺术与语言艺术的综合体，其主要行为是“演”与“说”，人物塑造是靠大段的独白来完成。而声乐表演的主要行为是“演”与“唱”，是采用大段的咏叹调、宣叙调及肢体语言来完成人物塑造的。所以，声乐表演教学应确立配合台词训练和形体训练为服务思想, 要求学生必须学好形体与台词。还有最重要也是最基本的一点，就是要让学生懂得，表演是靠演员自身的肢体、语言、情感作为创作材料与手段在舞台上创造艺术形象的。声乐表演的学生，其训练重点是以解放学生的表演天性和形体动作感觉的训练为主, 由表演的无意识到有意识再达到无意识，使学生在舞台上能“唱”会“动”又能“演”，这样，可以增强学生对不同角色的表现能力，以达到培养和造就他们成为全面的声乐表演人才。
二、针对教学对象采取灵活的教学方法
声乐表演专业学生开始普遍存在“两高两低”的问题，即：“演唱欲望高，音乐素质高”；“文学素质低，表演开发起点低”。歌唱是他们的特长，他们对声乐都有一定的了解和实践积累，也有较强的兴趣，他们对声乐理论技术技巧更有一定的理解力。然而，接受表演训练的人则凤毛麟角，表演基础低，有些学生甚至还处于原始的自然状态。据此，笔者在教学实践中尝试几种教学方法，以期提高他们的表现技巧和表演能力。
1.以舞台的形式为依托提高学生的表演能力
通过多年的舞台实践不断提高的经历及心理过程，加之教学实践的探研，笔者认为，要想提高声乐表演教学的效率，需采取与声乐专业相适应的、符合戏剧舞台表演的综合性、集体性、表演性的教学方法。因此，在实践教学中，打好歌唱基础，同时结合戏曲走远场、台步、云手等基本功的训练，通过小品、话剧、歌剧和音乐剧片段的排演，能够很好地提高学生的表演能力。同时，要更注意引导学生树立舞台意识、角色意识。也就是说，无论何时何地演唱，都要以舞台为假想地，能够真实地入戏并进入角色，能够用从戏中的“假我”情感代替“真我”的表演。具体实践中，对入戏学生的要求就是由学生的“真我”转换成戏中的“假我”过程。表演是假的，情感是真实的，告诉他们学会与“假想”的观众进行开放式交流。实践证明，这样的做法，可以使学生在歌唱中加入自己对角色（歌曲）的情感理解，更能使他们的表演潜质得以提高。
2.发挥学生的自身优势，在“演”与“唱”的结合上求突破
如果演唱歌曲时，从头到尾都是站着一动不动，要么双手“捂”着肚子，要么抱着双手在“画圈”，那样会显得非常难看又死板。在我国传统戏曲艺术教学中，必须做到“唱必动”“动必唱”。而声乐表演专业的学生大都存在着会唱不会演，“声”有余而“动”不足的毛病。大部分学生在舞台上歌唱是轻松自如的，很自信，而表演起来有的学生的肢体就是紧张僵硬的，有的学生则松懈懒散，眼睛不知看哪里，手不知道怎么放，脚也不知该往哪走了。针对这些问题，首先应从学生的表演心理着手，使学生“动”起来，结合演唱内容要求学生必须做到“走着唱”“唱着走”，让学生感知理解作品的形象特征，告诉他们表演艺术是舞台行动的艺术，舞台上的'形体动作是经过加工提炼，通过想象创造出来的，是舞台表现力的重要手段，是表演的核心元素。要学会在行动中分析歌曲内容与角色，形体动作与演唱是相互补充紧密配合的，形体动作是情感的延续，歌唱的情感始终要贯穿于形体动作，反过来说就是歌唱时的形体动作应和歌声一样要有情感。《毛诗・序》说：“言之不足，故嗟叹之；嗟叹不足，故咏歌之；咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。①故形体动作乃声乐表演表达情感的“极致”。其次，舞台是虚构的，启发学生在虚构舞台上的表演应当像孩子在生活中一样轻松自然。有位大师说过：“最好的表演要向孩子们学习。”使学生学会在艺术虚构的条件下，轻松自然做到真听、真看、真的判断决定后再行动，达到 “眼中有景”“心中有情”，同时完成歌唱的技术技巧、声音音色、作品的表现风格、表现情绪等。调动学生的表演热情，激发学生的歌唱欲望，时刻要有一种表演的冲动把自己“燃烧”起来，要他们学会在“歌唱”中“表演”，在“表演”中“歌唱”，同样做到“唱必动”“动必唱”，使学生完成“演”与“唱”的完美统一。
3.抓好“舞台”与“讲台”的贯通
多年来，笔者一直在研究如何缩短学生与真正的演员间的距离，使学生尽快成长为一名合格的演员，让他们尽快适应舞台、适应社会。学校的学生也经常临时性承担一些演出任务，而他们往往处于“学生”与“演员”之间，在台上表演时，他们既不像学生又不是演员。笔者认为，在教学过程中，必须改变课堂单一的理论传授，突破一般教学模式，合理调整“舞台”与“讲台”关系，将二者内质贯通，使艺术实践与课堂教学并行不悖相得益彰，走“讲台”――“舞台”――“讲台”的道路。教室里是培养不出歌唱家和表演艺术家的，必须加强舞台艺术实践。只有在舞台上摸爬滚打多磨多练，才不会成为“琴房歌唱家”。要求学生多多参加社会实践和社会赛事，给他们创造艺术实践的空间，搭建艺术实践平台。社会实践是为学生打开的另一扇门，是学习表演的学生成长成才必不可少的、再好不过的舞台。真正使学生在“实践”中“学习”，在“学习”中“实践”。有人说，获得知识的最好途径是切身体验，是在实践中“开悟”。 因此，必须把表演艺术的实践环节当作课堂教学的延伸，并作为检验声乐教学的成果，来提高他们的理论水平，培养其艺术创新成为重要途径。真正做到，使表演教学重点以实践经验为艺术基础，既符合教育教学规律，又遵循创新人才培养原则，保证学生的良性成长，让学生在表演艺术实践与科学理论的大道上前行。
三、着眼于戏剧戏曲、歌唱艺术的发展，努力培养多能的复合型表演人才
21世纪人才的需求是多能复合型的，歌唱是一种生产力，它是随着社会文化及音乐与社会的特殊关系的变迁而发展变化。戏剧、声乐艺术的发展是必然的。我们所了解的传统京剧演变为“现代革命样板戏”，传统相声的表演形式演变为倍受人们喜爱的“小品”。由于流行音乐元素的渗透，传统京剧又成为一种新的音乐表演体裁“戏歌”形式出现。现今我国演艺界中就有这样的例子，有的影视演员出歌唱专辑，有些相声演员做综艺节目主持人，有的歌唱演员去演戏，有的节目主持人既唱歌又演戏，这就是适应社会、满足社会的需要。随着科学的进步，经济的发展，旧的教育理念已不适应现代社会的需求。因此，改变声乐表演教学理念，培养出具有实用性、灵活性的市场竞争主体势在必行。
注释：
①李学勤主编.毛诗正义[M].北京大学出版社，.
参考文献：
[1]林洪桐.表演艺术教程――演员学习手册.中国传媒大学出版社.
[2]王淑琰，林通.影视演员表演技巧入门.中国广播电视出版社.
篇9：声乐表演的和谐探索论文
声乐表演的和谐探索论文
身体各部分机能只有协调才能健康,再比如衣着打扮,色彩的搭配一定要协调,而不是色彩的胡乱堆砌,配饰也要与所要修饰的衣物协调才能增加美感,否则只能是徒增累赘,起到相反的作用。下面结合舞台实践,从三个角度谈谈声乐表演中的协调统一。
一、字与声的协调统一
任何歌曲的表现都必须通过语言、文字来描述内在的感情活动,声乐表演者必须通过对文字的了解和语文的掌握,展示各种细微生动的表现。歌唱语言既是歌曲创作的基础,也是歌唱的基础,只掌握声音技巧而忽略对语言的正确掌握运用,不能成为完成的歌唱艺术,因此在声乐表演中必须重视字与声的协调统一。首先,字的要求是能将歌词大意让观众听清楚,听明白,要求吐字准确,唱腔圆熟,只有字正才能腔圆,通过咬字、字音、声调准确,才能充分并且准确地表达歌词大意以及歌曲的内在含义。“在具体分析实例和演唱者观察中,‘字正腔圆’是一个最基本的技能,特别是在民族声乐的演唱当中,更加充分说明了这项基本技能的重要性,‘字正腔圆’最初是我国传统戏曲常见的表现手法,是用以衡量演唱水平的一个标准,后来逐渐衍化成了演唱艺术和音乐创作应遵循的原则”。[2]在民族声乐演唱中,清晰的语言和准确的咬字吐词是表达歌曲思想、刻画人物性格、塑造动人心弦的艺术形象、深化创作主题的一个极其重要的因素。其次,对于声音的要求是自然、省力、没有声嘶力竭和生硬的感觉,高质量的声音是洪亮圆润有光泽,富于弹性,有强弱对比和音色的变化,有自身嗓音本质的体现,又有丰富的泛音和共鸣。字与声的关系既是矛盾的,又必须是统一的。歌唱时要求吐字清晰、灵活,在口腔的前半部完成,也就是唇、齿、舌、牙在工作,而发声却要求咽喉部必须稳定,吐字的嘴要灵活,发生的嘴要稳定,使每一个字都唱在同一的共鸣腔体里,达到圆润清晰的目的。
二、歌唱技巧的协调统一
通常人们将音域划分为低声区、中声区、高声区。歌唱时经常出现换声现象,其实是因为歌唱者唱法有问题才会出现这种情况,即唱到某个音时有困难或者产生破裂,也就是说有换声点的出现。有的把换声点当成歌唱的一种必然而加以解决,甚至有的声乐表演者还将唱法分为低声区、中声区、高声区从而陷入了误区,正如P.M.马腊费奥迪所说:“歌唱嗓音在正确发声时是没有声区的,根据自然规律,嗓音――它的整个音域――是只由一个声区造成的。”声区的统一问题其实体现了歌唱者在歌唱时的间接意识,从低音长到高音时,每个声音的振动,共鸣的比例,真假声的比例都不同,都是由歌唱者通过间接意识指挥人体来完成的。歌唱时根据唱法不同要求腔体打开的程度也不同,这直接体现在喉结下沉的程度不同。喉头的高低对音色的好坏起着关键作用,稍有移动,都会在音色上反映出来。因此,歌唱者在低声区进入中声区的时候,喉头要保持稳定状态,低声区才能饱满圆润,而在中声区进入高声区的换省时,要训练喉头位置略微往下移动,就像流口水的傻子笑呵呵时发声的状态,打哈欠也有这种感觉状态,也像呕吐时的意识状态。因此许多音乐老师都要求学生寻找打哈欠的感觉,这种意识状态既不只是意识上的感觉,也不是身体上的感觉,而是要求歌唱时要始终贯穿两种意识感觉,特别在换气的时候,也不能丢失这种感觉,不能到唱的时候才又重新建立这种感觉状态,一般建立这种感觉状态需要时间,但换气的时间都不够去建立这种状态,同时保持这种状态有益于吸气,因为不能丢失这种状态,这就是所谓的“歌唱状态的保持”。
歌唱中声音的真假比例也是由歌唱者的意识协调来指挥完成的,由于歌唱能力的限制,从中音向高低音扩展时,真假声比例范围越来越小,比如唱中音时,声音可以在真声占绝大比例和假声占较绝大比例中任意调配,但越往高低走,这种调配越受限制,到最高音和最低音时,真假音比例只能各占一半,控制这种变化需要依靠歌唱者的意识感觉和经验,真声比例多时要求意识感觉像喇叭一样往外扩,假声比例多时则要求意识感觉像漏斗一样往内收。同时,从中音开始往两头走时,音量的最大量是递减的,在固定音高上,音量的可调范围与真假声比例成反比,假如真声比例大,相反音量的最大量和最小量就比真声比例小的音量大。所以在歌唱中,歌唱者要掌握好自己的歌唱能力,分析自己的歌唱能力对声音的限制,客观的运用好声音,协调好各种歌唱技巧,才能唱出自己水平之中最好的声音。
三、声音与情感的协调统一
关于音乐的本质,我国古代典籍《乐记》中有着精辟的'论述:“凡音之起,由人心生也……,其哀心感者,其声瞧以杀;其乐心感者,其声蝉以缓;其喜心感者,其声发以散;其怒心感者,其声粗以厉;其敬心感者,其声直以谦;其爱心感者,其声和以柔。”[3]这段话点出了声音与情感的对应关系。音乐是表达情感的艺术,情感是歌唱艺术的核心,而歌唱者的声音则是情感的艺术表现形式。歌唱者不但要追求声音的美感,更要注重情感的表达,只有声情并茂,才能达到音乐表演的最高境界。歌唱情感是一种心理体验,包含了声音技巧和情感表现两个方面。在歌唱艺术中,声音的美感是重要的,但歌唱情感审美也不能轻视,二者联系紧密,相辅相成。歌唱者在演唱时,通过声音和表演将歌曲内在情感传达给观众,观众欣赏到演员的演唱,再通过联想和想象,在头脑中形成艺术形象。
在声乐表演中,歌唱者对作品的情感把握尤为重要,只有处理好对作品情感的理解问题,才不会出现“为声音而声音”的现象,很多歌唱者具备卓越的歌唱技巧,然而因为缺失对作品的情感理解,演唱时显得空洞洞的没有灵魂,不容易引起观众的共鸣,人类是一种情感动物,一首作品只有歌唱者本身受到感动,才能将这种情感传递给观众。在声乐表演中,对情感的处理和把握有一定的技巧和规律,但不能千篇 一律运用在所有作品中,需要对不同的作品进行不同的情感处理和把握,毕竟每首作品都,每个作者给不同声乐作品授予的内涵信息不一样,所要传达给观众的信息自然也不一样。这就对歌唱者的心智修养有很大的要求,动人要先动情,一个歌唱者首先自己要有饱满的热情,一首歌曲的感情体验,是从歌曲的局面分析和理解中入手,通过外部表情动作,表达音乐作品中的喜怒哀乐,在平时生活更要重视对社会的观察、分析、体验,丰富生活内涵,充实精神世界和心智修养,才能使表演的歌曲内容不单薄、造作,肤浅,正所谓“一生唱此曲,而不知此曲所言何事,所指何人,口唱心不唱,口中有曲,而面上、身上无曲,此所谓无情之曲。”[4]音乐想象和联想有助于歌者进入音乐,进入角色。音乐想象是“人在原有的,对音乐的感性认识形象的基础上,通过拼接、重塑而形成的新的音乐形象的心理过程。”[5]一个作品,其包含的情感内涵和意境,有些是表演者真实经历过的,能体会感受得真切一些,而有的情感是表演者没有经历过的,那就需要音乐想象来完成。想象是音乐的情感得以产生、表现以及被接受的重要媒介。音乐表演中的想象,不仅是对具体形象的联想,更主要是通过这种想象使表演者自身进入到音乐作品的情感和意境中,使表演者的情感和情绪的体验紧密结合在一起,从对具体形象的联想升华到对音乐作品的体验和领悟,把音乐表演的想象与情感、联想与体验等心理因素结合起来,使得音乐情感更加饱满丰富,也是借助音乐想象和联想,让表演者置于角色之中,达到最佳表演状态,有效调控心理活动,更能使声乐表演达到更高的境界。
篇10：情感表达声乐教学论文
情感表达声乐教学论文
一、优化练声，为情感表达提供保障
准确表达歌曲情感依赖于演唱者的演唱技巧。因此，在声乐教学中，教师不能放松对于发声技巧的训练。作为声乐训练的基础，发声练习应当因材施教，通过针对性的练习提升每一位学生的发声能力。传统教学中发声训练常于歌曲练习分开，运用课前时间调整声音状态，解决存在问题。为提升发声练习对于情感表达的辅助作用，教师可以将所学歌曲的重难点进行提炼，转变为适合学生进行训练的练声曲或者练习模式，则能够有效加深学生对于歌曲的认知，在反复练习中潜移默化感受歌曲情感。在具体改进中，教师可以从语言、音高以及歌曲旋律入手，适当改造歌曲中的重点难点内容，为之后的歌曲演唱训练扫除障碍。在练声过程中，教师要指导学生端正练习态度，让学生认识到练声也是一种歌唱，是一个创造美的过程。每一段声情并茂，引人入胜的表演都与演唱者日常的训练密不可分。练声时，教师应当有意识地培养学生的演唱意识，在练习的过程中也要注意自身的形象美感，以饱满的热情和良好的精神状态投入练声过程，面带微笑，想象自己能够将声音传递到远方，想象自己正在进行一场歌唱表演。练声是一个强化技能，提升自我的过程，也是一个创造美的过程，在对着镜子进行练声，有利于帮助学生发现曾经忽视的问题，改正不良发声与表演习惯，进行针对性练习。热情洋溢的练声训练可以有效避免练声的枯燥性，使练声效果事半功倍。
二、研读内容，为情感表达奠定基础
表达歌曲的情感建立在对于歌曲内容的准确理解与把握之上。因此，为提升学生演唱过程中的情感表达能力，教师要培养学生仔细研读歌谱与认真分析歌曲内容的良好习惯。歌谱的分析要做到精细，既要关注歌曲创作的时代背景，也要向学生介绍作曲家的创作风格以及创作意图等内容，分析旋律特征以及语言特点，进而形成对于歌曲的感性认知与理性理解，准确把握歌曲的感情基调。例如在教授《西部放歌》时，教师应当指导学生认真阅读歌谱，了解歌曲的创作背景，把握时代脉搏，体会歌曲中的宏伟气势与豪迈气概，品味朴实的乐曲基调。通过将西部民歌作为素材，作者歌颂了辛勤劳作的“黄土地”儿女，以及其建设祖国西部山河的坚定决心。歌曲由歌唱家王宏伟演唱，他那纯正而极富穿透力的嗓音有力诠释了歌曲内涵，让人心潮澎湃，激起人们创造美好生活的斗志。如果忽视作品的创作背景，就难以挖掘歌曲的深刻内涵，影响歌曲表演的情感表达。在了解歌曲背景等基础上，还应当对歌曲的具体内容进行进一步的深入剖析，加深对于歌词理解与感受，在结合自身经验的基础上揣摩作品意象，理解其中的情感变化，从局部到整体把握歌曲情感。例如，在教授《教我如何不想她》时，学生在了解了作者刘半农远在他乡对祖国与亲友思念的基础上，进一步分析歌词含义。题目中的“她”既是祖国、亲友。也可以是心中朝思暮想的人。在演唱的过程中，演唱者通过歌词与旋律，将心中的无暇遐想寄托在歌唱表演中，抒发自己对于“她”的无限思念。
三、舞台实践，为情感表达提供契机
声乐表演不是为了自我陶醉，而是为了使艺术的生命在舞台中绽放。舞台表演与日常训练拥有很大差别。因此，在声乐教学的过程中，教师应当通过组织舞台实践，为学生在表演中抒发情感奠定基础。舞台表演是情感的交流。在表演过程中，演唱者通过自身的歌声、动作、表情等于演员、伴奏以及听众进行交流，克服紧张情绪，全神贯注投入表演，进而将歌曲情感流畅抒发。因此，在教学过程中，教师应当对学生的舞台表演进行具体的指导，例如形体动作、面部表情，甚至于心理变化。常言道，眼睛是心灵之窗，在教学中，教师要特别注意对于学生的眼神训练，通过眼神的`交互拉近与听众的距离，实现与演员以及伴奏者的协调配合，更好的传情达意。具体训练可以通过考试测验的方式进行，在每学期，学生都应当精唱八首作品，通过必唱曲目与抽唱曲目结合的方式进行测验。另外，还应当依据学生具体情况组织声乐演唱实践，每次六至八名学生参加。对于学生在表演过程中表现出的优缺点，各个教师应当进行点评与指导，为学生提出切实可行的改进措施。除此之外，教室还应当鼓励学生参与各类文艺表演以及歌唱比赛，组织学生参加音乐会，并依据学生的参加积极性与学习效果对学生进行评价，让学生在积极实践的过程中把握情感表达训练的契机，提高演唱过程中的情感表达能力。
综上所述，声乐教学中演唱的情感表达既需要娴熟的演唱技巧，又需要对于歌曲情感的准确把握以及有效的舞台实践。情感表达是教师的与学生的共同追求。只有在教学过程中不断深入研究，依据学生学习情况与教学实践改进教学策略，才能够提升学生的演唱水平与情感表达能力，为声乐表演培养更多的优秀人才，诠释声乐艺术的真正魅力。
篇11：影视表演专业声乐教学研究的论文
影视表演专业声乐教学研究的论文
声乐课是影视表演专业的四门专业基础课之一。教学目的旨在让学生掌握科学的发声方法，并能够运用声音这个手段，在表演中准确塑造人物形象。在声乐课堂上，老师对学生的演唱要求可以用“声情并茂”四个字来概括。要求学生不仅要学会歌唱发声的基本技术技能，还需要学会用歌声来传情达意。
如何做到“声情并茂”，使演唱富有感染力，需要具备两方面能力。第一，需要掌握气息、吐字、发声、共鸣等基本的声乐发声技巧，以及会运用面部表情、肢体语言等表现出细致、鲜明的外在动作。第二，需要掌握内在的表情达意的一套完整系统。这需要有敏感充实的内心，丰富的阅历和情感体验。还能将这些体验转化为技巧运用到歌唱中去，能够根据不同的作品演唱要求，做到内部心理和外部动作的有机统一。显然，第一种能力容易达到，只要具备声乐演唱的能力，通过正确的指导和坚持不懈的练习就会有收获。第二种能力则属于精神范畴，也是歌曲演唱的灵魂所在，把握好这一点并不容易。声乐中的“以情带声”，就是强调第二种能力的重要性。这和表演教学中用自身体验去塑造鲜明的人物形象在美学上是一致的'。因此，声乐演唱中情感的表达，从根本上说也是遵循现实主义的创作方法，即注重人的体验。
目前，我系声乐教学确立了以演唱影视歌曲为主要内容的教学体系。“影视歌曲”作为一种独特的歌曲形式，是和影视作品中人物形象创造、影片立意有关的歌曲门类。其创作背景、词曲写作、音乐织体等，都是围绕着从属影片展开。它既有自身的艺术价值，又能以小见大反映一部影片的艺术构思。以影视歌曲为契合点，可以将两门学科有机结合起来。
研究如何通过影视歌曲这一媒介让学生做到唱中有演，在演中歌唱，使人物形象变得更加丰满立体，成了声乐教学的目标之一。这一思路的确立，不仅为声乐教学开辟了新领域，也为声乐教学如何能更好地同表演教学相结合提供了新途径。站在学生的角度，表演专业的学生在音乐基础、嗓音条件等方面，距离专业音乐院校的学生还有不小的差距。因此，表演专业声乐课的验收标准也应该有其特殊的地方。如此一来，“声情并茂”中的“情”就显得尤为重要了。我们经常跟学生强调，“只有先打动自己，才能打动观众。”情感是声音的灵魂，是演唱中最精华的部分。这实际上就是要求学生在演唱中做到“真听、真看、真感觉”。另外，在学习兴趣方面，影视歌曲对影视剧中的情节和人物或概括、或特写，音乐形象鲜明突出。表演专业的学生演唱影视歌曲，更容易找到情感共鸣，便于激发学生的学习兴趣。如何富有表现力地唱好一首影视歌曲，需要在以下几方面下功夫。
首先需要分析、理解歌曲，知道歌曲是对剧中哪个人物或者情景的描写，该人物和情景的特征是什么，理解影视歌曲中所反映的生活及人物的思想感情、神态和事物的内涵。歌曲出现在影片中的什么位置，出现了几次，有没有变形处理等，掌握这些信息是唱好影视歌曲的基础。此外，还要以点带面了解整部影片的一些信息。这可以充分发挥学生的主观能动性，变被动学习为主动学习，让学生当老师，讲解所演唱歌曲及其出处影片的一些信息。在这一过程中，你会发现，有的学生熟知某些类型片、某些导演、某些歌手。教学相长，老师们也能从中学习到很多知识。其次，要多训练声音，熟练掌握音乐语言、声音表现手段，善于运用歌唱的技能技巧表现情感。练习基本功，没有捷径可走，这一点和音乐系科的声乐学习是一致的。
此外，还要做一个有心人，善于观察周围的人和事，能够捕捉细节，善于抓住不同人物的特征。对生活充满热情，多去积累体验，直接的和间接的，不断丰富积累自身的阅历，并能将这种阅历和体验转变为有机的情绪记忆存储在大脑中。在演唱影视歌曲的时候，选取有用的部分将其提取出来，这一过程是最重要的，也是最困难的。要想做到这一点不仅需要学生的努力，也离不开声乐老师的指导。老师们要主动学习，除了不断提升自身演唱和教学的技能之外，还要了解表演教学的基本规律，熟悉塑造人物的常用手段，能够指导学生分析和塑造人物。这也向声乐老师提出了新的要求和挑战。需要老师们新学常新，不断扩充和提升自身的知识储备。
如此，学生才能把影视歌曲唱好，诠释好。教师才能把影视表演专业的声乐课上好教好。同时也使得影视专业的声乐课内容有特色，教学有创新，学生学习有成效。一首小小的影视歌曲也成为了一条纽带，将声乐和表演两个学科紧密联系了起来。它亦是一个载体，能够同时展现学生的唱功和演技。
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